Si alguien podía concebir una obra de arte capaz de emocionar en plan “pelos como escarpias” y a la vez hacernos descojonar de risa, esos tenían que ser los Hidrogenesse. Lo han conseguido con “Un dígito binario dudoso” un disco conceptual dedicado nada menos que a Alan Turing, en el centenario de su nacimiento.

La fuerza de este nuevo trabajo del dúo barcelonés radica en como han fusionado en formato canción los dos aspectos claves de la vida de Turing: Por un lado tenemos al genio-padre de la computación moderna, fascinado con el concepto de inteligencia artificial y pieza decisiva de la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial en su labor como descifrador de códigos imposibles (por lo que fue condecorado). Por otro, su condena a castración química propiciada por el “delito” de ser homosexual (y contarlo sin complejos) en la Inglaterra de 1952. Turing, muy deteriorado física y psicológicamente, acabó con su vida dos años después comiéndose una manzana envenenada con cianuro.

Así, en un estilo electrocamp más trabajado y complejo de lo que parece (muchísimo más), los Hidrogenesse cantan las gestas del genial lógico insertando sus tragedias en el ámbito computacional, llegando en ocasiones a una suerte de fascinante “transcendencia digital”,  tipo  Punto Omega tipleriano, en el que todo se resuelve y este irrepetible genio maltratado alcanza al fin la paz.

Si quieren saber más sobre esta bellísima pieza sonora les recomiendo visitar TURING BITS, donde sus creadores hablan de como la han construido  y del hombre que la inspiró.

“Inspirados, según los rumores de la agencia, por el encuentro epifánico de un director creativo de RSB con algo anunciado como Muerte Por Chocolate en una cafetería de Near  North, los ¡Delitos! eran de chocolate en su totalidad, y no solo el pastel, sino también el relleno y el glaseado, y de hecho era todo chocolate de verdad o fondant en lugar del habitual cacao hidrogenado y el sirope de maíz alto en flúor, de forma que los ¡Delitos! no estaban concebidos realmente como una variante de rivales como los Zingers, los Ding Dongs, los HoHos y los Choco-Diles, sino como una revisión al alza y un replanteamiento de los mismos. Un cilindro rematado en cúpula de pastel esponjoso sin harina, con sabor a maltilol y recubierto por completo de una capa de 2,4 mm de baño de chocolate alto en lecitina manufacturado con pequeñas cantidades de mantequilla, mantequilla de cacao, chocolate de pastelero, licor de chocolate, extracto de vainilla, dextrosa y sorbitol (un baño relativamente caro, y cuyas redundancias en materia de mantequillas requerían por sí solas innovaciones heroicas en los sistemas de producción e ingeniería: se habían visto obligados a montar otra línea de producción con máquinas nuevas, a impartir formación nueva a los trabajadores de la misma ya volver a calcular las cuotas de producción y de garantía de calidad más o menos a partir de cero), un baño de alto nivel que luego se inyectaba también mediante aguja de pastelería a alta presión en el interior de la elipse hueca de 26 x 13 mm que había en el centro de cada ¡Delito!(un centro que por ejemplo en los productos de Hostess Inc. estaba relleno de nada más que manteca de cerdo batida y azucarada), lo cual resultaba en una dosis doble de un glaseado ultrarrico y casi del nivel del glaseado de restaurante, cuya bolsa central -dado que la exposición al aire de la fina capa de baño exterior le confería aquella naturaleza tradicional de mazapán duro pero delicuescente de los glaseados- parecía todavía más rica, densa, dulce y delictiva que el glaseado exterior, un glaseado que en la mayoría de los PRI y SIRG de los test de campo de las empresas rivales era declarado la parte preferida por los consumidores.”

Lo de arriba es un fragmento del relato “Señor Blandito” de David Foster Wallace, incluido en el recopilatorio “Extinción”.  Sólo puedo calificar de impresionante la habilidad narrativa de Wallace para extraer de un contexto tan anodino como un  test de prueba de pastelitos semejante trastienda de paranoia, espionaje corporativo, tecnología de los alimentos, ingeniería social y manipulación a través del lenguaje. Este hombre COMPRENDÍA.

… Y lo peor de todo, es que me quedaron unas ganas tremendas de “delinquir”. Me conformaré con un Tigretón.

No soy ningún experto en Suecia, pero por cultura general (y pop) sé que se trata de uno de los países más avanzados del mundo en cuanto a desarrollo del tan inalcanzable en estos tiempos “estado de bienestar”. Son conscientes, y posiblemente por ello, en la sociedad sueca existe cierto grado de hipersensibilidad hacia todo aquello que pueda amenazar su modo de vida y  su garantista  estado de derecho. Ahí tenemos, por poner dos ejemplos fáciles, el éxito de la trilogía  Millennium, sacando a flote el lado oscuro corrupto-misógino del país o el exceso de celo puesto en el caso Assange, al que la opinión pública sueca ha condenado de antemano,  seguramente valorando más el crimen del que se le acusa (acoso y violación menor) que las circunstancias e intereses que rodean al caso.

Ante semejante panorama, la serie “Äkta Människor” (internacionalmente “Real Humans”) presenta un altísimo interés sociológico-bizarro, pues en ella se trata el (todavía ficticio) “problema robótico” desde el punto de vista sueco, además orientado hacia una audiencia autóctona masiva, pues fue emitida en prime time por el primer canal de la SVT, la equivalente sueca a la BBC o a nuestra RTVE . En ella nos es mostrado un presente alternativo en el que los robots de apariencia humana comercialmente conocidos como Hubots triunfan como producto de uso doméstico e industrial. Pero este estado de bienestar sustentado por robots peligra por dos frentes: hubots que han obtenido (ilegalmente)  el don del libre albedrío y extremistas humanos que ven a los hubots como el principio del fin de la humanidad.

Hasta aquí todo suena tópico, pero tan solo visionando el primer capítulo de la serie se puede apreciar su  peculiar enfoque. En ella se mezclan lo naif, lo cómico y lo siniestro en originales formas. Como si de una serie española se tratase, hay una línea argumental y unos personajes pensados para cada segmento de público: El anciano con problemas con su estricta hubot geriátrica, la madre trabajadora que tiene que dejar en manos de su asistenta robot el cuidado de su hija pequeña, el hijo adolescente rondando por allí con las hormonas revolucionadas y tremendas tentaciones hacia una hermosa muñeca que no se va a quejar si quiere hacer uso ilícito de ella, un currante que ve su vida venirse abajo por la incursión de los hubots en su entorno familiar y laboral, su mujer insatisfecha tirado de entrenador personal sintético para saciar sus apetitos sexuales… Pero a diferencia de lo que pasa en las series patrias multitarget , en ésta las tramas no toman por tonto al espectador, están llenas de dilemas y ambigüedad, de forma que no posicionan a los personajes como buenos y malos sino como gente con sus circunstancias. Además, dichas líneas argumentales se entrecruzan formando un todo coherente que da una buena visión de conjunto del tema tratado.

A destacar también el acabado estético de la serie, con una puesta en escena en colores pastel y un excelente (y malrrollero) trabajo de maquillaje que nos hace dudar si los hubots están interpretados por actores (gran trabajo el suyo también) o fueron creados con lo último en efectos visuales animatrónicos. Ese ambiente kisch contrasta con la profundidad de la serie en lo psicológico y lo sociológico. Realmente, los hubots son una herramienta narrativa para evidenciar nuestras necesidades y carencias. Las conclusiones son claras: Demandamos una atención continua que no tenemos. Más que amigos o pareja, queremos seres vivos “cosificados” que no nos lleven la contraria y nos den el parabién en todo. Ahí están los dueños de mascotas y los viejos verdes “capturados” por jovencitas con segundos intereses para demostrarlo.

Y para amenizar la jornada, una canción sobre culos. Nunca me expliqué como no se se ha convertido en megahit. Ojo a la letra:

Anteriormente:
Big Culo Day 2008
Big Culo Day 2009
Big Culo Day 2010

Y hablando de jodiendas, qué mejor banda sonora para el post que esta versión del tema principal de la peli, elaborada por Fantômas:

Fantômas // Rosemary’s Baby

“En abril de 2011 el gobierno chino prohibió que apareciesen en TV, películas o novelas todas aquellas historias que hiciesen referencia a realidades alternativas o viajes en el tiempo. Esta es una buena señal para China, puesto que significa que la gente aún sueña con alternativas, así que hay que prohibir este sueño. Aquí no se piensa prohibir nada de eso, porque el sistema en el poder incluso ha suprimido nuestra capacidad para soñar. Fijaos en las películas que vemos todo el tiempo. Es fácil imaginar el fin del mundo, un asteroide que destruya el planeta y ese tipo de cosas. Pero no se puede imaginar el fin del capitalismo.”

Slavoj Zizek, Liberty Plaza, NYC. 9 de octubre de 2011

(vía Es Muy de Cómic)

Banda sonora del post:

“He intentado ser humano, pero la gente no quiere la humanidad, ni siquiera quiere al animal. Quiere el Fnac, quiere el coche de lujo, quiere la copa gratis, quiere ser alguien VIP pero también quiere ser estándar. […]. ¿Quién no quiere ser un lugar al que todos quieran ir?

[…]

…Esa es la sociedad. O compras o te vendes, o vendes tu ano o compras anos, o das por culo o te dan por culo. Esto es lo que hay. ”

Didac Alcaraz en “Go, Ibiza, Go!”, programa 4

Lo que marqué en negrita, absolutamente revelador.

El otro día, visionando la mediocre “The Greatest Movie Ever Sold” me acordé de “Dragon Head”, el inquietante manga de Minetaro Mochizuki. “The Greatest…” es un documental pésimamente resuelto por el ególatra y michaelmooreano Morgan Spurlock que aborda el tema del product placement, o como  le llamábamos en tiempos de “Médico de Familia”, publicidad encubierta. Las necesidades de financiación de los estudios han convertido esta práctica en el pan de cada día para Hollywood. Hemos visto en la gran pantalla desde la estrella juvenil de turno manejando un iPhone hasta a Tony Stark comiéndose una Wooper (con diálogo incluido acerca de su excelente sabor), pasando por Bumblebee transformándose en el último modelo de Chevrolet.

¿Qué tiene que ver Mochizuki y su obra en esto? Pues que, a mi parecer es el autor que mejor ha rentabilizado el product placement para fines narrativos totalmente ajenos a la publicidad… bueno, si a lo suyo se le puede llamar product placement, porque no creo que haya recibido un duro por enseñar marcas en “Dragon Head”. El caso es que las viñetas del susodicho manga están plagadas de productos reales, fácilmente identificables y luciendo logo deliberadamente. Camisetas, calzado deportivo, relojes, chocolatinas, radios, motos… de todo, y muchas veces en plano detalle.

Con todo esto Mochizuki no gana pasta, pero su historia gana una tremenda verosimilitud. Enseñar marcas en pleno fin del mundo hace más realista ese fin del mundo. Enfatiza el brusco cambio de contexto, de normalidad a Apocalipsis, que sufren los jóvenes e inicialmente despreocupados protagonistas de la historia. Si nuestra cultura es la cultura de las marcas, éstas deben estar muy presentes en el fin de la cultura. “Dragon Head” no sería lo mismo si su peculiar product placement.

…Y ya que sale el tema de marcas que aparecen por decisión creativa independientemente de lo comercial, no puedo dejar de recomendarles “Go Ibiza, Go!”, el descacharrante “programa de variedades” perpetrado por Los Pioneros del Siglo XXI. No creo que Carte D’Or (pronúnciese  Dior) les haya pagado nada porque una de sus tartas protagonizara el momentazo post-lynchiano del final del segundo episodio, pero les juro que este verano cada vez que veía un puesto de helados con la marca, no me resistía. En verdad, Carte D’Or siempre acierta:

Quién iba a decir que precisamente esa campaña de marketing nos iba a traer de vuela al mejor Lynch, con un spot/corto que no solo condensa lo mejor de su filmografía, sino que sigue desarrollando las opciones estilísticas abiertas en “Inland Empire”.  Este diálogo entre el propio Lynch y la cabeza de una Barbie lo tiene todo: surrealismo, nostalgia, romanticismo extremo, violencia y glamour brumoso. Todo con la máxima economía de medios:

Y a continuación otra pieza publicitaria, no tan lograda pero dotada de un sentido del humor netamente lynchano:

Releído “Uzumaki” de Junji Ito, me doy cuenta de que no solo es un grandísimo tebeo de terror, sino también una de esas obras que a través del delirio surrealista describen la realidad de manera más profunda que otros productos de vocación realista o incluso enmarcados en la no-ficción.

En “Uzumaki” somos testigos de como un pueblo costero japonés se ve poseído por la “maldición de las espirales”. Todo comienza con pequeños e inquietantes sucesos aislados que poco a poco van subiendo de escala hasta llegar a niveles apocalípticos de auténtica zozobra colectiva. Uno de los protagonistas se da cuenta de lo que sucede desde el principio, insta a sus allegados a escapar del pueblo y/o tomar la iniciativa para descubrir qué está pasando, pero nadie le hace caso. La escalada de terror e inverosimilitud asciende a lo demencial, pero la gente se adapta, se acostumbra a vivir a ese nivel de sinrazón sin cuestionarse nada, mirando para otro lado y esperando a lo que venga como ganado en el matadero.

Volvamos al “mundo real” y valoremos los hechos: Miles de personas poniéndose la soga al cuello por 30 o 40 años para pagarse un piso con un precio muy por encima de su valor real, inmobiliarias que no bajan precios porque se niegan a aceptar que la burbuja ha estallado… y la gente sin parar de hipotecarse, matriculaciones masivas en carreras con salida profesional cero (a sabiendas desde el momento de hacer la inscripción), millones de usuarios renunciando voluntariamente a la privacidad contando su vida en las redes sociales, medios de extrema derecha creciendo en audiencia mes a mes, partidos políticos “de izquierdas” aplicando severos recortes sociales y los progres a votarlos para “evitar males mayores”, las altas instancias del poder judicial politizadas a cara descubierta, “Más allá de la vida” arrasando en Telecinco…

No hay simplificación posible. Realmente todos somos culpables de la situación a la que hemos llegado. Unos por instaurar un entorno de sinrazón y otros por adaptarnos a dicho entorno sin cuestionarnos nada. Los movimientos de “indignación” de los últimos días dan lugar a la esperanza, pero una cosa está clara: Si seguimos eludiendo la responsabilidad personal, haciendo cosas porque “esto es así”, no habremos solucionado nada.

El rollito “material encontrado” en plan “El Proyecto de la Bruja de Blair” se está afianzando como uno de los más eficaces a la hora de establecer experiencias metanarrativas cinematográficas en las que el espectador, de alguna manera se ve obligado a reflexionar sobre los mecanismos de ficción en el audiovisual. Me gusta pensar que “Trash Humpers” pertenece también a ese género. Aunque no se utiliza el recurso, al principio de la película podría salir un rótulo introductorio donde se explicara que lo que sigue es el contenido de una cinta VHS encontrada en el contenedor más inmundo del suburbio más inmundo  de los EEUU.

En el film no hay historia ni progresión narrativa al uso. Solo una suerte de grabaciones amateur en las que unos siniestros e hiperactivos ancianos llevan a cabo todo tipo de fechorías antisociales e interactúan con otros individuos borderline en las inmediaciones de un paisaje suburbano de un realismo apocalíptico. La cinta, más que invitar a reflexión, intenta alejar al espectador de los dominios de la cordura para empujarlo al terreno de la pesadilla pura. Ver esto en una sala de cine tiene que resultar absolutamente mesmerizante.

Harmony Korine, el mad doctor detrás de semejante engendro ya tiene práctica en eso de dejar descolocado al personal. De su pluma salió el libreto de “Kids”, y “Gummo”, su ópera prima como director se ganó merecida fama como inductora de vómitos. Con “Trash Humpers” es capaz de provocar esos efectos repulsivos de una manera mucho más refinada, abriendo cajones del inconsciente en los que no nos gusta curiosear: nostalgia, miedo al futuro, corrupción de la carne, ansia de destrucción, frustración sexual… Todo está ahí, y al señor Korine le basta una textura VHS, varias máscaras de látex y unos cuantos amigos actores haciendo el tonto para hacer flotar esos amargos sentimientos a la superficie.

Definitivamente, lo “sin filtro” se está imponiendo en el panorama (sub)cultural. Cada vez son más los artistas que no tienen reparos en trasladar a sus respectivos medios de expresión lo que tienen en su cabeza… pero tal cual está en su cabeza, sin preocuparse por la comprensión del público o por que su obra tenga algún tipo de sentido, digamos, académico.  Existen montones de ejemplos en cómic, música y cine, casi siempre en el terreno de lo independiente y/o minoritario. Es esta situación la que hace a “Sucker Punch” un producto singular: Superproducción de las gordas a merced de la libre imaginación de su autor, Zack Snyder.

A la peli le han caído palos por todas partes: que si parece un videojuego, que si la trama no tiene ningún sentido,que si cámara lenta a go-go, que si parece una mala sesión DJ usando material palomitero reciente remezclado sin ton ni son… vale, puede ser. Pero el film también ofrece algo mucho más fascinante: Un mapa mental del propio Zack Snyder. Viendo “Sucker Punch” comprendí por qué los zombies de su “Amanecer de los Muertos” solo podía ser del tipo “veloz”, por qué su conexión con el universo milleriano en “300” fue total y  por qué este hombre jamás podría hacer un “Watchmen” fílmico que conservase la esencia del material original.

Y la cosa no se queda en Zack Snyder, tenemos la suerte de que el realizador es un  hombre de su tiempo. Esto convierte al film en un verdadero producto-zeitgeist de la era hipermoderna. Una alegoría total hacia el nuevo (hiper)orden establecido por la sobreabundancia de contenidos, dónde la yuxtaposición  frenética se erige como única manera de generar (sin)sentido, dónde el estribillo de una canción se está convirtiendo en lo más profundo que un cerebro es capaz de asimilar, y donde la poesía pura ya no viene en forma de versos inspirados, sino de la experiencia de ejecutar el combo perfecto en el momento cumbre de nuestro videojuego favorito.

Resulta chocante que a nivel comercial la película haya fracasado estrepitosamente, o dicho de otra manera, que el público general no sea capaz de identificarse con su propia manera de pensar. Una vez más, puro Sartre.

Alison Mosshart – Tomorrow Never Knows (Sucker Punch O.S.T)

“Mi problema es que todas las cosas me interesan cada vez más.”

William Gibson

(también es mi problema)

Esta situación da mucho, mucho miedo, porque demuestra que la sinrazón absoluta, convenientemente dirigida puede causar presión real y consecuencias reales. Porque ciertos medios de ultraderecha neoliberal, con tal de anotarse tantos en su guerra sucia, no les importa poner en su diana a gente normal, que no tiene nada que ver con los tejemanejes de la “alta política” (nótese el entrecomillado), y que no es ni rica ni poderosa como para poder defenderse debidamente o para que la mierda que les echan encima no les afecte personal y/o laboralmente. Y sobre todo, porque otro medio, supuestamente sensato, orgulloso de su prestigio internacional, que presume de ser uno de los 5 elegidos para manejar el material de Wikileaks, adalid de la libertad de expresión (etc, etc)…  haga este tipo de concesiones y no sea capaz de apoyar a uno de sus colaboradores en una cuestión tan ridícula.

En fin, si el mundo fuese justo, Vigalondo escribiría un guión con su tragicómica historia, los Coen se lo comprarían, harían la película y todos aquellos que hicieron el ridículo quedarían ridiculizados para la posteridad. Volviendo a la realidad, solo espero que reabra su bitácora en otra plataforma lo antes posible y nos siga ilustrando con sus (estas si) sensatas impresiones acerca del cine, la cultura pop y por extensión, eso a lo que llamamos realidad.

(genial) Jordi Costa entrevistado en Cronicas del Hype

Posiblemente eso sea cierto (yo al menos así lo pienso), pero lo que Banksy pone en pantalla resulta mucho más complejo y revelador que cualquier cosa del mismo palo que se haya visto anteriormente. Esto no se trata simplemente de hacer burla de un mundillo ya suficientemente denostado como es el del mercado del arte o de un tema tan trillado como la legitimación del artista. El verdadero “truco” del (falso?) documental es que realmente no retrata al esperpéntico Mr. Brainwash, sino al propio Banksy en una suerte de retorcido y genial auto-examen de conciencia, así como un alucinante experimento a nivel global. 

Thiery Guetta regentaba a finales de siglo una tienda de ropa vintage en Los Angeles, pero su obsesión por filmar todo lo que ocurría a su alrededor le lleva a hacerse amigo y registrar las fechorías de los mejores artistas callejeros del mundo durante casi una década. El material de Guetta, independientemente de su autenticidad, nos muestra una excitante realidad furtiva y aventurera. Arte vivo en desarrollo, combativo, cercano al público y libre de las cuatro paredes de los museos…

…Pero poco poco llega el visto bueno “oficialista”: exposiciones legales a las que asiste la crème de la crème, venta de originales, encargos para grandes marcas… en definitiva, mucha pasta. Guetta pasa a formar parte del colectivo cuya actividad se dedicó a registrar en los últimos años, replicando su manera de trabajar pero sin un ápice de personalidad propia. Aún así, lo vende todo en su megalómana primera exposición.

Si nos olvidamos de la total ausencia de ironía e ingenio en la obra de Mr. Brainwash, muchos aspectos por los que es criticada en el documental están presentes también en los trabajos de Banksy: reutilización y remezcla de imaginería pop preexistente, uso de la cultura underground para labrarse una imagen comercial, apoyo en un equipo de ayudantes… Mr. Brainwash no es más que un reflejo distorsionado del propio Bansky, un avatar esperpéntico con el que el famoso artista se pone a si mismo en evidencia.

Pero como dije, esto va más allá de explicar las miserias del arte contemporáneo. Esto va sobre como está el mundo: Pese a exponer directamente la mediocridad creativa de Mr. Brainwash en la película, a día de hoy éste sigue montando gigantescas exposiciones, vendiendo sus tonterías por miles de dólares, y realizando encargos de primer nivel como la portada del último recopilatorio de Madonna. ¿Que sacamos en limpio de esto? Que a día de hoy, ni siquiera la verdad nos hace reaccionar ante el engaño. El escarnio público de Guetta surte el mismo efecto que los cables de Wikileaks: lo vemos, decimos “que fuerte”, lo comentamos en conversaciones de bar,  pero al final  la vida sigue igual… Criticamos Facebook, criticamos Apple, criticamos McDonalds, criticamos Nike, pero consumimos Facebook, consumimos Apple, consumimos McDonalds y consumimos Nike… Una auténtica pesadilla sartreana en la que los dichos y los hechos siguen caminos totalmente separados. 

Esta película confirma a Bansky, o a lo que haya detrás de la marca Bansky, como un auténtico genio de la hipermodernidad, capaz de analizarla interactuando con ella, convirtiendo al mundo en una gigantesca performance… y además beneficiándose económicamente de ello.

Y a continuación, la portada real para la alucinante edición limitada de “X’ed Out”, remontada a formato cuadrado, en blanco y negro y con los diálogos escritos en lenguaje alien (la quiero!!!):

Reivindicar “South Park” en este blog es un acto de pura redundancia, pero precisamente por lo mucho que me gusta la serie tengo que meterla en este Top30 que ya va en la recta final de mi cronología subcultural.

Les dejo pues, un resumen en epígrafes que explican por qué considero la obra magna de Trey Parker y Matt Stone la mejor serie “adulta” de todos los tiempos:

Idas de olla altamente sensatas: “South Park” es conocida popularmente por su humor bruto, lleno de tacos, violencia y (supuesta) falta de respeto hacia personajes y colectivos, pero eso solo es una fachada a la verdadera esencia de la serie. Detrás de todas las “atrocidades” que ocurren en cada capítulo, Parker y Stone consiguen extraer una moraleja de una lucidez descomunal, de lo más sensato que se puede ver en televisión. No tengo la menor duda de que siguiendo la filosofía southparkiana, el mundo sería mucho, mucho mejor. El caso de las viñetas de Mahoma, la polarización radical Obama/McCain, la obsesión consumista hacia ciertos productos,  la doble moral de Disney, la incomodidad post 11-S en los aeropuertos, la transexualidad… todo esto y mucho más se analiza en la serie con un rigor que ya quisieran muchos programas de actualidad serios.

[Para ver el video debes ir al post original]

Rabiosa actualidad: Desconozco la mecánica de trabajo practicada por los responsables de “South Park”, pero solo la puedo calificar de impresionante en cuanto a velocidad de respuesta a la actualidad. Son capaces de reaccionar ante eventos ocurridos tan solo un día antes de la emisión del capítulo. Consiguen dar a una producción animada la inmediatez de una viñeta de prensa, y eso no es nada fácil. Por ello, “South Park” siempre estará al pie del cañón, exponiendo su lúcida versión de la realidad tan rápido como lo puede hacer cualquier medio de comunicación de su misma periodicidad.

Filosofía Blockbuster: Si uno es fan de los blockbusters cinematográficos, su serie es “South Park”. Un buen número de sus episodios son auténticas joyas del género condensadas en 20 minutos. Parker y Stone comprenden a la perfección los mecanismos de esas películas revientataquillas y los utilizan para dar salida a sus delirantes argumentos.  Así, convirtieron la elección de Obama en un elaborado plan a-la “Ocean’s 11” para robar un superdiamante, a la PSP en un instrumento puesto en la Tierra por los dioses  para elegir al nuevo mesías o a “Grandes Esperanzas” de Dickens en un relato de ciencia ficción con ingeniería genética de por medio.

[Para ver el video debes ir al post original]

Surrealismo desbocado: En los últimos tiempos, el adjetivo “surrealista” ha sido utilizado indiscriminadamente  para designar a productos de la cultura pop que no   merecían tal calificativo en absoluto. Se habla de surrealismo en los productos Pixar, en “Los Simpson”,   o en (válgame Dios) “Friends”,  pero en “South Park”  podemos encontrarlo en su forma más pura: Kenny muriendo en cada episodio, la imaginación destruida por misiles, las multitudes huyendo despavoridas del Cambio Climático… lo concreto se convierte en abstracto, lo abstracto en concreto, la continuidad narrativa espacio-temporal desaparece, y lo fantástico irrumpe repentinamente sin llamar demasiado la atención de los personajes. Sin embargo, todo parece tener sentido, porque todo se mueve en la lógica de la metáfora, construyendo una realidad más real que la realidad misma. Superrealidad. Surrealismo.

South Park Forever !!!: Pasan las temporadas, ya van 14, con muchos episodios brillantes y otros no tan brillantes, pero nunca bajando el nivel, sino que mejorando con el paso de los años. Esa serie que se hizo popular por su humor basto, y  precisamente por ello muchos nos la imaginábamos como flor de un día, se acabó convirtiendo en la que mejor resistió el paso del tiempo… Porque incluso “Los Simpson” en su temporada 14 ya era una serie zombie. Ojalá que dure muchos años más a ese nivel, y que cuando acabe no sea por baja audiencia, sino (al estilo Gran Wyoming) porque toque alguna fibra suficientemente sensible a alguien suficientemente poderoso como para acabar con ella, dando así un final digno y mítico a uno de los mejores productos audiovisuales de la historia de la cultura pop.

Anteriormente en Top30:
Intro (qué es Top30)
Ulises 31
Los 4 Fantásticos
Secret Wars
Transformers
Batman y los Outsiders
Batmanía
Dragon Ball
Darkseed
Parque Jurásico
John Byrne’s Next Men
Trilogía Nikopol
La fOntana y la sOnda
12 Monos
Pulp Fiction
Wipeout
Brut Comix
La Casta de los Metabarones
Ænima
Carretera Perdida
The Invisibles
Cosecha Cinematográfica del 99
La Caída
Los Soprano
La Pianista