Si alguien podía concebir una obra de arte capaz de emocionar en plan “pelos como escarpias” y a la vez hacernos descojonar de risa, esos tenían que ser los Hidrogenesse. Lo han conseguido con “Un dígito binario dudoso” un disco conceptual dedicado nada menos que a Alan Turing, en el centenario de su nacimiento.

La fuerza de este nuevo trabajo del dúo barcelonés radica en como han fusionado en formato canción los dos aspectos claves de la vida de Turing: Por un lado tenemos al genio-padre de la computación moderna, fascinado con el concepto de inteligencia artificial y pieza decisiva de la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial en su labor como descifrador de códigos imposibles (por lo que fue condecorado). Por otro, su condena a castración química propiciada por el “delito” de ser homosexual (y contarlo sin complejos) en la Inglaterra de 1952. Turing, muy deteriorado física y psicológicamente, acabó con su vida dos años después comiéndose una manzana envenenada con cianuro.

Así, en un estilo electrocamp más trabajado y complejo de lo que parece (muchísimo más), los Hidrogenesse cantan las gestas del genial lógico insertando sus tragedias en el ámbito computacional, llegando en ocasiones a una suerte de fascinante “transcendencia digital”,  tipo  Punto Omega tipleriano, en el que todo se resuelve y este irrepetible genio maltratado alcanza al fin la paz.

Si quieren saber más sobre esta bellísima pieza sonora les recomiendo visitar TURING BITS, donde sus creadores hablan de como la han construido  y del hombre que la inspiró.

El pasado fin de semana se celebró en Gijón el Laboratorio de Electrónica Visual (L.E.V.). Un festival de música electrónica de menor envergadura que otros megaeventos como el Sónar, pero más orientado hacia la vertiente experimental del mundillo, escapando de lo masivo, pero siempre ofreciendo de lo mejorcito del panorama. Esta vez pude asistir, y sin ánimo de relatar la experiencia de manera exhaustiva dejo un puñado de impresiones acerca del evento:

_Marco incomparable.
En medio de tanta megalomanía despilfarradora al servicio del arquitecto estrella de turno y chupópteros políticos asociados, da gusto ver un espacio “clásico” como el impresionante edificio de la Universidad Laboral reaprovechado para acoger propuestas culturales vanguardistas como el L.E.V. . El choque contenido-continente aportó un plus de posmodernidad al evento. Anécdota al respecto: Mientras visitaba la instalación “rheo: 5 horizons” de Ryoichi Kurokawa en la iglesia de la Laboral, las proyecciones abstractas y los sonidos cubistas del japonés compartían espacio con una sesión de fotos  para una primera comunión.

_V de visual.
La parte visual de las actuaciones jugó un papel más importante de lo que en principio podría aparentar. Tanto es así que, por ejemplo, al prescindir de montaje de vídeo, el directo de Mika Vainio quedó bastante deslucido en comparación con los shows de  gente con menos nombre como Old Apparatus o Various Production, que pusieron la carne en el asador en el apartado multimedia, haciendo especial hincapié en lo fantasmagórico los primeros y en la sincronía audiovisual los segundos. Anstam y Prefuse 73 ofrecieron unos sets menos espectaculares pero dotados de suficiente carga hipnótica  como para hechizar al público.

_Piscina de datos.
Si te cuentan que la instalación de Ryoji Ikeda, “data.tecture [5 SXGA + version]” consistía en una proyección de caracteres “a lo Matrix” sobre una pantalla en el suelo, te puedes quedar un poco frío. Otra cosa muy diferente es experimentarlo in situ. A condición de quitarte los zapatos, podías caminar y/o tirarte sobre la enorme pantalla para bañarte en el torrente de datos que fluía en diferentes configuraciones y velocidades de manera simultánea, provocando según avanzaba la proyección una sensación de sobrecarga hipercontextual, muy en la línea de lo que experimentamos todos los días cuando estamos en Internet, pero potenciada a través de la metáfora audiovisual. Una pasada.

_Raster-Noton rules!.
Cuando las cosas se hacen bien se obtiene una recompensa acorde. En la mesa de venta de merchandise, CDs y vinilos, el material de Raster-Noton vendió como churros. No eran cosas precisamente baratas, pero agradaban mucho a la vista y al tacto, tanto que te transmiten la sensación de que merece la pena tener esos discos en formato físico. Tonto de mí, esperé al segundo día para pillar algo y me quedé sin el libro-disco de Mika Vainio “Time Examined”, que gozaba de un stock considerable al comienzo del evento y costaba sus 25 eurazos. Al final me llevé el exquisito “Décade” de Anne-James Chaton y el “SyMeta” de Byetone.

_Olaf Bender, alias Byetone.
Y precisamente con Byetone termino el post. Lo suyo fue sencillamente a-c-o-j-o-n-a-n-t-e. De los tres fundadores de Raster-Noton, Olaf Bender es el que, con diferencia, menos interés me despertó en mi historial como oyente del sello, pero verlo en acción cambió por completo mi opinión. Su tecno frío, repetitivo, afilado y violento se magnifica en vivo a niveles insospechados, con esa sensación de crescendo interminable y esas sacudidas a nivel físico que provocan los pulsos de sonido, haciendo que el cuerpo literalmente vibre al ritmo de la música, sincronizado con los flashes de luz provenientes del montaje visual. Sin duda, lo mejor que ha dado este L.E.V. 2012.

Tras el visionado de “Children Who Chase Lost Voices from Deep Below”, más de uno dirá que este último trabajo de Makoto Shinkai es un descarado exploit de película Ghibli, una imitación llevada a cabo con un despliegue de medios y talento mucho menores a los que se manejan en los “modelos originales”. Aunque semejantes afirmaciones resultan muy tentadoras a la hora de escribir una crítica rápida y rotunda de la película, estaríamos incurriendo en una injusticia. Pese a que su molde es el que es, lo cierto es que Shinkai añade suficientes soluciones estilísticas de su cosecha como para obtener un resultado muy personal y de gran belleza, aún disponiendo de medios limitados en comparación con los del estudio de Miyazaki.

El viaje iniciático de Asuna (arquetípica heroína miyazakiana) al  agonizante intramundo de Agartha evoca la pérdida de contacto del hombre con la Tierra y con su bagaje mítico. El mundo moderno ya no necesita el mito para ser explicado, casi todo ha sido ya descubierto y comprendido, y los avances científicos  alejan cada vez más a la muerte de nuestro día a día. Tal situación ha dejado dos secuelas importantes: La crueldad humana ha quedado al descubierto sin ningún tipo de coartada externa y la muerte se ha convertido en un tema tabú, imposible de aceptar o asimilar, condicionando  la vida de los que han perdido a seres queridos de una manera mucho más profunda que en tiempos pretéritos, cuando se manifestaba con una virulencia y aleatoriedad insoportable para nuestra moderno modo de vida.

Shinkai pone en escena este cuento crepuscular inventando un mundo en ruinas, lleno de dioses provenientes de culturas extintas, con bellísimos y melancólicos atardeceres  y terroríficas noches llenas de monstruos que van devorando la poca vida que allí queda como quien devora los sueños de la humanidad. Todo ello puesto al servicio de una historia en la que los dos protagonistas se ven abocados a superar el vacío dejado por la falta prematura de sus seres queridos.

Casualmente, unos días antes de ver la película me enganché a un disco que le vendría que ni pintado como banda sonora. Se trata del “Angels of Darkness, Demons of Light II” de Earth. La banda capitaneada por Dylan Carlson nació en la “movida Seattle” allá a principios de los 90. No tocaban grunge, sino algo muy pesado, ruidoso, repetitivo, enigmático y amenazante que después se conocería como drone metal. Tras un periodo de inactividad de casi una década atrapado en las garras de la heroína, Carlson reinicia Earth en 2005 con con formación y filosofía musical renovadas.

En su nueva versión, Earth mantiene las estructuras repetitivas de sus inicios, pero esta vez enmarcadas en una suerte de folk que tanto se puede contextualizar en el postapocalipsis personal de Carlson como en un esotérico pasado remoto poblado por los dioses, previo a la existencia de la humanidad. La verdad, ya hace mucho que un material sonoro construido en base a instrumentos “clásicos” no me atrapaba de esta manera (si, odiadores de “lo electrónico”, aún no soy un caso perdido).

Earth – “A Multiplicity of Doors”

“Una palabra tuya bastará para lanzarme”. Eso debieron pensar Raime de Aphex Twin tras la mención que el superdiós de la electrónica hizo del dúo londinense en una entrevista hace unos meses.

Con tan solo tres 12” a sus espaldas, la puesta de largo de estos maestros de la bass music siniestra de textura industrial está levantando una expectación sin precedentes. Para amenizar la espera, les propongo las siguientes sesiones de DJ de su cosecha que diversos medios han colgado en la red. En ellas, el emergente dúo lleva a su terreno temas de gente tan interesante como Demdike Stare, Cabaret Voltaire, Photek , Yellow Magic Orchestra y un montón más que desconozco (pinchar en los enlaces para ver las tracklist):

“You Can’t Hide Your Headcrack”. Ofrecido por el sello Blackest Ever Black:

Mix para FACT Magazine:

Sesión en vivo grabada en Boiler Room:

Mix promocional para Sónar 2011:
[Para ver el video debes ir al post original]

…Y para rematar el post, inserto un improvisado “Covermania” con la excelente y siniestrísima portada de “Hennail”, para mi gusto una de las mejores del 2011:

El ambient es uno de esos géneros musicales que el inconsciente colectivo parece infravalorar por defecto. Enseguida lo asociamos a música “de relleno” de escaso valor compositivo, creada a base de soniditos prefabricados y reutilizados hasta la saciedad para poner de fondo ya sea en ascensores o en locales chill-out.

Basta escuchar a los maestros del género para descubrir que aquello va mucho más allá que el típico CD recopilatorio de nefasta portada “naturalista” pasada por Photoshop que se puede encontrar en el Corte Inglés por 3€. Una buena muestra es la obra del noruego Geir Jenssen, alias Biosphere, que lleva más de 20 años creando apasionantes paisajes sonoros ya sea en álbumes exquisitamente editados por los mejores sellos del ramo, para películas o en vivo.

Acaba de salir un recopilatorio de material bastante disperso en el tiempo (1991-2004) con pistas creadas para diferentes compilaciones colaborativas que puede resultar de interés para aquellos que quieran iniciarse en la obra de Jenssen y no sepan por dónde empezar dada su variedad y extensión. En Badcamp, además de a la venta, lo han puesto en streaming enterito. Aquí se lo dejo:

Fenómenos como “Forming” o “BodyWorld” empiezan a destapar lo evidente: grandes novelas gráficas impresas del futuro se están gestando ahora mismo vía entregas digitales colgadas en Internet. La web se está revelando como efectivo sustituto a las desaparecidas revistas de cómics que prepublicaban una historia mientras el autor la iba dibujando. Inconveniente: la pasta no fluye hasta que el trabajo esté terminado. Ventajas: sin perder otra cosa que su “fuerza de trabajo”, el autor puede arriesgarse más creativamente, obtener la respuesta del público en tiempo real, generar fanbase y, si todo va bien, currarse una edición impresa de puta madre cuyos lectores  habituales no se resistan a dejar pasar.

Como cada vez leo más tebeos provenientes de la web, inauguro esta sección para irlos reseñando, y así formar parte activa de esa fanbase que le gustaría tener esos tebeos en la estantería. Si conocen alguna joya escondida de este panorama webeditorial, no duden en hacérmelo saber. Por mi parte aquí va la primera tanda:

“Paws”, de Pete Toms
Un escritor frustrado, alcohólico y “odiador” de la televisión se ve envuelto en la producción de una teleserie autobiográfica para un canal cutre local sobre su supuesta abducción y conversión en hombre lobo perpetrada por un enigmático anciano “Espíritu del Bosque”. Se incluyen conversaciones con perros y bocadillos de textos rellenos de largas parrafadas baudrillardianas. Enlace de título aparte, se puede leer aquí de forma más cómoda pero con actualizaciones cada 10 entregas.

“Ant Comics”, de Michael DeForge
Nunca (salvo quizá en algún documental de la 2) se ha mostrado la vida en una colonia de hormigas como algo tan lleno de podredumbre (física y moral), muerte y represión sexual. Todo un microdrama

“Puke Force”, de Brian Chippendale
Si quieren catar a Chippendale sin arriesgar su dinero, esta es su oportunidad: robots que ven gente muerta, tipos que se esfuerzan por ocultarse como usuarios  de porno en Internet pero salen a la calle con las vergüenzas al aire, varios capítulos dedicados a mostrar una explosión suicida en una cafetería desde el punto de vista de algunas de sus víctimas, trolls interneteros poseídos en un ciber… Este señor está fatal, pero que sigua así!

Para terminar el post, y ya que salieron a la palestra Chippendale y “lo gratis”, una pista de audio de 20 minutos que acaban de subir Lightning Bolt  a la red:

Y para amenizar la jornada, una canción sobre culos. Nunca me expliqué como no se se ha convertido en megahit. Ojo a la letra:

Anteriormente:
Big Culo Day 2008
Big Culo Day 2009
Big Culo Day 2010

“Trato y recorto la mayoría de los beats y la mayoría de las estructuras rítmicas a partir de una onda de sonido original, en su estado más puro, y dándole la forma que más me gusta a cada una de esas longitudes de onda. Así que no hay ni cajas de ritmo ni secuenciadores en este proceso: es un largo proceso de editar, cortar y pulir.”

Carsten Nicolai (alias Alva Noto) entrevistado en Playground

Este señor sabe vender la moto tan bien cuando habla de su trabajo que no puedo resistirme a postear sus declaraciones. Aquí tienen otra.

Banda sonora del post: Alva Noto – “uni deform”

Durante el proceso de confección de mi Top30 tuve que tomar varias decisiones difíciles, y sin duda, una de ellas fue la de no incluir allí la rompedora serie de animación “Aeon Flux”, emitida por la MTV en el mítico contendor Liquid TV, con el animador coreano Peter Chung como principal responsable. La mezcla de surrealismo (del bueno), acrobacias, animación de perspectiva alucinógena y un puntito sexualmente perverso convirtieron a la serie en algo realmente único e irrepetible hasta nuestros días, a casi 20 años de su estreno.

Pero sería injusto hablar de las excelencias de  “Aeon Flux” sin mencionar a Drew Neumann, el encargado de la música y el diseño de sonido de la serie. Si ésta fue revolucionaria en lo visual, el apartado sonoro no le va a la zaga. Neumann realizó su fantástico trabajo en base a 3 pilares: tridimensionalización del sonido, técnicas de musique discrète y partituras de cortes abruptos. Visto un capítulo, su cerebro jamás podrá separar el concepto de “Aeon Flux” de su música.

Drew Neumann – Aeon Flux Intro

Drew Neumann – "Phobia Suite"

En el año 97, bajo el título “Eye Spy – Ears Only: Confidential”, Neumann publicó la banda sonora de la serie, más algunos mixes extras, así como material para el videojuego que finalmente no salió a la luz. Por problemas de derechos no se pudo utilizar la marca Aeon Flux para el título del disco, pero Peter Chung se prestó a ilustrar la portada. Pueden descargarlo aquí (mientras dure) o comprar la reedición con un cd adicional en la web de Neumann.

Hay pocas cosas que me fascinen más en el ámbito de lo creativo que comprobar como puede cambiar el significado/percepción de/hacia cierto material si lo sacamos del contexto para el que fue creado. “Instrumentals” de Clams Casino ( Mike Volpe de nombre real) es un ejemplo bestial de lo que pueden dar de sí estas prácticas descontextualizadoras.

La historia resumida: Volpe es un productor de New Jersey que se gana la vida creando bases para ilustres raperos como Lil B o Soulja Boy. Un buen día se le ocurre subir a Internet una mixtape con algunas de esas bases tal y como las entregó, sin cortar, sin retocar y sin voces chulescas por encima. La sorpresa: aquello suena a cualquier cosa menos a rap.

Clams Casino – Real Shit From A Real Nigga

Los cortes de “Instrumentals” evocan atmósferas hipnagógicas con destellos IDM. Delicados paisajes sonoros que paran nada se nos ocurriría asociar a un mundillo en el que prima la quincalla a lo M.A. Barracus  (pero con oro de verdad),  las gorras con alerón king size y los 4×4 gigantes y tuneados.

Clams Casino – All I Need 

El éxito de la mixtape ha propiciado un edición en vinilo editada por Type y una resubida en formato digital en mejor calidad que pueden descargar aquí. Como acostumbra a hacer con todos sus lanzamientos, Type tambíén ha subido el disco enterito a Soundcloud. No tienen excusa para no escucharlo.

Banda sonora del post: Led Zeppelin – “When the levee breaks”

Estamos en plena vorágine de listas. Como por aquí hay mucha afición a ellas, aprovecho mis pesquisas para dejarles una compilación de mejores discos del año según algunos medios destacados en el panorama de la crítica musical. Parece que entre P.J. Harvey, Bon Iver y Adele anda el juego, aunque sinceramente creo la elección del nº 1  dice más sobre de que pié cojea cada publicación que otra cosa. Pueden ver las listas completas de cada medio pulsando sobre su correspondiente enlace:

The A.V. Club: “Civilian”, de Wye Oak

BBC: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

Billboard: “21”, de Adele

Clash: “Monkeytown”, de Modeselektor

Decibel: “Path Of Totality”, de Tombs

Drowned in Sound: “Burst Apart”, de The Antlers

FACT Magazine: “House Of Balloons”, de The Weeknd

Filter Magazine: “Hurry Up, We’re Dreaming”, de M83

The Guardian: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

Les Inrockuptibles: “El Camino”, de The Black Keys

Magnet: “Yuck”, de Yuck

Mojo: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

NME: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

New York Magazine: “Feel It Break”, de Austra

Paste: “Bon Iver”, de Bon Iver

Pitchfork: “Bon Iver”, de Bon Iver

Playground:“House Of Balloons”, de The Weeknd

Q: “Ceremonials”, de Florence & The Machine

The Quietus: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

Resident Advisor: “Space Is Only Noise”, de Nicolas Jaar

Rolling Stone (EE.UU.): “21”, de Adele

 SPIN: “David Comes to Life”, de Fucked Up 
 
Stereogum: “Father, Son, Holy Ghost”, de Girls 

 Time: “21”, de Adele 

Tiny Mix Tapes: “Replica”, de Oneohtrix Point Never

Uncut: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

Under The Radar: “Strange Mercy”, de St. Vincent

The Wire: “Far Side Virtual”, de James Ferraro

Actualización (28/12/2011):

 Amazon.com : “21”, de Adele

 Amazon.com (más vendido): “Born this Way” de Lady Gaga

Rockdelux:“Let England Shake”, de P.J. Harvey

 The Stool Pigeon:“Let England Shake”, de P.J. Harvey

 XLR8R: “With U”, de Holy Other

Ya saben de que va esto, así que al grano:

Top 10:

10. “Owl Splinters”, de Deaf Center  Escuchando el resultado, nadie diría que este disco fue grabado  en dos días utilizando únicamente dos instrumentos “clásicos”. Grandeza minimalista. [escuchar en Type]

9. “Grimoire”, de Kreng El sello noruego Miasmah supuso para mi uno de los grandes descubrimientos del año. Lo mejorcito de por allí: El exquisitamente siniestro y malrrollero nuevo trabajo de Kreng. [escuchar en Miasmah]

8. “Horizontal Structures”, de Moritz Von Oswald Trio  El “Vertical Ascensión” ya apuntaba maneras, pero no acababa de cuajar. En unos mesecitos de nada, esa potencialidad se concretó en este discazo. Jazz del siglo XXII.

Moritz Von Oswald Trio – "Structure 2"

7. “Paranormale Aktivitat”, de Zwischenwelt  Un disco electropop conceptual con la parapsicología como tema, creado por dos americanos, una alemana y una española a base de intercambio de ficheros por Internet. Todo es posible… y les quedó de puta madre.

Zwischenwelt – “Apparition”

6. “Map of Circular Thought”, de Area C  La pieza de orfebrería electrónica del año.

[Para ver el video debes ir al post original]Area C – “Felt, not seen”

5. “Gloss Drop”, de Battles Creciéndose ante la adversidad. La marcha de Tyondai Braxton, lejos de matar a los Battles los evoluciona hacia nuevos territorios matemáticos. Excelente gestión de una crisis.

4. “93 Million Miles”, de Africa Hitech  La experiencia vibratoria del año. Mark Pritchard y Steve Spacek nos ofrecen un “what if…” musical afroelectrónico que esperemos sigan desarrollando en nuevas entregas.

Africa Hitech – "Future Moves"

3. “Dedication”, de Zomby Zomby se apea de la nostalgia de lo no vivido para ofrecernos su versión más innovadora a la vez que melancólica. ¡No le quiten el oído de encima!

Zomby – "Digital Rain"

2. “James Blake” / “Enough Thunder”, de James Blake  Si el mundo fuese justo, este hombre debería estar petándolo en el panorama mainstream. La cruel realidad es que, dentro de unos lustros alguien se hará muy rico malrreciclando sus hallazgos. Puede sonar chungo, pero afirmo: El soul popero de masas, así si.

[Para ver el video debes ir al post original]James Blake – "We might feel unsound"

1. “Afro Noise”, de Cut Hands Puro vudú sónico. Frio, primitivo, afilado y demoledor. William Bennett evoluciona el sonido Whitehouse de la maza al escalpelo… eso si, un escalpelo infecto y oxidado.

Cut Hands – "Stabbed Conspirancy"

También me gustaron mucho:
"[Unclassified]", de VV.AA.
"Black Sun", de Kode9 & The Spaceape
"Monkeytown", de Modeselektor
"Ground EP", de G.H.
"Concrete Glider", de Somatic Responses
"Glass Swords", de Rustie
"Drive OST", de VV.AA.
"Feel it break", de Austra
"UNIVRS", de Alva Noto
"Looping State of Mind", de The Field
"Scintilli", de Plaid
"Bermuda Drain", de Prurient
"Circus", de Black Devil Disco Club
"OR", de Kangding Ray
"In Vogue Spirit", de Wet Hair
"Mosaik", de Siriusmo
"Common Era", de Belong
"Claire Denis Film Scores 1996-2009" de Tindersticks

Top 10 canciones [descargar]:
10. "Need you now", de Cut Copy
9. "Am I", de Kode9 & The Spaceape
8. “A meal can be made”, de Prurient
7."Helix", de Justice
6. "Upgrade", de Plaid
5. “Stay Insane”, de Black Devil Disco Club
4. “Out in the Streets”, de Africa Hitech
3. "We might feel unsound", de James Blake
2. "Ventriloquizzing", de Fujiya & Miyagi
1. “Futura” de Battles

Anteriormente:
Lo Mejor de 2006: Música
Lo Mejor de 2007: Música
Lo Mejor de 2008: Música
Lo Mejor de 2009: Música
Lo Mejor de 2010: Música

Banda sonora del post: Joy Division – “Interzone”
Interzone – Joy Division

Creo que mi fascinación por la música de filosofía electrónica ejecutada con instrumentos clásicos ha quedado bastante clara en el penúltimo Top30, dedicado a Battles . Casualmente, unos días después de escribirlo descubro una banda que lleva esa práctica al paroxismo: Los austriacos Elektro Guzzi se sirven de guitarra, bajo y batería para tocar un estilo tan mecánico y enraizado a lo sintético como es el techno. 

La verdad es que el experimento funciona bastante bien. Siendo sincero, creo que “Parquet” es un buen disco más por el trabajo de composición que por como ha sido grabado. De todas formas, las reconocibles y no totalmente sincrónicas pulsaciones de cuerda y toques de tambor le dan un puntillo especial, como si el hecho de saber que hay unos brazos y dedos humanos detrás de cada beat aportase un  esquizofrénico “nosequé” a la escucha, entre lo cálido y lo alienante.

Elektro Guzzi – Affumicato 

En el ámbito de lo creativo, al concepto de “repetición” lleva las connotaciones negativas de serie. “Repetido = sin novedades” es lo primero que nos viene a la cabeza. Este prejuicio hacia lo repetido puede tener su justificación, pero existen excepciones. Pulula por ahí una rara especie de autores que, a base de repetirse, se han construido pequeños nichos creativos en los que se manejan con maestría absoluta. Se repiten, si. Pero se repiten en la genialidad, y por ello nunca aburren. A continuación dejo dos ejemplos de este fenómeno, dos “repetidores” natos cuyos últimos productos he degustado recientemente.

El primero: Hong Sang-soo. Cineasta coreano de la cotidianeidad, o mejor dicho, de su cotidianeidad. Sus películas siempre se desarrollan en los márgenes contextuales de la docencia universitaria y/o el mundillo del cine independiente. El director recrea en celuloide el mundo que mejor conoce con una honestidad brutal, lleno de gente que se cree más inteligente y menos egoísta de lo que realmente es. Los personajes de Sang-soo suelen entablar largas conversaciones mientras comen (y beben) en acogedores restaurantes o pasean por cotidianos parajes invernales enfundados en sus plumíferos.

[Para ver el video debes ir al post original]Sang-soo metaexplicado en “Oki’s Movie” + momento embarazoso 

La normalidad del ambiente contrasta con el contenido de las no tan anecdóticas conversaciones, en las que se mezclan las medias verdades, el autoengaño, la manipulación emocional, y de vez en cuando también arrebatos de hiriente sinceridad. En el universo a golpe de zoom de Sang-soo lo sutil suele desembocar en lo cómico, lo ridículo  y lo catárquico, como en la vida misma. Su penúltima película, “Oki’s Movie” no se sale del patrón, y aún así resulta tan fresca como las anteriores.

Cambiemos de personaje y medio: Axel Willner, alias The Field ha convertido el loop en el fundamento de toda su producción musical. El título de su último LP “Looping State of Mind” es  una redundante declaración de intenciones para los que ya conocíamos su idiosincrasia.  Cada tema de The Field se basa en  la repetición de patrones sonoros que se entrecruzan y microevolucionan en hipnóticas formas. Cuando hincas el diente a  nuevo material suyo, sabes de sobra con lo que te vas a encontrar, pero ello no impedirá que escapes de su mesmerizante influjo.

The Field – "Looping State of Mind"

Banda sonora del post:
Emerson, Lake & Palmer – “Karn Evil 9: 1st Impression”

Allá por el 2006, aún sacaba de vez en cuando  el envoltorio al CD incluido en la Rockdelux. En el número de abril de ese año tocó nada menos que un recopilatorio de Warp Records, con el que se pretendía dar a conocer la política “aperturista” practicada por el sello en los últimos tiempos, en los que la música basada en guitarras dejó de estar vetada en su catálogo. En ese compacto compartían espacio magos de lo sintético como Clark, Plaid o Boards of Canada con gente más apegada a los instrumentos clásicos como Maximo Park, !!!  o mi gran descubrimiento de esa tracklist: Battles.

Battles – "Tras"

No era yo desconocedor de la etiqueta “math rock”, pero nunca vi tan claro el significado del término como en la música que hacían Battles. El material de la banda editado hasta el momento, “EP C” Y “B EP” (reeditados conjuntamente tras la firma con Warp), conformaban una inquieta e imaginativa búsqueda de patrones rítmicos a través de guitarra, bajo, batería y teclados, adecuadamente procesados mediante un buen surtido de maquinaria analógica y digital. Battles se erigía así como la banda-puente entre el pasado y el futuro de Warp.

Resulta curioso que una panda de virtuosos en sus respectivos instrumentos, algunos de ellos con un pasado en un mundo tan antielectrónico como el del  metal, se juntaran para producir música con una filosofía tan “de síntesis”, donde el ritmo y las cadencias repetitivas postprocesadas  lo eran todo. Su falta de complejos ante la tecnología subió un nuevo peldaño en su siguiente trabajo “Mirrored”, donde las complejas estructuras sonoras instrumentales se mezclaban con voces pitufadas.

Los Battles, con esos dos EPs de debut, se convirtieron para mi en el ejemplo perfecto de los caminos que debería tomar la música pop del futuro: la integración con “lo electrónico” en formas novedosas e imaginativas.

Anteriormente en Top30:
Intro (qué es Top30)
Ulises 31
Los 4 Fantásticos
Secret Wars
Transformers
Batman y los Outsiders
Batmanía
Dragon Ball
Darkseed
Parque Jurásico
John Byrne’s Next Men
Trilogía Nikopol
La fOntana y la sOnda
12 Monos
Pulp Fiction
Wipeout
Brut Comix
La Casta de los Metabarones
Ænima
Carretera Perdida
The Invisibles
Cosecha Cinematográfica del 99
La Caída
Los Soprano
La Pianista
South Park
X-Force/X-Statix
Visitor Q
The Wayward Cloud

Y hablando de jodiendas, qué mejor banda sonora para el post que esta versión del tema principal de la peli, elaborada por Fantômas:

Fantômas // Rosemary’s Baby

En una entrevista concedida a The Wire hace 3 meses, el anónimo productor conocido como Zomby cuenta  que cuando Steve Goodman  le propuso en 2008 debutar en Hyperdub a través de un EP de cuatro temas, el joven y “novato” artista respondió entregándole nada menos que 120 canciones para que escogiera las que quisiera. Esta anécdota da una idea de como ha cambiado la manera de hacer música en los últimos tiempos. Libre de la tiranía de los costes de producción de antaño, realizando un desembolso de capital asumible para el ciudadano de a pie, el artista puede construirse un estudio en su propia habitación y encerrarse a crear como un poseso sin limitaciones. Con semejante manera de trabajar, muchos de estos bedroom producers disponen de un  repertorio y nivel de dominio técnico elevadísimos sin tan siquiera haberse dado a conocer. Solo cuando esa obsesiva intensidad creativa se junta con el genio surgen productores excepcionales como Zomby.

No es disparatado suponer que los gigas de creación propia del disco duro de Zomby se han multiplicado desde su debut hace tres años. Así es fácil explicar las diferencias de estilo entre su debut en largo, “Where Were U In ’92?” y el  reciente “Dedication”. Si el primero tiraba más hacia un revisionismo del sonido “rave” noventero, el nuevo LP se lanza a la oscuridad post-dubstep, que ya se adivina desde el diseño de la portada y el título del disco, que dedica a su padre recientemente fallecido.

“Dedication” nos presenta una versión de Zomby más innovadora, a un autor más centrado en generar un discurso musical propio que en servirse de su afilado olfato dance para obligar al personal a mover el esqueleto. En lo que a mi respecta me gusta más esta nueva personalidad que la antigua, pero lo mejor de todo es que seguro que tiene muchas más identidades autorales en la manga, depositadas en infinidad de canciones que esperemos ver conveniente compiladas en cadencias temporales lo más cortas posibles. De momento, revisen Youtube, pues allí ya hay colgados como medio centenar de temas suyos inéditos en otros soportes o plataformas de venta on-line. Según sus propias palabras, sacar álbumes le interesa más que nada por tener presencia en la industria. Lo suyo es, simplemente, hacer música.

Zomby – "Statik" (inédito)

Zomby – "Vertigo" (inédito)

Zomby – "No" (inédito)

Zomby – "Bur5t" (inédito)