“Final Frontier”, de Tom Scioli
The Beatles meet Fantastic Four. Tras finalizar “American Barbarian” (a puntito de salir en papel), Tom Scioli vuelve a la carga con un supergrupo (en lo musical y en lo heroico) que la lía gorda montando su concierto de despedida en el techo la azotea de su cuartel general. Puro cosmic pop. Aún está arrancando, pero sus 12 páginas iniciales prometen.

“Calamity of Challenge”, de Matthew Allison
Matthew Allison dando rienda suelta a su universo líquido-psicodélico de monstruos y superhéroes. Merece la pena echar un vistazo al resto de su blog, sembrado de reinterpretaciones de portadas clásicas de Marvel y DC.

Para los que no estén al tanto de la actualidad friki, “Flashpoint” es el último megaevento mierder de DC Comics para resetear (por enésima vez) su universo superheroico  generando así un nuevo status quo (argumental y editorial) todavía más mierder. En esta ocasión, la excusa es una alteración (para mal) en el espacio-tiempo “deceero” que Flash debe reparar. Como de costumbre, la serie principal viene acompañada de multitud de spin-offs totalmente innecesarios pensados para sacar los cuartos a los fans completistas. Sin embargo, en esta ocasión podemos encontrar una perla en medio de tanta morralla. Se trata de la miniserie “Batman: Knight of Vengeance” realizada por un equipo creativo que nadie esperaría ver envuelto en un (sub)producto de esta índole: Brian Azzarello y Eduardo Risso.

Los artífices de “100 Balas” ya dejaron huella en la mitología de Batman con “Ciudad Rota”, una devastadora coda para el archiconocido origen del Hombre Murciélago.  Ésta vez, aprovechando el universo alternativo de “Flashpoint”, juegan de nuevo con el concepto del origen, replanteándolo con una interesante variación: es Bruce Wayne el asesinado en el atraco y es Thomas, su padre, el que se convierte en Batman para vengar su muerte.

Otro Batman, otros métodos. Thomas Wayne toma una táctica de pesadilla capitalista para luchar contra el crimen: sirviéndose de su fortuna convierte a Gotham City en una segunda Las Vegas para atraer el crimen a la ciudad y después dar buena cuenta de los criminales, ya sea a través de su alter ego (sin miramientos a la hora de matar) o mediante el poco constitucional Departamento de Policía de Gotham, privatizado y bajo control de la Corporación Wayne.

En ese marco contextual, Azzarello y Risso desarrollan una macabra historia que roza el delirio granguiñolesco, digna de ser trasladada a cine por algún realizador adscrito a la nueva ola del terror galo. Los autores recolocan a los personajes clásicos de la franquicia en nuevos e inesperados roles, y aprovechan eso de trabajar fuera de la continuidad oficial para cargarse a quien haga falta. Una auténtica gamberrada pasada de rosca, pero a la vez con bastante chicha, cuya existencia ha sido posible gracias a su condición de subproducto intranscendente, fuera del canon. Resulta sospechoso que, precisamente, lo mejorcito que ha dado DC en los últimos años  hayan sido un puñado de historias “imaginarias” fuera de la continuidad oficial de sus personajes. Algo les falla, y me parece que con eso de los New 52 no lo están solucionando.

…Por poner algún ejemplo.

Descansa en paz, MAESTRO

Fenómenos como “Forming” o “BodyWorld” empiezan a destapar lo evidente: grandes novelas gráficas impresas del futuro se están gestando ahora mismo vía entregas digitales colgadas en Internet. La web se está revelando como efectivo sustituto a las desaparecidas revistas de cómics que prepublicaban una historia mientras el autor la iba dibujando. Inconveniente: la pasta no fluye hasta que el trabajo esté terminado. Ventajas: sin perder otra cosa que su “fuerza de trabajo”, el autor puede arriesgarse más creativamente, obtener la respuesta del público en tiempo real, generar fanbase y, si todo va bien, currarse una edición impresa de puta madre cuyos lectores  habituales no se resistan a dejar pasar.

Como cada vez leo más tebeos provenientes de la web, inauguro esta sección para irlos reseñando, y así formar parte activa de esa fanbase que le gustaría tener esos tebeos en la estantería. Si conocen alguna joya escondida de este panorama webeditorial, no duden en hacérmelo saber. Por mi parte aquí va la primera tanda:

“Paws”, de Pete Toms
Un escritor frustrado, alcohólico y “odiador” de la televisión se ve envuelto en la producción de una teleserie autobiográfica para un canal cutre local sobre su supuesta abducción y conversión en hombre lobo perpetrada por un enigmático anciano “Espíritu del Bosque”. Se incluyen conversaciones con perros y bocadillos de textos rellenos de largas parrafadas baudrillardianas. Enlace de título aparte, se puede leer aquí de forma más cómoda pero con actualizaciones cada 10 entregas.

“Ant Comics”, de Michael DeForge
Nunca (salvo quizá en algún documental de la 2) se ha mostrado la vida en una colonia de hormigas como algo tan lleno de podredumbre (física y moral), muerte y represión sexual. Todo un microdrama

“Puke Force”, de Brian Chippendale
Si quieren catar a Chippendale sin arriesgar su dinero, esta es su oportunidad: robots que ven gente muerta, tipos que se esfuerzan por ocultarse como usuarios  de porno en Internet pero salen a la calle con las vergüenzas al aire, varios capítulos dedicados a mostrar una explosión suicida en una cafetería desde el punto de vista de algunas de sus víctimas, trolls interneteros poseídos en un ciber… Este señor está fatal, pero que sigua así!

Para terminar el post, y ya que salieron a la palestra Chippendale y “lo gratis”, una pista de audio de 20 minutos que acaban de subir Lightning Bolt  a la red:

Y para amenizar la jornada, una canción sobre culos. Nunca me expliqué como no se se ha convertido en megahit. Ojo a la letra:

Anteriormente:
Big Culo Day 2008
Big Culo Day 2009
Big Culo Day 2010

Uno de los más sólidos pilares del “malestar en la cultura” en el que estamos atrapados es el devastador binomio expectativas-realidad. Ante un mundo de potencialidad infinita por delante, las poco curtidas mentes de la chavalada se ven abocadas inevitablemente a un proceso de decepción-readaptación también conocido como “crecimiento como persona” que cada un lleva como mejor puede.

Pienso que esta gestión de la decepción resulta especialmente interesante, y también dolorosa, para aquellos que han tomado la senda del arte. Inspirados por las hazañas de los grandes nombres del medio de expresión que les ha cautivado, pronto se darán cuenta que muchos son los llamados y pocos los elegidos. En ese momento empieza la verdadera aventura, la de enfrentarse al azar, a las  limitaciones propias y a la toma de decisiones.

Esto todo lo explica de maravilla el prolífico Bastien Vivès en “Polina”. Utilizando como contexto el durísimo mundo de la danza clásica rusa, Vivès cuenta una historia aplicable a cualquier disciplina artística. A título personal, el ballet ni me va ni me viene, sin embargo esta novela gráfica me ha resultado muchísimo más interesante que otras aproximaciones al mismo tema ambientadas en una esfera mucho más de mi agrado como es la del cómic. Muchas veces, cuando los artistas reflexionan sobre sí mismos les sobra pedantería, algo que para nada ocurre en “Polina”.

Ya en el plano formal, a destacar el trazo ágil y expresionista de Vivès, un autor que, como alguno de sus personajes en el tebeo que nos ocupa, no duda en arriesgarse y probar cosas nuevas en cada proyecto que aborda. En este caso, el uso del bitono y líneas curvas (aparentemente) rápidas vienen como anillo al dedo para representar un arte basado en la belleza del movimiento como la danza en un medio de imágenes estáticas secuenciales como es el cómic. Aplicándose las recomendaciones de uno de sus personajes, hace que lo difícil parezca fácil.

Top 10

10. “Aventuras de un Oficinista Japonés”, de José Domingo
Este año más que ningún otro… Galicia calidade!!!. José Domingo se descubre con este tour de force viñetero como un grande de la historieta. Y la edición, (muy)  a la altura de las circunstancias.

9. “La Vida Secreta de los Jóvenes II”, de Riad Sattouf
Sattouf capturando la realidad en pequeñas, descojonantes y a veces terroríficas dosis.

8. “BodyWorld”, de Dash Shaw
El futuro visto por Dash Shaw, el de la humanidad y el del cómic.

7. “Habibi”, de Craig Thompson
Una historia de historias bellísima e inabarcable. La historia del universo contada a través de una historia de amor. Amor en todas las acepciones del término

6. “Frank”, de Jim Woodring
Por fin, Woodring deja de estar inédito por estos lares, y a lo grande en una edición de lujo. Qué mejor manera de dar a conocer las historias cripto-lisérgico-surrealistas de Frank y compañía. Un must del neo-underground americano.

5. “El Héroe”, de David Rubín
Rubín se supera a si mismo contando la arquetípica historia de Heracles como ningún otro podría haberla contado. Como iba diciendo.. Galicia calidade!!!

4. “Pagando por ello”, de Chester Brown
Claro, conciso, honesto, sin sentido del pudor y siempre con la razón de su parte. Ese es Chester Brown.

3. “Penny Century” / ”El Fantasma de Hoppers”, de Jaime Hernández
Este año, ración doble de Jaime. Supremo, como siempre.

2. “Tóxico”, de Charles Burns
Los que creíamos que “Black Hole” supondría el zenit creativo de Charles Burns estábamos muy equivocados. En “Tóxico” refina su estilo a niveles insospechados… y eso hablando de Burns es decir mucho (pero mucho).

1. “Flujo”, de Dave Cooper
Ya tardaba la publicación en España de esta apabullante pieza maestra. Cooper se “desnuda” poniendo en papel la fantasia psico-sexual neocárnica definitiva. Y lo hace a través de Tina, uno de los personajes de ficción más complejos con los que me he encontrado en mi historia como consumidor (sub)cultural. Una auténtica pena que este magnífico autor haya dejado de hacer tebeos porque no le salía rentable… Vuelve Dave!!!!

También me gustaron mucho:
”Aama v1: Olor a tierra caliente”, de Frederik Peeters
”Hoy es el último día del resto de tu vida”, de Ulli Lust
”Polina”, de Bastien Vivès
”Ellos Mismos”, de Joaquín Reyes
”¡La crisis está siendo un éxito!”, de Manel Fontdevilla
”Luba”, de Beto Hernandez
”La Oruga”, de Suehiro Maruo

Siguen excelentes:
“Los Muertos Vivientes”, de Robert Kirkman y Charlie Adlard
"Incógnito”, de Ed Brubaker y Sean Phillips
”Gantz”, de Oku Hiroya

Joyas de importación:
“Love and Rockets: New Stories”, de los Bros. Hernandez
“Prison Pit” vol. 3, de Johnny Ryan
“Garden”, de Yuichi Yokoyama
“Congress of the Animals”, de Jim Woodring
“Forming” vol. 1, de Jesse Moynihan
”IF’N OOF”, de Brian Chippendale
”Powr Mastrs”, de C.F.
”The Death Ray”, de Daniel Clowes
”Officer Downe”, de Joe Casey y Chris Burman

Ojito a Internet. De allí salen:
“Forming”, de Jesse Moynihan
”American Barbarian”, de Tom Scioli
”BodyWorld”, de Dash Shaw

Anteriormente:
Lo Mejor de 2006: Comics
Lo Mejor de 2007: Comics
Lo Mejor de 2008: Comics
Lo Mejor de 2009: Comics
Lo Mejor de 2010: Comics

Para participar en el sorteo, solo deben enviar a la dirección de correo concurso@intramuros.es la respuesta correcta a la siguiente pregunta:

Matt Wagner es uno de los pioneros del comic-book independiente americano. Paradójicamente, el universo de uno de sus más conocidos personajes ha sido desarrollado en gran medida por otros autores, como suele pasar en Marvel y DC, aunque bajo la atenta supervisión de su creador. ¿De que personaje estamos hablando?

Las bases son las que siguen:

1. Válido solo en el territorio español (los portes al extranjero se salen del presupuesto).
2. El concurso estará vigente hasta que haya recibido cinco respuestas correctas. En ese momento seleccionaré el ganador (vía rand(1,5)), me pondré en contacto con él a través de un mail y publicaré la resolución en el mismo post del concurso y en Twitter.

Si esta experiencia piloto resulta  positiva, se repetirá con la mayor frecuencia posible hasta el 21/12/2012, cuando los dioses mayas nos manden a tomar por saco. Feliz año nuevo a todos.

Actualización (2/1/2012): 
Concurso cerrado, procediendo con el sorteo y comunicación con el ganador…

Actualización (3/1/2012)
And the winner is… Pilar, de Santiago de Compostela. Muchas gracias al resto de participantes, y atentos porque habrá más intraconcursos en breve.

En una reciente entrevista a Robert Kirkman (no recuerdo en que medio) realizada a cuento del estreno de “The Infinite”, el ahora mediático guionista explicaba que esta nueva serie estaba pensada para sacar el máximo partido al estilo gráfico de su dibujante, el celebérrimo Rob Liefeld. Kirkman hablaba de que los personajes diseñados por Rob! suelen vestir trajes de combate llenos de cartucheras y artilugios tecnológicos que nadie parece saber para que sirven. Uno de sus objetivos como escritor de la serie sería darle sentido y uso a todos esos cachivaches.

Semejantes declaraciones pueden parecer anecdóticas, pero lo cierto es que reflejan una de las características más importantes del estilo Kirkman: su naturaleza exageradamente explicativa. Robert es un fanboy de la vieja escuela, de los que aman conceptos como “moléculas inestables” o “traductor universal” y detestan los agujeros argumentales.  En sus universos de ficción no hay cabos sueltos, cualquier posible duda del lector sobre las motivaciones o comportamientos de los personajes queda resuelta en alguna escena de diálogo planificada de antemano. A Kirman no le pillas en renuncios.

Con Kirkman esto no pasa

Además de las incongruencias de guión y/o continuidad, hay otro aspecto que el geek clásico no soporta en un tebeo: que la historia no avance. En eso tampoco podremos pillar a Kirkman. Tanto en “Los Muertos Vivientes” como en “Invincible” (sus dos series largas) no paran de pasar cosas, las tramas avanzan a la velocidad del rayo, cambiando constantemente el estatus quo de los personajes. Hay muertes, nacimientos, cambios de bando, revelaciones impactantes, elipsis temporales… pero nada gratuito o irrelevante, y sobre todo sin posibilidad de reseteos. Kirkman forja continuidad a la vieja usanza, como lo hacía Stan Lee y Jack Kirby en los inicios de la era Marvel.

En definitiva, podríamos considerar a Robert Kirkman como el Peter Jackson del mundo del cómic: Un individuo que ha sabido forjarse una identidad  creativa en base a recuperar modelos narrativos denostados, pero también añorados por los que crecimos consumiéndolos. Por mi parte, sacando mi friki interior, solo puedo gritar a los cuatro vientos, y esta vez sin pizca de pitorreo: VIVA ROB!!! (Kirkman).

En los comentarios del post sobre “Prison Pit” en este blog, Toni Bascoy decía acertadamente:

“Parece que hay una nueva corriente en USA, unos tipos muy iconoclastas y medio pirados que se están enfrentando a ese acabado tan exquisito de Ware y su cohorte de seguidores a base de comics que parecen hechos de forma automática, desde un subconsciente medio perjudicado, llenos de manchones y vías muertas. Parecen fantasías preadolescentes, donde sexo y violencia se confunden y solapan.”

Una vez leído el “Holy Terror”, no puedo dejar de pensar en Frank Miller como nuevo miembro de pleno derecho de este “movimiento” que apela al infraconsciente atávico para hacer comics. Es más,  “DK2” podría considerarse un precedente de esta manera de proceder, al menos en su (discutidísimo) apartado gráfico.

 
Frank Miller vs. Brian Chippendale

Pero a diferencia de Brian Chippendale, C.F. o Johnny Ryan, Miller es viejo y está muy cabreado. Como un Bruce Wayne incapaz de asumir la muerte de sus padres, Miller todavía no ha superado el 11-S, y “Holy Terror” es su infernal fantasía de venganza hacia el terrorismo islámico. Una fantasía que parece no haber sido procesada para su traslación a comic, descontextualizada, con un argumento incoherente y salpicada de fugas eróticas sadomasoquistas. Del cerebro al papel sin ningún tipo de filtros.

La habitual componente satírica de Miller desaparece. “Holy Terror” respira resentimiento y desdén hacia la cultura islámica,pero tambíen reproche hacia la cultura occidental, que el autor acusa de blanda frente al tremendo enemigo con el que tiene que lidiar. Su pensamiento puede resumirse en una secuencia de dos viñetas incluida en el tebeo: en la primera, un grupo de jóvenes occidentales en el cine disfrutando de “Transformers”, en la siguiente, la juventud islámica enfurecida practicando una lapidación. “Holy Terror” es ideológicamente aberrante pero artísticamente fascinante. Para el lector es una conexión en crudo y sin cesura con la mente de Frank Miller a través del lenguaje del tebeo. Si lo que encontramos en ese oscuro lugar no es de nuestro agrado, ya es otro debate.

Respecto al estilo gráfico, podemos ver cierta evolución hacia el garabato. Frente a la predominancia de  trazos gruesos en el “DK2”, en esta nueva obra vemos muchas viñetas que parecen dibujadas a Bic naranja. Tampoco faltan página llenas de manchones de tinta informes, y la rotulación parece hecha a mano de manera semiprofesional. Es como si el tebeo tuviese más sentido presentado como fanzine que como novela gráfica en tapa dura.

Pese a la mala recepción crítica que está teniendo “Holy Terror”, recomiendo su lectura, aunque solo sea para satisfacer el apetito voyeur del lector hacia el autor.

Le tenía un poco perdida la pista al universo “palormariano” de Gilbert “Beto” Hernandez. He leído bastante material suyo en los últimos años, pero todo él ajeno al microcosmos generado a partir de las ya míticas historias de “Sopa de Gran Pena”. No he tenido noticias de Luba y compañía desde la ya lejana “Rio Veneno”… hasta ahora. En un ejercicio de elipsis lectora me reengancho a la saga con “High Soft Lisp", el último recopilatorio americano que, siendo sincero, adquirí por pura influencia de su portada, un irresistible arrebato pop de fluorescente atractivo.

El contenido del volumen me resulta curioso a la vez que consecuente con la trayectoria, llamémosle paralela, de Gilbert en el último decenio. A través de Rosalba “Fritz” Martínez, medio hermana de Luba el autor mezcla el desarrollo de personajes bigger than life de Palomar con los experimentos bizarros, a medio camino entre la serie B y lo linchyano, a los que nos tiene acostumbrados últimamente.

Fritz: psicoanalista, actriz en películas de serie Z, tetas grandes, fijación sexual con las pistolas, habla con un ligero ceceo. Mark Herrera: exitoso gurú de la autoayuda, obsesionado con un misterioso animal acuático nunca fotografiado, seis turbulentos matrimonios a sus espaldas, le excita compartir su pareja con terceros, casado con Fritz durante tres años. Imagínense los retazos de vida que puede construir Beto en base a estos personajes.

Beto aprovecha la condición de actriz de cine de derribo de su protagonista para aventurarse en los terrenos de la metaficción. Ya son varias las novelas gráficas e historias cortas en su haber que “adaptan”  las películas protagonizadas por Fritz a lo largo de sus trayectoria vital. Una derivación con pocos precedentes dentro de cualquier medido de expresión, y en cualquier caso nunca llevada tan lejos.

Siempre he sido más de Jaime que de Beto, aún cuando muchos consideraban al segundo el mejor de los Hernandez. El tiempo ha puesto a Jaime en su sitio, como auténtico superdiós del comic, dejando a Beto en la sombra, como un experimentador irregular incapaz de alcanzar la intensidad emocional y vitalista de su hermano. Quizá sea cierto, pero no quita que el ahora “hermano feo” sea un autor superlativo, con una capacidad de generar extrañeza y crear personajes “vivos” mucho mayor que la del 90% de los autores que pululan por el mundillo. Sin tiempo que perder, me lanzo a la lectura del tochal “Luba”, recientemente editado por La Cúpula. A rellenar huecos.

El otro día, visionando la mediocre “The Greatest Movie Ever Sold” me acordé de “Dragon Head”, el inquietante manga de Minetaro Mochizuki. “The Greatest…” es un documental pésimamente resuelto por el ególatra y michaelmooreano Morgan Spurlock que aborda el tema del product placement, o como  le llamábamos en tiempos de “Médico de Familia”, publicidad encubierta. Las necesidades de financiación de los estudios han convertido esta práctica en el pan de cada día para Hollywood. Hemos visto en la gran pantalla desde la estrella juvenil de turno manejando un iPhone hasta a Tony Stark comiéndose una Wooper (con diálogo incluido acerca de su excelente sabor), pasando por Bumblebee transformándose en el último modelo de Chevrolet.

¿Qué tiene que ver Mochizuki y su obra en esto? Pues que, a mi parecer es el autor que mejor ha rentabilizado el product placement para fines narrativos totalmente ajenos a la publicidad… bueno, si a lo suyo se le puede llamar product placement, porque no creo que haya recibido un duro por enseñar marcas en “Dragon Head”. El caso es que las viñetas del susodicho manga están plagadas de productos reales, fácilmente identificables y luciendo logo deliberadamente. Camisetas, calzado deportivo, relojes, chocolatinas, radios, motos… de todo, y muchas veces en plano detalle.

Con todo esto Mochizuki no gana pasta, pero su historia gana una tremenda verosimilitud. Enseñar marcas en pleno fin del mundo hace más realista ese fin del mundo. Enfatiza el brusco cambio de contexto, de normalidad a Apocalipsis, que sufren los jóvenes e inicialmente despreocupados protagonistas de la historia. Si nuestra cultura es la cultura de las marcas, éstas deben estar muy presentes en el fin de la cultura. “Dragon Head” no sería lo mismo si su peculiar product placement.

…Y ya que sale el tema de marcas que aparecen por decisión creativa independientemente de lo comercial, no puedo dejar de recomendarles “Go Ibiza, Go!”, el descacharrante “programa de variedades” perpetrado por Los Pioneros del Siglo XXI. No creo que Carte D’Or (pronúnciese  Dior) les haya pagado nada porque una de sus tartas protagonizara el momentazo post-lynchiano del final del segundo episodio, pero les juro que este verano cada vez que veía un puesto de helados con la marca, no me resistía. En verdad, Carte D’Or siempre acierta:

En esta Las Vegas europea hay sitio también para el vicio subcultural. Dejo registro de mi periplo por la cara B de una ciudad más conocida por los coffee shops, la prostitución legalizada, los canales… y los turistas españoles. Sin coña, éramos como el 60% de la masa total guiri.

Lambiek
Caótica librería especializada en cómic considerada la más antigua de Europa. Para perderse un día entero, llena de material en holandés, inglés y francés. Nada de saldos y precios más bien altos. No cargué demasiado: El “24 Hour Comics Day” de Ámsterdam, el catálogo de la exposición “The Amsterdam of Theo Van Den Boogard” (pena que finalizara dos días antes de que me enterara de su existencia), y el alucinógeno manga “The Box Man” de Imiri Sakabashira.

English Bookshop
Librería generalista en lengua inglesa cargada de saldos. Material de ocasión bastante reciente e interesante, comics incluidos. “The Sweeter Side of R. Crumb” a 10€, TPBs de Marvel a 5€, fastuosos extras del Comics Journal a 9€ (precio original: 26€). Situada en pleno centro, merece la pena echar un vistazo por allí.

Concerto
Que no cunda el pánico por el incendio del almacén de PIAS. En Concerto aún tienen buen stock de los sellos más cool del panorama actual: Warp, Touch, Planet Mu, Hyperdub, 4AD, Modern Love,Type, Rephlex… Precios no muy ajustados para las novedades pero jugosas ofertas en CDs mitiquísimos aunque menos recientes. Hice acopio de clásicos personales y highlights de lo que va de año, por aquello de tenerlos en formato físico y dar “un peso a gañar”.

Fame
Megastore situada en la Plaza Dam. De apariencia mainstream vista desde fuera, pero con bastante chicha en el interior. Todo el rato que estuve dentro sonó el “Cosmogramma” de Flying Lotus. Bastantes ofertas. Cayeron el propio FlyLo, Justice, Bibio y el largamente aclamado por aquí “Chromophobia” del Gui Boratto.

Waterlooplein Flea Market
Mercadillo bastante extenso y variado. Abre a diario, no solo un día a la semana como suele pasar con los flea markets. A destacar la baratez de los libros de segunda mano, que parecía se vendían al peso. No había tiempo para explorar demasiado, pero me llevé por 2.50€, en plan souvenir nostálgico, tres álbumes en holandés de Yoko Tsuno, entre ellos “El Órgano del Diablo” (o “Het Helse Orgel”), tebeo que me impacto en mi más tierna infancia.

Esto fue Ámsterdam para mí en lo que atañe a la temática del blog. Hay mucho más en otros ámbitos, y les recomiendo que pasen por allí para verlo.

En los últimos tiempos se ha extendido la opinión de que el audiovisual está ganando la partida al cómic en el género de los superhéroes. Que si los efectos visuales ya son capaces de replicar los mundos y las superbatallas de los tebeos con el añadido del movimiento y el “realismo”, que si la versión en papel de los personajes está agotada y sobreexplotada pero en pantalla aparecen frescos, retomando los elementos que otrora forjaron su mitología, que si Pixar, los Wachowski y Shyamalan han parido superhéroes directamente para cine con una calidad y penetración cultural elevadísima que dejan en la sombra a cualquier nuevo personaje de comic-book nacido en la misma época…

Pese a todo, la creación de modelos y/o arquetipos de superhéroe es un terreno vedado para el audiovisual. Hasta ahora todo lo visto en la pantalla es una versión directa o indirecta de conceptos previamente existentes en las viñetas. En este sentido, creo que la primera amenaza que realmente puede plantar cara al noveno arte en su hegemonía “mitológica” es la serie de televisión británica “Misfits”. Además lo hace en un terreno tan complicado como es el de la renovación del concepto de superhéroe adolescente, un Santo Grial codiciado por la industria durante décadas con infructuosos resultados.

Los responsables de “Misfits” no se han limitado a tomar el modelo Spider-Man” y aplicarle una parche “sigloveintiunero”, sino que han hecho lo que Stan Lee en su día: observar su público y convertir al producto en un reflejo de su modo de vida, problemas y aspiraciones, aderezando todo con esas fantasías de poder que son la base del género. Y lo cierto es que el público adolescente de hoy dista mucho de Peter Parker: Nacidos en la era post-ideológica, criados en la cultura del videojuego y los reality shows, sin conocer otra panorama laboral que el empleo precario y con una precocidad sexual que asusta a generaciones anteriores. Así son lo protagonistas de esta serie de “superhéroes”, consecuentemente nacida en televisión, pues siendo realistas, su target pasa de los comics.

Lo primero que llama la atención de estos “héroes” son sus uniformes, las típicas fundas naranjas de servicio (forzado) a la comunidad. Cada uno carga con sus problemas, pero una vez juntos tendrán que hacer frente a uno que empequeñece a todo lo que hayan vivido con anterioridad: la adquisición de poderes vía accidente a-la Silver age y el asesinato en defensa propia de su supervisor, transformado durante el evento en un asesino lleno de furia ciega. Un origen siniestro y falto de heroísmo (en sentido tradicional), pero con una tremenda carga simbólica que interconecta conceptos como el antagonismo juventud/madurez, la adquisición de responsabilidad (aunque solo sea para evitar la cárcel) o el sentimiento de pertenencia al grupo.

Los Misfits ni siquiera se plantean salvar el mundo, bastante tienen con salvarse a si mismos. Su archienemigo es la nueva supervisora, obcecada en demostrar que ellos son los responsables de hacer desaparecer a su predecesor y amante. En la lógica del comic-book tradicional ellos serían los supervillanos, pero el desparpajo, el humor (negro) y e look caricaturesco de los personajes hacen que éstos caigan mucho más simpáticos de lo que nunca nos ha caído Spider-man y sucedáneos. Buena parte de la culpa de ello está en el excelente casting, alejado del modelo “Smallville” de guaperas plastificados sin talento interpretativo. Entre ellos cabe destacar a Robert Sheeham como el lenguaraz y gamberro Nathan  e Iwan Rheon como Simon, el introvertido del grupo caracterizado con una penetrante interpretación iancurtisiana. 

Esta vez si, hemos topado con verdaderos superhéroes del siglo XXI.

“Paying for it”, un título potente para una novela gráfica donde su autor relata sus experiencias con prostitutas. Pero, como el mismo Chester Brown comenta en las notas finales del libro, el título puede dar lugar a confusiones, a dobles sentidos que para nada se dan en su caso. Brown no solo no se arrepiente de ser un “putero” (o “john” en inglés) sino que presenta esa condición como una alternativa coherente y no destructiva de satisfacer las necesidades sexuales para aquellos que, como él, reniegan del “amor romántico”.

Así, este magnífico tebeo se desarrolla en torno a dos ejes: Por una parte, Brown expresa su punto de vista y el de sus amigos respecto a la prostitución y los que hacen uso de ella. Por otra, presenta una crónica de sus encuentros narrada con un estilo mecánico e impersonal, que sin embargo destila pura verdad, sin omisiones y con una absoluta falta de pudor.

Más allá del tema de pagar por sexo, lo expuesto en el libro es un ejemplo perfecto acerca de desligarse del “pensamiento único”, un concepto casi siempre asociado a lo político y a la esfera del consumo (ay!, hipotecados), pero que extiende sus tentáculos a otros ámbitos en los que, existiendo alternativas, ni tan siquiera se concibe actuar de otro modo que no sea siguiendo a la masa.

Un tebeo autobiográfico de los que no abunda, con chicha, con algo interesante que contar, y de lo mejorcito que he leído en lo que va de año.

“En la esquina inferior izquierda, un hombre de traje azul corre hacia fuera del cuadro llevándose las manos a la cabeza como en "El Grito" de Edvard Munch, su caricaturesco rostro desprende terror existencial, como si hubiera traspasado los límites de la cordura después de lo que acaba de presenciar. Por encima de su cabeza, otro hombre, ataviado con un conservador dos piezas marrón, corre en otra dirección. Un tercero, igualmente aterrorizado, se agacha apoyándose en el suelo con sus manos y rodillas, sin chaqueta, como poniéndose a los pies del vándalo superhumano. Su postura denota una temerosa sumisión ante el macho alfa definitivo.

[…]

¿Por qué está tan asustado el hombre que corre?

¿Qué hace ese coche allí arriba?

¿Por qué va a ser aplastado contra una roca?

¿Qué mira el hombre arrodillado?

Con lo que sabemos hoy sobre Superman, podemos inferir que los tipos asustados son alguna clase de gansters. Los lectores de 1938 no tenían ni idea de lo que estaba pasando. Sin duda, allí había conflicto, pero en un primer vistazo Superman era tremendamente ambiguo. Los supuestos gansters podrían ser personas normales escapando de un forzudo chalado vestido de bailarín ruso. No hay sacos de dinero robado, ni sombras siniestras, ni ropa barata, ni siquiera armas que nos digan que esos hombres no son otra cosa que testigos inocentes. Basándonos únicamente en primeras impresiones, este estrafalario tipo musculoso puede ser amigo o enemigo, y la única manera de encontrar respuesta a semejante cantidad de preguntas es leyendo lo que sigue.”

Grant Morrison exponiendo la dimensión mítica de la portada de Action Comics #1, la primera aparición de Superman. Extraído del primer capítulo de su recién publicado “Supergods”. Lo acabo de pedir a Amazon y ya me está tardando.

En un arrebato asociativo friki-freudiano, no puedo evitar relacionar a Africa Hitech, el proyecto colaborativo de Mark Pritchard y Steve Spacek con la figura de Jack Kirby. Porque con ese nombre y ese sonido, da la impresión que su música viene de la imaginaria y afro-futurista Wakanda, creada uniendo la tradición folclórica del país con tecnología basada en vibranium (lo sé, se me va mucho la olla).

Paranoias aparte, y pese a la estética escogida para presentarlo, “93 Million Miles” va más allá de las omnipresentes influencias africanas en la música electrónica. Tomando como base rotundos bajos subsónicos “tribalistas”, Pritchard y Spacek consiguen generan un discurso propio y novedoso combinando elementos explorados con anterioridad es sus dilatadas carreras.

Africa HiTech – 93 Million Miles

De esta forma, tanto este LP como el resto de la obra de Africa Hitech se erige como una especie de versión alternativa del dubstep, un what if de como habría evolucionado el género dando más peso en su ecuación a la electrónica experimental.

Les dejo el recién salido videoclip de “Out in the Streets” y la recomendación de elegir un equipo que no se quede corto en potencia de graves para experimentar el disco en toda su vibrante magnitud.