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Top30 (XXX): Lost

David — Tue, 13 Dec 2011 11:09:23 +0000

Dejemos las cosas claras desde el principio: No considero a “Lost” como una de las mejores series de la historia, de hecho no entraría ni en mi top 20 personal. Esto es así fundamentalmente por dos razones: es tramposa y es emo. Tramposa porque su estructura narrativa atendía a un único objetivo: dejar al espectador con unas ganas locas de ver el siguiente episodio. Emo porque sus personajes se movían en un universo psicológico de segunda, basado fundamentalmente en (cristianísimos) procesos de culpa-redención y en lloreras por el muerto de turno. Estas dos nefastas cualidades se hicieron más evidentes que nunca en el final de la serie, azucarado a niveles de coma diabético y sin respuesta a los misterios-cebo que los guionistas diseminaran a lo largo de las 6 temporadas.“Lost” no fue la mejor serie del mundo. Pero fue mucho más que una serie, y por eso corona con honores el proyecto Top30. Ante todo, “Lost” fue un fenómeno sociocultural que revolucionó la esfera seriéfila en todas sus vertientes.

A nivel de producción estrechó distancias con el cine, arrancando con un episodio piloto de presupuesto record y manteniendo como pudo la apariencia cinematográfica en las siguientes entregas. Ese golpe sobre la mesa contra el cartón-piedra sentó precedente en la televisión en abierto (los canales de pago siempre fueron palabras mayores), y cada nueva serie que pretendía “cortar la pana” en la temporada de turno subía un poco el listón, hasta el paradójico punto de que a la propia “Lost” se le acusó de cutre en su última temporada.

Los míticos y caros primeros minutos de “Lost”

En lo que respecta al casting, rompió barreras étnicas y estéticas con un plantel de actores fuera del modelo caucásico-apolineo-plastificado imperante. La medida imprimió (mucho) carácter a la serie y también fue trasvasada con éxito a otras producciones posteriores. El aspecto físico, la edad y la raza fuera del canon fueron desde “Lost” menos impedimento para que un personaje alcance un alto grado de popularidad. Ahí tenemos a Hugo Reyes, Hiro Nakamura o Walter Bishop.

Igualmente revolucionaria resultó la estructura argumental y narrativa de la serie dentro del contexto comercial en el que fue emitida: mezcla de géneros, flashbacks, flashforwards y sobre todo la absoluta supresión del procedimentalismo imperante por aquel entonces para todo producto televisivo relacionado con la ciencia ficción y la fantasía. Porque recordemos que hasta la mitiquísima “Expediente X” era procedimental en el 80% de sus capítulos. “Lost” fue pensada para el seguidor hardcore, no para el advenedizo que pudiese enganchar en un capítulo cualquiera y empezar a seguirla desde ese punto. O la ves (vives) desde el principio o nada.

Pero si hay que escoger el “un antes y un después” más importante que estableció “Lost” tenemos que mirar hacia los que la consumimos. Alrededor de la serie se formó un fenómeno fan overground y transnacional, con adeptos que dejamos de esperar por su emisión en los canales de TV de nuestros respectivos países pasándonos al religioso ritual de la descarga vía P2P del capítulo de la semana, disponible a los pocos minutos de finalizar de su emisión en EEUU (los subtítulos tardaban unas horitas de nada). Nunca antes se hizo así, y nunca después dejó de hacerse, porque seamos realistas, desde “Lost” las series se ven fundamentalmente “por internet”. Resultaba fascinante eso de discutir (y escuchar discutir) en aulas, bares y colas de supermercado sobre la escotilla, los números, DHARMA, Los Otros, el humo negro, Jacob, la estatua de cuatro dedos y tantas otras cosas siendo conscientes de que lo hacíamos a la vez que nuestros homólogos en todas las esquinas de la Tierra, y meses antes de que nada de eso se hubiese visto en las (fracasadas) emisiones nacionales de la serie. Y lo mejor de todo es que por primera vez existía un producto cultural sobre el que los frikis y los no frikis podían compartir intensas conversaciones, porque la transversalidad del target de “Lost” fue también lo nunca visto.

Pero ¿Qué cualidades de esta serie provocaron semejante movimiento tecno-social subterraneo? Pues nada menos que su carácter tramposo y emo. Todos caímos en las trampas, pero que nos quiten lo bailao, nos lo pasamos de puta madre fantaseando sobre lo que estaba por venir y agonizando por el siguiente capítulo, que por supuesto debíamos inyectárnoslo en vena tan pronto estuviese disponible, o sea recurriendo al P2P. En cuanto a lo emo, sirvió de contrapunto a las partes fantastique más hardcore de la serie, suavizando el conjunto y haciéndolo accesible a un espectro mucho más amplio de público.

“Lost”, la serie, no está a la altura de “Los Soprano”, ni de “Mad Men”, ni de“Breaking Bad”, ni de tantas otras . Pero como experiencia integral de consumo de ficción, nada estuvo (y difícilmente estará) a la altura de “Lost”.

Pd: Este post está dedicado a la gente de Lostzilla, sin la cual la “Experiencia Lost” no hubiera sido lo mismo.

Anteriormente en Top30:
Intro (qué es Top30)
Ulises 31
Los 4 Fantásticos
Secret Wars
Transformers
Batman y los Outsiders
Batmanía
Dragon Ball
Darkseed
Parque Jurásico
John Byrne’s Next Men
Trilogía Nikopol
La fOntana y la sOnda
12 Monos
Pulp Fiction
Wipeout
Brut Comix
La Casta de los Metabarones
Ænima
Carretera Perdida
The Invisibles
Cosecha Cinematográfica del 99
La Caída
Los Soprano
La Pianista
South Park
X-Force/X-Statix
Visitor Q
The Wayward Cloud
EP C / B EP

Top30 (XXIX): EP C / B EP

David — Fri, 04 Nov 2011 00:14:18 +0000

Allá por el 2006, aún sacaba de vez en cuando el envoltorio al CD incluido en la Rockdelux. En el número de abril de ese año tocó nada menos que un recopilatorio de Warp Records, con el que se pretendía dar a conocer la política “aperturista” practicada por el sello en los últimos tiempos, en los que la música basada en guitarras dejó de estar vetada en su catálogo. En ese compacto compartían espacio magos de lo sintético como Clark, Plaid o Boards of Canada con gente más apegada a los instrumentos clásicos como Maximo Park, !!! o mi gran descubrimiento de esa tracklist: Battles.

Battles – "Tras"

No era yo desconocedor de la etiqueta “math rock”, pero nunca vi tan claro el significado del término como en la música que hacían Battles. El material de la banda editado hasta el momento, “EP C” Y “B EP” (reeditados conjuntamente tras la firma con Warp), conformaban una inquieta e imaginativa búsqueda de patrones rítmicos a través de guitarra, bajo, batería y teclados, adecuadamente procesados mediante un buen surtido de maquinaria analógica y digital. Battles se erigía así como la banda-puente entre el pasado y el futuro de Warp.

Resulta curioso que una panda de virtuosos en sus respectivos instrumentos, algunos de ellos con un pasado en un mundo tan antielectrónico como el del metal, se juntaran para producir música con una filosofía tan “de síntesis”, donde el ritmo y las cadencias repetitivas postprocesadas lo eran todo. Su falta de complejos ante la tecnología subió un nuevo peldaño en su siguiente trabajo “Mirrored”, donde las complejas estructuras sonoras instrumentales se mezclaban con voces pitufadas.

Los Battles, con esos dos EPs de debut, se convirtieron para mi en el ejemplo perfecto de los caminos que debería tomar la música pop del futuro: la integración con “lo electrónico” en formas novedosas e imaginativas.

Top30 (XXVIII): The Wayward Cloud

David — Wed, 14 Sep 2011 15:48:23 +0000

“The Wayward Cloud”, titulada en España “El Sabor de la Sandía” supuso mi entrada en el particularísimo universo cinematográfico de Tsai Ming-Liang, y también el inicio de mi pasión por ese tipo de cine vacuo en apariencia pero cargado de significado y poesía visual, practicado por colosos como Jia Zhang Ke, Apichatpong Weerasethakul, Gus Van Sant (en modo no comercial) o el que nos ocupa. Cine puro de verdad, porque su contenido narrativo es intransferible a cualquier otro medio de expresión.

Aún dentro de esta categoría de cineastas, Tsai Ming-Liang es un caso extremadamente particular. Todas sus películas (menos una) están protagonizadas por el mismo personaje, Hsiao-kang interpretado por Lee Kang-sheng. Así, salvo contadísimas excepciones, cada film del director malayo supone un nuevo capítulo de una de las más grandes biografías ficticias jamás creadas para cine. Yo me subí al carro en el “episodio quinto”, con Hsiao-kang recién metido a actor porno. No tardé nada en repescar lo que me había perdido.

A nivel fundamental, la historia de Hsiao-kang es también la historia de los millones de personas víctimas del “progreso” hipercapitalista. Personas que viven apiñadas en colmenas de cemento pero están solas, personas que pasean por calles cubiertas de neones multicolor pero están tristes, personas que, en definitiva, viven como zombies, pero sienten como humanos. La hipertrofiada Taipei no es solo una localización, es un personaje, quizá el más influyente en la vida de Hsiao-kang.

“The Wayward Cloud” es la segunda película de Ming-Liang donde la tónica antinarrativa e hipercostumbrista de toda su filmografía se rompe a través de escapistas secuencias musicales; hilarantes, bizarras y coloristas, que sin embargo refuerzan los sentimientos de melancolía y alienación que nunca abandonan al espectador durante el metraje. También se presenta en este film otro surrealista recurso de su autor: plantear una situación absurdamente apocalíptica de fondo. En este caso, una alarmante sequía que obliga a la gente a hidratarse consumiendo sandía. Metáforas del verdadero apocalipsis, el que se cuece en el plano psíquico.

Aún con todo, detrás de toda la miseria, soledad y melancolía que supura el cine de Ming-Liang, siempre hay sitio para la poesía y para la magia. Eso que convierte cosas como compartir un cigarrillo, cocinar unos fideos con marisco o realizar una gracieta acrobática para robar una sonrisa en los momentos más importantes de la vida.

Top30 (XXVII): Visitor Q

David — Thu, 07 Jul 2011 15:08:01 +0000

Tres años después, el proyecto Top30 va llegando a su fin. Es lógico que acercándome ya a la “era blog” en este repaso de mis primeros 30 años como consumidor (sub)cultural aparezcan obras ya referenciadas en entradas anteriores. Es lo que ocurre con “Visitor Q”, y a su correspondiente post les remito. Solo me queda contextualizar un poco la peli respecto a mi evolución cinéfila.

Alrededor del 2004 las conexiones a Internet ya estaban suficientemente evolucionadas como para permitir bajar películas sin problemas. Lo mismo ocurría con el mundillo de los subtítulos “amateur”, organizado en foros y “teams” en casi cualquier esquina del globo de habla hispana. Estos factores dieron acceso popular a todo un universo cinematográfico que hasta el momento nos había sido negado por los medios de distribución “oficiales”. Ese cine asiático del que los entendidos hablaban maravillas estaba al alcance de nuestra mano, y lo consumimos con fruición. Había de todo, pero en el sector, llamémosle, “que fuerte neng!!” tres realizadores eran los favoritos del público: Kim Ki-Duk con cosas como “La Isla” o “Samaria”, Park Chan-wook y su mitificadísima “Oldboy”, y como no, el incombustible Takashi Miike, capaz de lo mejor y lo peor con su frenético ritmo de producción de alrededor de 5 películas al año por aquel entonces. Es curioso ver como los dos primeros han perdido fuelle con el paso del tiempo mientras que Miike sigue a lo suyo, fiel a su radical estilo y cada vez mejor considerado tanto a nivel crítico como comercial: No falta película suya en todo festival puntero, y ya encadena varios taquillazos en Japón.

“Visitor Q” fue el primer o segundo “miike” que consumí, y desde entonces no me he apeado del carro. Lo que no esperaba en absoluto es que dicho film se convirtiese para mí en la puerta de entrada al universo “Dogma”. La de Miike, sin respetar algunos de los mandamientos del manifiesto, es prácticamente una película Dogma. Hasta el momento no le había hecho mucho caso al jueguecito de Von Trier y Vinterberg , pero “´Visitor Q” me permitió ver las posibilidades de esa forma de hacer cine. En cualquier caso esta actitud pseudo-Dogma de Miike a la hora de realizar el film ejemplifica otra de las grandes virtudes del cineasta: La adaptación a su idiosincrasia de todo tipo de hallazgos de vanguardia ignorados o vagamente explotados más allá de sus impulsores iniciales.

Top30 (XXVI): X-Force/X-Statix

David — Tue, 01 Feb 2011 01:00:13 +0000

A principios de los dosmiles, la entrada de Joe Quesada como Editor in Chief en Marvel supuso una auténtica revolución para la editorial en particular y el cómic mainstream americano en general. La “Casa de las Ideas” no atravesaba su mejor momento, continuando una política editorial a todas luces agotada tanto en lo creativo como en lo económico: Franquicia mutante a la deriva y sin rentabilizar el éxito de la película; Spider-man dando tumbos entre interminables reseteos y/o nefastos eventos “impactantes” que no le dejaban levantar cabeza, y el resto de series saliendo un poco del pozo noventero al que habían sido arrojadas, pero aún sin la suficiente pegada.

Quesada cambió todo a base de fuerza creativa renovada: Mezcló los mejores autores “de la casa” con gente de la esfera independiente y con habituales de DC/Vertigo, a los que arrastró a la competencia a golpe de talonario y promesas de libertad creativa en títulos punteros. Los resultados fueron dispares, pero el tiempo hace olvidar los fiascos y recordar los aciertos, que fueron espectaculares, y cambiaron el paradigma vigente en cuanto al modo de producir tebeos de superhéroes. Un puñado de títulos quedaron grabados en mi memoria subcultural, pero si tengo que quedarme con uno, como representante de esa nueva ola, sería el ”X-Force” de Peter Milligan y Mike Allred, y su continuación “X-Statix”.

Para explicar la naturaleza de este título empecemos con los autores: Con Milligan y Allred se juntaron el hambre y las ganas de comer en cuanto obsesión por la cultura pop y el concepto de “fama”. Ya habían colaborado esporádicamente en alguna cosita, pero la que nos ocupa fue su gran obra conjunta, dónde sus universos se fusionaron para formar un todo que mejoraba a cada una de sus partes. El dominio de la imaginería pop por parte Allred unido a la capacidad de Milligan para captar el pulso de los tiempos dieron como resultado una obra disfrutable a varios niveles, llena de referencias a temas de actualidad y que se adelantó a su tiempo en esto de exponer el funcionamiento del star system, por dentro y por fuera, con sus grandezas y miserias.

“X-Force” no era un título nuevo. Se trataba de una cabecera creada para gloria y lucimiento de Rob Liefeld diez años atrás, en plena era de los dibujantes hot. En una especie de metarreferencia al “nuevo orden” instaurado por Quesada, los autores ubicaron allí a sus nuevos personajes, que no tenían relación alguna con lo visto en los 115 números anteriores. La nueva “Fuerza-X” estaba compuesta por mutantes, pero no eran temidos ni odiados, sino que formaban parte del show business con todo lo que ello conlleva: merchandising, asesores de imagen, clubs de fans, acoso de la prensa… pero Milligan no se limita a clichés más o menos establecidos y hurga todo lo que puede en la herida de eso de “querer ser alguien” con una profundidad poco usual para la época: Nuestros “héroes” padecían una obsesión enfermiza por ser “lo más”, no podían soportar que sus propios compañeros (incluso parejas) les superaran en popularidad. Hasta aquellos que se alistaban por otras razones, como Orphan, acababan infectados con el virus-fama tras un tiempo en el equipo. En un primer golpe de genialidad, el primer episodio presentaba a una serie de personajes, con su contexto vital, esbozando líneas de desarrollo futuro para los mismos, pero al final del capítulo… casi todos acababan muertos en una misión, siendo sus sustitutos y un par de supervivientes los verdaderos protagonistas del resto de la serie. A los lectores nos quedaba claro que allí los superhéroes, como sería lo lógico, mueren fácilmente, y los (miles de) candidatos para sustituir vacantes lo saben, pero no les importa. ¿Puede existir una metáfora mejor para explicar lo que ocurre con Gran Hermano y otras telerrealidades, en las que los concursantes se exponen voluntariamente a sepultar toda su vida anterior por cinco minutos de fama y un puñado de bolos en discotecas?

Pese a la apariencia “liviana” y poppie del tebeo a primer golpe de vista, lo cierto es que allí se desarrollaba un contexto de ultraviolencia, lujuria y tratamiento realista de las relaciones humanas poco compatible con el mítico sello censor “Comics Code Authority”. En una maniobra sin precedentes, Marvel prescinde del código, primero en este título y poco después en todos los demás, imponiendo su propia calificación por edades. Toda una revolución para el mainstream americano, subyugado a los dictados del Code desde los años cincuenta. Diez años después (hace unos días, de hecho) la anquilosada DC Comics se ha atrevido a dar el paso, dejando este nefasto símbolo ”castrador” virtualmente muerto.

El apartado gráfico resultó también un auténtico festín. Allred no se adocenó por el hecho de trabajar a sueldo para la “gran industria”, y dejó un buen montón de momentos alucinógenos, llenos de experimentación y unos cuantos guiños al imaginario colectivo visual. Como no podía ser de otra forma, el artista fue incapaz de mantener el ritmo de entrega mensual y tuvo que dejar en manos de terceros algún que otro episodio suelto, pero hasta en este impopular asunto el editor Axel Alonso dio en el clavo contratando a unos sustitutos de auténtico lujo: Duncan Fegredo, Darwin Cooke, Paul Pope… una sucesión de estrellas que casi hacían desear que a Allred se le echara el tiempo encima más a menudo.

En fin, un tebeo de los que hacen época, tanto por su calidad como por lo que demostró: que las fronteras entre lo mainstream y lo alternativo pueden ser extremadamente finas y que ningún género es inherentemente malo para tratar según que temas, todo depende del talento que haya detrás para poner la cosa en marcha.

Top30 (XXV): South Park

David — Wed, 01 Dec 2010 23:06:42 +0000

Reivindicar “South Park” en este blog es un acto de pura redundancia, pero precisamente por lo mucho que me gusta la serie tengo que meterla en este Top30 que ya va en la recta final de mi cronología subcultural.

Les dejo pues, un resumen en epígrafes que explican por qué considero la obra magna de Trey Parker y Matt Stone la mejor serie “adulta” de todos los tiempos:

Idas de olla altamente sensatas: “South Park” es conocida popularmente por su humor bruto, lleno de tacos, violencia y (supuesta) falta de respeto hacia personajes y colectivos, pero eso solo es una fachada a la verdadera esencia de la serie. Detrás de todas las “atrocidades” que ocurren en cada capítulo, Parker y Stone consiguen extraer una moraleja de una lucidez descomunal, de lo más sensato que se puede ver en televisión. No tengo la menor duda de que siguiendo la filosofía southparkiana, el mundo sería mucho, mucho mejor. El caso de las viñetas de Mahoma, la polarización radical Obama/McCain, la obsesión consumista hacia ciertos productos, la doble moral de Disney, la incomodidad post 11-S en los aeropuertos, la transexualidad… todo esto y mucho más se analiza en la serie con un rigor que ya quisieran muchos programas de actualidad serios.

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Rabiosa actualidad: Desconozco la mecánica de trabajo practicada por los responsables de “South Park”, pero solo la puedo calificar de impresionante en cuanto a velocidad de respuesta a la actualidad. Son capaces de reaccionar ante eventos ocurridos tan solo un día antes de la emisión del capítulo. Consiguen dar a una producción animada la inmediatez de una viñeta de prensa, y eso no es nada fácil. Por ello, “South Park” siempre estará al pie del cañón, exponiendo su lúcida versión de la realidad tan rápido como lo puede hacer cualquier medio de comunicación de su misma periodicidad.

Filosofía Blockbuster: Si uno es fan de los blockbusters cinematográficos, su serie es “South Park”. Un buen número de sus episodios son auténticas joyas del género condensadas en 20 minutos. Parker y Stone comprenden a la perfección los mecanismos de esas películas revientataquillas y los utilizan para dar salida a sus delirantes argumentos. Así, convirtieron la elección de Obama en un elaborado plan a-la “Ocean’s 11” para robar un superdiamante, a la PSP en un instrumento puesto en la Tierra por los dioses para elegir al nuevo mesías o a “Grandes Esperanzas” de Dickens en un relato de ciencia ficción con ingeniería genética de por medio.

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Surrealismo desbocado: En los últimos tiempos, el adjetivo “surrealista” ha sido utilizado indiscriminadamente para designar a productos de la cultura pop que no merecían tal calificativo en absoluto. Se habla de surrealismo en los productos Pixar, en “Los Simpson”, o en (válgame Dios) “Friends”, pero en “South Park” podemos encontrarlo en su forma más pura: Kenny muriendo en cada episodio, la imaginación destruida por misiles, las multitudes huyendo despavoridas del Cambio Climático… lo concreto se convierte en abstracto, lo abstracto en concreto, la continuidad narrativa espacio-temporal desaparece, y lo fantástico irrumpe repentinamente sin llamar demasiado la atención de los personajes. Sin embargo, todo parece tener sentido, porque todo se mueve en la lógica de la metáfora, construyendo una realidad más real que la realidad misma. Superrealidad. Surrealismo.

South Park Forever !!!: Pasan las temporadas, ya van 14, con muchos episodios brillantes y otros no tan brillantes, pero nunca bajando el nivel, sino que mejorando con el paso de los años. Esa serie que se hizo popular por su humor basto, y precisamente por ello muchos nos la imaginábamos como flor de un día, se acabó convirtiendo en la que mejor resistió el paso del tiempo… Porque incluso “Los Simpson” en su temporada 14 ya era una serie zombie. Ojalá que dure muchos años más a ese nivel, y que cuando acabe no sea por baja audiencia, sino (al estilo Gran Wyoming) porque toque alguna fibra suficientemente sensible a alguien suficientemente poderoso como para acabar con ella, dando así un final digno y mítico a uno de los mejores productos audiovisuales de la historia de la cultura pop.

Top30 (XXIV): La Pianista

David — Wed, 22 Sep 2010 14:43:18 +0000

Es curiosa la forma en que la figura de Michael Haneke está siendo cuestionada en los últimos tiempos. Lo digo porque ahora es criticado por la misma razón que otrora era alabado: por su crítica feroz hacia la clase acomodada europea. Ahora resulta que su discurso es paternalista, intelectualoide, patatín patatán. Yo, ni caso. Toda su filmografía, a excepción de la aburguesada “La Cinta Blanca” me parece una pasada, y, aunque la primera película suya que degusté fue “Código Desconocido”, la que me atrapó de verdad fue “La Pianista”. Por supuesto, a partir de su visionado, poco a poco e Internet mediante, recuperé sus obras anteriores.

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Erika, la profesora de piano protagonista del film, es una representación (en versión extrema, eso si) del modelo social predominante en el “primer mundo”: el individuo amargado. Ése cuyas aspiraciones se vieron truncadas por la dura realidad y sufre por ostentar una situación económica, social y/o cultural muy diferente a lo que tenía planeado para si mismo. Esta carga de pura frustración será escupida en el día a día sobre el resto de sus congéneres, lo que ayudará a generar más frustración, en un círculo vicioso de degradación social interminable.

Erika desearía haber llegado más lejos en su carrera como pianista, pero se tiene que conformar con ser profesora, enseñando a jóvenes que odia con toda su alma, pues pueden alcanzar las metas que a ella le han sido negadas. Vive con su también amargada madre, en una espiral de realimentación autodestructiva devastadora para ambas. Sus pulsiones masoquistas acaban en heridas cada vez más peligrosas… Pero a Erika le sale un salvador, Walter, un hombre mucho más joven que ella, de mente abierta y éxito en la vida. Walter se siente atraído por Erika y desea rescatarla del pozo vital en el que se encuentra… pero la pianista es un hueso duro de roer, y al final es Walter quien manifiesta su monstruo interior, una personalidad realmente terrorífica que viene a decirnos que ser bueno y bienintencionado es fácil cuando tenemos el camino despejado, pero en el momento que surgen los problemas, las personas sacan su verdadera cara.

Ni que decir tiene que la película no sería la misma sin su actriz principal, una soberbia Isabelle Huppert capaz de componer un personaje frío y estoico de los que marcan época. Comentar también que la escritora de la novela en la que se basa el film, la austríaca Elfriede Jelinek, recibió el Nobel de literatura unos años después. Desde entonces las librerías españolas se llenaron de sus (antes inéditas) obras. Lo intenté con alguna, pero su prosa excesivamente recargada no es lo mío, y queda muy lejos de la (mucho más de mi gusto) narrativa minimalista de Haneke.

Top30 (XXIII): Los Soprano

David — Thu, 26 Aug 2010 17:59:25 +0000

Se dice que con “Los Soprano” comenzó la era dorada de las series de TV en EEUU. Su valiosísima combinación calidad/popularidad hizo posible que las cadenas se atrevieran a ir un poco “más allá” con sus productos. “Six Feet Under”, “The Wire”, “Deadwood”,”Sons of Anarchy” y tantas otras deben en parte su existencia al camino abierto por esta obra magna creada por David Chase.

No voy a enumerar aquí las excelencias de la serie porque ya lo hice anteriormente en dos post (parte 1, parte 2) a los que les remito. Solo decir que, a falta de visionar aún mucho (supuesto) buen material, sólo he encontrado una serie que realmente pueda poner a la altura de la que nos ocupa, la magnífica “Mad Men”, a la que recomiendo echen un ojo.

Top30 (XXII): La Caída

David — Fri, 23 Jul 2010 12:49:09 +0000

No sé ustedes, pero en lo que a mí respecta, una vez introducido en el mundo laboral me di cuenta que ciertas “prácticas intelectuales” solo son posibles disponiendo de ingentes cantidades de tiempo libre… o sea, haciendo vida de estudiante.

En ese saco metería sin duda mi obsesión por el Existencialismo ocurrida a principios de los dosmiles. Leí un buen montón de novelas, obras de teatro y ensayos pertenecientes a esta corriente filosófica. Ahora, visto con perspectiva, puedo decir que todo lo que realmente me interesa del tema está contenido en una novela: “La Caída” de Albert Camus.

Se dice que Camus fue un excelente novelista, pero un filósofo bastante limitado. Soy de los que pienso que sí era un buen filósofo, pero que expresaba mejor sus ideas sobre una novela que en forma de ensayo, cosa que los puristas de “lo teórico” miran con cierto desdén. Las ficciones son más adecuadas para plantear interrogantes sin respuesta clara, o con respuesta ambigua, y en esos terrenos Camus se mueve como pez en el agua. Precisamente en “La Caída” desarrolla, entre otros, un tema clave del pensamiento existencialista: el juicio de “el otro” sobre uno mismo. Este asunto se asocia habitualmente a su colega Jean Paul Sartre, pero en lo que a mi respecta saqué más en limpio de esta novelita que de los tostones sartreanos.

La cosa va de un abogado bienhechor, enchido de satisfacción por su propia bondad y el respeto y admiración que inspira en sus amigos y conocidos. Una fría noche paseando al borde del Sena, le parece escuchar un grito proveniente de un puente. No ve a nadie, pero sospecha que alguien podría haber caído al agua. Para evitar el dilema moral de acudir o no al rescate, que implicaría un gélido y peligroso chapuzón, se hace el tonto y sigue andando sin comprobar nada. En los días posteriores, el (secreto) suceso comienza a obsesionarle cambiando su percepción de la realidad: a lo mejor no era tan querido, ni tan bueno, ni tan poco egoísta, y a lo mejor sus amigos no eran tan amigos… Infierno psicológico montado, con reflexiones tan ambiguas que el lector ha de sacar sus propias conclusiones acerca de la situación.

Respecto al dilema inicial del rescate, yo tengo una respuesta clara, y es la misma que da el personaje de Woody Allen en “Manhattan”:

[Para ver el video debes ir al post original]

–

Actualización/Corrección: Tras echarle una ojeada a la novela caigo en la cuenta de que el suceso del puente difiere un poco a como yo lo cuento, el narrador/protagonista no oye un grito sino “una risa que se alejaba” y que “solo podía venir de abajo”… osease, que el teórico accidentado podría ser un suicida. En fin, hace casi una década (ya?!) que leí el libro y mi memoria no es perfecta.

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The Invisibles
Cosecha Cinematográfica del 99

Top30 (XXI): Cosecha Cinematográfica del 99

David — Fri, 25 Jun 2010 23:02:21 +0000

Tercera vez que hago trampa con el Top 30. En las reglas de esta mi trayectoria biosubcultural en formato lista indiqué que cada puesto estaría ocupado por una sola obra. Cuando barajé las opciones para la entrega 21, que sería una peli, me di cuenta que muchas de las candidatas fueron estrenadas en el 99. Pues ya está, rompo la norma y las meto juntitas bajo el epígrafe que ven arriba.

Lo cierto es que 1999 fue un excelente año para la cultura pop. Sería que se acercaba el cambio de milenio, y tanto creadores como industria forzaron un poco sus límites para ofrecer productos acorde con los apasionantes nuevos tiempos que llegaban. Por supuesto, al final la revolución se quedó en nada, y de hecho los primeros dosmiles fueron bastante mediocres… Bueno no me enrollo y vamos al grano:

Matrix
Muchos reniegan ahora de esta peli, pero lo cierto es que en su día TODOS la vimos y TODOS flipamos. Que nadie se lleve a engaños, la obra maestra de los Wachowski fue realmente revolucionaria en muchísimos aspectos: Trasladó con éxito los mejores recursos del anime a la imagen real, marcó un antes y un después en el uso de los ordenadores para el desarrollo de efectos visuales, introdujo elementos hard sci-fi en un contexto de cine comercial y aún así fue un exitazo, combinó a Platón y Descartes con hostias y robots sin que el conjunto chirriara lo más mínimo, reivindicó sus influencias geek elevándolas al mainstream (¿eso fue bueno o malo?)… y no sigo porque no acabo.

eXistenZ
La de Cronenberg tuvo la mala suerte de ser comparada con “Matrix” por compartir ambas el tema de las realidades virtuales, aunque realmente muy poco tuvieran que ver la una con la otra. Para mí, como fan del director canadiense, la película supuso dos hitos: poder ver por primera vez una película suya en pantalla grande, y la vuelta (en plena forma) a sus orígenes más fantastic tras la batería de (excelentísimas) adaptaciones de material ajeno que lo mantuvieron ocupado los tres lustros anteriores. Una revisión del imaginario y obsesiones de sus inicios como director con el valor añadido de la experiencia acumulada. Pena que desde aquellas no se volviera a atrever con otro guión basado en una historia de creación propia. Aún no doy la cosa por perdida.

El Club de la Lucha
Cuando salí del cine tras verla, pensé dos cosas. 1: “El Club de la Lucha” se convertirá en “La Naranja Mecánica” de nuestra generación. 2: Muy bien lo va a tener que hacer David Fincher en el futuro para que esta no sea la película por la que será recordado por los siglos de los siglos. Creo que acerté en ambos casos, y que nadie me diga “pues a mí me gustó más Zodiac” porque no me lo trago. El catálogo Ikea transformado en recurso narrativo, un antisistema que no renuncia a vestir cool (bueno, eso ya pasaba en Invisibles), gaytosterona a raudales, la Fox produciendo un film de presupuesto millonario lleno de “ideas peligrosas”: No lo duden, la etiqueta “post-todo” nació con esta película. Aunque últimamente lo tengo abandonado por repetitivo, desde aquellas Palahniuk se convirtió en un fijo de mis consumos literarios.

Eyes Wide Shut
Otra primera (y lamentablemente, también última) vez en pantalla grande para uno de mis ídolos cinematográficos, nadie menos que Stanley Kubrick. Una película discutible en ciertos aspectos y brillantísima en muchos otros. Lo mejor de todo, el carácter de ensoñación que consiguió imprimir el director neoyorkino a lo largo de todo el metraje. Un broche de oro para la carrera de un creador genial.

Cómo ser John Malkovich
Ésta se estrenó en España en 2000, pero a finales del 99 en los States, así que la meto también en el pack. ¿Que quieren que les diga sobre ella? Supuso la entrada con honores de Spike Jonze y Charlie Kaufman en el 9º Arte, y demostró que los realizadores de videoclips podían pasarse al largo con una amplitud de miras más allá de Michael Bay y otros popes del montaje frenético y el movimiento de cámara desquiciado. Tirando del hilo, descubrí a otras grandes figuras del videoclip, como Chris Cunnigham, Michel Gondry, Mark Romanek… Por cierto, sobre el subterráneo debate Jonze/Gondry, mi veredicto es que Gondry gana en formato corto y Jonze en largo. Además este último fue capaz de mantener el tipo sin Kaufman al guión.

Top30 (XX): The Invisibles

David — Mon, 31 May 2010 21:32:49 +0000

“Todas las fantasías paranoides, todas las teorías de la conspiración, todos los supuestos encubrimientos y engaños del gobierno, todas las historias de los diarios sensacionalistas que hayas oído…

TODO ES CIERTO”

Las líneas de arriba fueron utilizadas para publicitar la serie de cómic “The Invisibles”, escrita e ideada por Grant Morrison y editada por Vertigo (DC) entre 1994 y 2000. Con semejante premisa y tales fechas de publicación, a más de uno le vendrá a la cabeza otra mítica ficción conspiranoica: “Expediente X”. Pues bien, pese a ser coetáneas, la de Morrison parece una evolución a 200 años vista de lo ofrecido por Chris Carter. Tanto es así, que casi diez años después de su finalización, y pese a talentos emergentes del siglo XXI que trabajan “el mismo palo” , como los Wachowsky, J. J. Abrams y cia., Warren Ellis o (por qué no) Naoki Urasawa, “The Invisibles” aún no ha encontrado rival en cuanto a complejidad estructural y como summun de lo paranoide.

El argumento base de la serie mezcla la realidad contemporánea y la ficción más alucinada de manera escalofriante: Estamos siendo esclavizados y no nos damos cuenta. El mundo se está convirtiendo en un gigantesco pasto de 6000 millones de ovejas y ni siquiera somos conscientes de nuestra condición. Los poderes fácticos deciden sutilmente lo que podemos o no podemos hacer, lo que podemos y no podemos pensar. La “mano dura” de antaño ha sido sustituida por estrategias de control publicitario, cultura mainstream de encefalograma plano, adicción al consumo e implementación del pensamiento único. Lo que muy pocos saben es que esto es solo el principio. En 2012 se establecerá el cambio de paradigma definitivo: Un renacimiento del Universo que conducirá al estado de libertad absoluta o esclavitud total. Está claro quienes son los que van ganando. Pero ahí están nuestros héroes, los Invisibles, una comunidad ultrasecreta compuesta por pequeñas células terroristas, que tratarán de derrocar al “Sistema” antes de que sea demasiado tarde y los Archons, aliens lovecraftianos de otra dimensión, asuman el CONTROL (así en mayúsculas).

Como ven, no bromeaba con lo de summun de lo paranoide. Si a esa base argumental le añadimos todo tipo de conceptos provenientes tanto del ocultismo (vudú, animismo, paganismo…), como de la ciencia de vanguardia (dimensiones adicionales, viajes en el tiempo, drogas hi-tech, semántica de control mental…), nos queda un artefacto de ficción realmente único y que se extiende más allá de los 66 cuadernillos en los que está contenido. Un monumento posmoderno que adquiere identidad (y vida) propia pese a sus ilustres referentes: Nada menos que Lewis Carroll, Franz Kafka, H.P. Lovecraft, Philip K. Dick, William S. Burrowghs, Michael Moorcock, Timothy Leary… y tantos otros que seguramente se me hayan pasado por desconocimiento.

Pero dejemos los “conceptos molones” y pasemos a los “personajes molones”. Los Invisibles están lejos de la imagen de freedom fighters a la que estamos acostumbrados: hay desde una bruja travesti hasta un escritor reconvertido a super-asesino (King Mob, alter ego del propio Morrison), pasando por un multimillonario abducido por alienígenas cuando era niño. El “elegido” de turno es un gamberro de suburbio al que le parece igual de divertido robar un coche para dar un paseo como lanzar un cóctel molotov a la biblioteca pública. Nuestros héroes toman peyote para alterar sus conciencias y ver “más allá”, pero también éxtasis para disfrutar a tope la rave de turno.

Este aliento hedonista-glamuroso-revolucionario fue reflejado mejor que nadie por el dibujante Phil Jimenez, uno de los tantos, que con mayor o menor fortuna pasaron por la serie. Quizá la irregularidad gráfica sea el mayor defecto que se le pueda achacar a ésta. No se puede decir lo mismo de las portadas, la mayoría de ellas realizadas por un Brian Bolland en estado de gracia.

Aunque tenía conocimiento de la existencia de la serie desde que se empezó a publicar, no me enganché a ella hasta el 98 más o menos, cuando conseguí unos cuantos ejemplares en inglés. Recuperé el tiempo perdido a base de pedir tomos recopilatorios vía Previews, y ya me ven, un fanático más de Morrison y sus idas de olla (si revisan este blog, su nombre aparece unas cuantas veces). Para mí fue uno de esos productos-fuente que me llevaron a otros materiales de gran interés, ya no solo en el terreno de la ficción, sino también en el de la “teoría del control mental” y otras subversividades, donde llegué a una conclusión muy clara: El gran problema (o no) que tenemos ahora es que sí, somos esclavos, pero esclavos que no desean ser liberados.

Top30 (XIX): Carretera Perdida

David — Wed, 05 May 2010 13:04:17 +0000

A nivel de popularidad, 2001 fue un buen año para David Lynch. “Mulholland Drive”, ese piloto de TV rechazado por la ABC, retocado con fondos franceses y reconvertido a película lo puso en el candelero como no estaba desde los ya lejanos tiempos de Twin Peaks. Hasta una nominación al Oscar le concedieron.

Lo que casi nadie sabía (ni sabe) es que “Mulholland Drive” es realmente una nueva versión (o autoplagio, poniéndose malvados) de su anterior película, la bastante desconocida entonces “Carretera Perdida”. La alucinada estructura de ambas, que bascula entre la abstacción y el onirismo, esconde el mismo concepto clave: Una persona que intenta fugarse de su realidad para acabar dándose de narices de nuevo con ella.

[Para ver el video debes ir al post original]

“Carretera Perdida” fue mi vía de entrada al Universo Lynch. El film no me pareció fácil en absoluto, vamos, que a la primera no me enteré de nada. Recuerdo haberla visto en el salón de la residencia de estudiantes en la que vivía, lleno a barrote. El público fue cayendo hasta que solo quedamos cuatro o cinco al finalizar la sesión. Acto seguido rebobinamos el VHS y vuelta a empezar. Fue la segunda de muchas veces más en días posteriores. Demostrado: A Lynch lo amas o pasas de él como de la mierda.

Para el recuerdo queda la frase “Dick Laurent está muerto”, la casa ardiendo “al revés”, los coitus interruptus, las cintas de video, la aparición estelar de Marilyn Manson, la banda sonora de Bowie, Trent Reznor, Barry Adamson el propio Manson y los entonces cuasi-desconocidos Rammstein… Pero si me tengo que quedar con algo es con el muy pasado de rosca primer encuentro entre Fred y el “Hombre Misterioso”, que se le aparecía de vez en cuando para ponerle los pies en la tierra:

[Para ver el video debes ir al post original]

Semejante obsesión con una peli resulta desproporcionada desde mi actual punto de vista acerca del “consumo cultural”. Pero no me arrepiento, porque gracias a ella descubrí un montón de “otro cine” fuera de los parámetros más o menos mainstream en los que me movía. Realmente marcó mi vida, al menos cinematográficamente hablando.

Cuando el grupito de lynchófilos analizábamos la película como posesos, nos comíamos el coco separando lo que era real y lo que fantasía del prota. Con los años comprendí mejor la naturaleza de este tipo de films, que hay que concebir como experiencias audiovisuales al margen de las narrativas convencionales y donde se debe dejar trabajar al inconsciente y la intuición. Vistos así son los más sencillos del mundo.

En fin, en los doce años posteriores he visto películas igual de buenas o mejores, pero sé que nunca disfrutaré de ninguna con tanta intensidad como lo hice con “Carretera Perdida”.

Top30 (XVIII): Ænima

David — Sat, 30 Jan 2010 11:20:41 +0000

Tras una época de flipe con la música electrónica (ver episodio XV), entré en mi fase guitarrera. Como no, fue a través de los brillantes Led Zeppelin, que sirvieron de puente a otras bandas antiguas y modernas como Allman Brothers, Jeff Beck, Incubus, Skid Row, Jane’s Addiction (very good) o (horror!) Marilyn Manson. Pero entre todos esos descubrimientos (a través de recomendaciones de amigos), hubo dos que me marcaron especialmente: Nine Inch Nails con su “Downward Spiral”, y el que nos ocupa, “Ænima” de Tool.

Aquellos eran años emocionantes para el Metal. El agotamiento de las bandas “clásicas” dio lugar a un nuevo movimiento “bastardo” que introducía sin complejos elementos Rap y Hip-Hop entre tanto delirio guitarrero. Hablo como no del Nu-Metal. Los Tool, alejados tanto de la vertiente clásica como de la tendencia “Nu”, brillaban con luz propia con su metal oscuro, (muy muy) pesado y vocalmente perturbador. Si a ello le añadimos el cuidadísimo aspecto visual de las carátulas de sus álbumes y unos alucinantes videoclips a juego (casi todos creados mediante la técnica stop motion), nos damos cuenta de que hablamos de una banda fuera de lo común.

Pero el descubrimiento de Tool tuvo para mi una importancia adicional en cuanto a que me sirvió de puente al mundo del Rock Progresivo. Resulta que la banda se adscribía a la etiqueta de Metal Progresivo, una subsección de ese amplísimo meta-género. En una de sus giras, los californianos llevaron como invitados a los míticos King Crimson, cuyo LP “In the Court of King Crimson” es considerado el primero del género prog. Me picó el gusanillo, pedí prestados los discos a Diego, y a partir de ahí entro en una nueva fase musical, dominada por este tipo de música: Emerson, Lake & Palmer, Magma, Yes, Pink Floyd, Jethro Tull, Gentle Giant, Beggar’s Opera, Los Canarios y muchos otros de los que ya no me acuerdo sonaron horas y horas en mi reproductor de CDs.

Por supuesto, también en esa época descubrí el sub-género prog que ahora es mi preferido, el Krautrock. Pero eso es otra historia que queda reservada para más adelante.

Anteriormente en Top30:

Top30 (XVII): La Casta de los Metabarones

David — Thu, 17 Dec 2009 10:19:00 +0000

Mi primer contacto con la obra (y filosofías) de Alejandro Jodorowsky fue a través de “El Incal”, la mitiquísima serie que cocreó con el no menos mítico Moebius. Como todo dios, flipé con el dibujo, pero caro me costó leerlo por culpa de su carácter empalagosamente mesiánico y New Age.

En cuanto a Juan Giménez, siempre me encantaron sus universos de ciencia ficción. Conseguí reunir todos sus álbumes editados por Toutain, pero tampoco en este caso las historias estaban en general a la altura de semejante excelencia gráfica.

Pero cuando estos dos autores cruzaron sus caminos, dieron a luz una obra excepcional en todos los sentidos, “La Casta de los Metabarones”. En ella, Jodorowsky deja de lado su vena “iluminada” para abordar un asunto mucho más terrenal, pero no por ello menos épico: La familia. El chileno concibe el árbol genealógico como un mapa de la mente del individuo, de él heredamos no solo los genes, sino que también una serie de rasgos psicológicos, muchas veces adquiridos de manera inconsciente que condicionan nuestra forma de ser más allá de lo que en principio podemos imaginar, hasta tal punto que ciertos problemas y complejos “enterrados” en el fondo de la conciencia pueden transmitirse de generación en generación, aún cuando el portador original de la “tara” haya dejado de existir.

Jodorowsky nos intenta explicar todo esto como mejor sabe, llevándolo al terreno del mito. Así, en los 8 capítulos que forman la serie nos cuenta la historia de cuatro generaciones de super-gerreros galácticos, donde el adjetivo “épico” se queda corto. A través de la estirpe fundada por Othon (el tatarabuelo) descubrimos como llegó a ser quien es el Metabaron (ya visto en “El Incal”), el guerrero más poderoso de la galaxia, que ha tomado la firme decisión de no engendrar jamás un descendiente: Complejos de Edipo, mutilaciones iniciáticas, psicodramas shakesperianos, cirugías cibernéticas, monjas-puta, universos en desintegración, partos imposibles… En esta serie no hay restricciones para lo mítico y lo épico. La capacidad fabuladora de Jodo es tal que cada vez que terminaba de leer un tomo quedaba mordiéndome las uñas con sus imposibles “continuará…” y maldiciendo la espera por el siguiente capítulo.

En la parte gráfica, Giménez por fin ponía su poderío visual al servicio de una historia digna de su trazo. Él solito funda todo un universo lleno de exóticas culturas, tecnología y extrañas especies alienígenas, sin titubear a la hora de poner en imágenes las alucinadas escenas de los guiones. Una mención especial merecen las portadas, cada una con el retrato del miembro de la familia al que se dedica el tomo, en un evidente homenaje a Rembrandt.

Un grandísimo tebeo que a todos recomiendo en esta época regalera, más teniendo en cuenta que Mondadori puso en circulación desde hace un tiempo un recopilatorio con toda la serie, en tamaño reducido y sin las cubiertas originales eso si, pero dando la posibilidad de leer la absorbente gesta metabarónica de un tirón.

Top30 (XVI): Brut Comix

David — Thu, 19 Nov 2009 10:57:01 +0000

En estos tiempos de “Novela Gráfica” resulta paradójico pensar que a mediados de los noventa la grapa fuese considerada como la gran esperanza del tebeo en España. Eran tiempos de crisis para la historieta (¿cuándo no?), y en las editoriales pensaron que el formato comic-book (cuadernillo) , más allá de dar soporte a aventuras de superhéroes, podía servir para dar salida a otro tipo de material más exótico de manera económica a la vez que rentable. Editoriales grandes y pequeñas recurrieron a este modelo para dar a conocer nuevos talentos patrios (muchos de ellos se ganan ahora la vida en los mercados americano y francobelga), reeditar obras de calidad difíciles de conseguir en sus ediciones originales o arriesgar con material extranjero poco conocido por estos lares.

En este panorama destacó sobre las demás iniciativas el mítico sello “Brut Comix” de la editorial La Cúpula. Esta colección de tebeos de grapa en blanco y negro y con tapas de cartón predicó la “filosofía underground” cultivada por la revista “El Víbora” desde hacía ya varios lustros. Por un lado sirvió para sacar nuevo material de autores americanos conocidos aquí gracias a la revista como los Bros. Hernandez (“Locas”, “Rio Veneno”), Charles Burns (“Big Baby”, “Burn Again”, “Black Hole”) o Robert Crumb (“Art & Beauty”) pero también para promocionar nuevos valores transatlánticos como Daniel Clowes, con su impactante “Como un guante de seda forjado en hierro”, Peter Bagge (“Mundo Idiota”) o Chester Brown (“El Playboy”).

Como no, en el sello tampoco faltaron autores patrios. Lo más destacado en ese aspecto quizá fuese “Brian the Brain” de Miguel Ángel Martín, donde suavizó (un poco) su (extremísimo) discurso para contarnos las andanzas de un niño mutante en un futuro que visto ahora es casi ya presente. Tampoco estuvo mal el hiper-angustioso “El Resentido” de Juaco Vizuete, un autor que por desgracia no se prodigó demasiado posteriormente.

Otro gran aporte de los Bruts fue el traer material europeo externo al “Universo Album Francobelga”. Impactado quedé con las escalofriantes historias mudas del suizo Thomas Ott o con los pasajes de la América bizarra narrados por Mezzo y Pirus.

En lo que a mi respecta, descubrí a la mayoría de autores comentados en este post gracias a estos baratos cuadernillos, una compra obligada en cada visita a la librería especializada. Ni que decir tiene que mi cultura tebeística aumentó enormemente con estas lecturas.

Top30 (XV): Wipeout

David — Thu, 22 Oct 2009 08:43:09 +0000

Que el lanzamiento de la Playstation supuso un antes y un después en la historia de los videojuegos es algo que nadie duda. A nivel tecnológico fue la primera vez que el usuario doméstico podía disfrutar de juegos 3D con un nivel gráfico similar al de las recreativas más avanzadas, pero a nivel cultural la revolución fue todavía mayor: Sony se las apañó para convertir a los videojuegos en algo extremadamente cool. En poco tiempo desapareció la creencia popular de que eran “cosa de niños” para invadir sin complejos nuevas franjas demográficas. Marketing aparte, una serie de títulos resultaron fundamentales a la hora de forjar esta nueva Gaming Culture, y entre ellos, “Wipeout” de Psygnosis, tuvo un papel muy destacado.

Ya en la elaboración de varios juegos de la era pre-PS se había recurrido a fuerzas creativas externas al mundillo (un buen ejemplo sería el de Darkseed, visto en una anterior entrega de Top30), pero los de Leeds llevaron esta filosofía al límite para capturar el espíritu del momento. La música electrónica bailable de calidad empezaba a emerger al mainstream gracias a formaciones como Chemical Brothers o The Prodigy, y los creativos de Psygnosis decidieron asociar el juego de velocidad futurista a esa tendencia, que más allá de lo musical, se internaba también en el mundo de la moda y el diseño gráfico. Así, la banda sonora de Cold Storage (el músico de la casa) se reforzó con temas de algunos grupos punteros de la escena, y en el apartado visual se contrató al mítico estudio The Designers Republic que estaba marcando época con sus trabajos para el sello Warp y la banda Pop Will Eat Itself.

Estos elementos combinados con la adrenalínica experiencia de juego convirtieron a “Wipeout” en algo único y a imitar, hasta el punto de que no solo se hizo normal recurrir a la industria musical para componer el apartado sonoro de los juegos, sino que ahora muchas bandas deben su éxito a la presencia de alguno de sus temas en una franquicia potente. Pura sinergia positiva para todos los implicados. Por mi parte, gracias a este juego descubrí que la música electrónica era algo mas que los horteras recopilatorios tipo “Máquina Total” o “Bolero Mix”, y hoy en día (tras unos años de abandono) supone alrededor del 70% de mi consumo musical.

“Wipeout” es ahora una franquicia fiel a su filosofía inicial, y que entrega a entrega ha refinado su estilo hasta niveles de excelencia estratosféricos. Si en la primera parte solo se incluían tres temas de “artistas destacados”, las siguientes van sobradas de grandes nombres de la escena, formando bandas sonoras de lujo, todas ellas comercializadas también en formato CD.

Banda sonora del post:

Chemical Brothers – “Chemical Beats” (de “Wipeout”)

Future Sound of London – “We have explosive” (de “Wipeout 2097”)

Paul Van Dyk – “Avenue” (de “Wipeout 3”)

Aphex Twin – “Fenix Funk 5” (de “Wipeout Pulse”)

Top30 (XIV): Pulp Fiction

David — Wed, 30 Sep 2009 10:05:33 +0000

Aprovechando que Tarantino está de actualidad con “Malditos Bastardos” retomo el (abandonadísimo) proyecto Top30 con la peli que le dio fama mundial y que todo aquel mínimamente interesado en la cultura pop debería haber visto. Me refiero, como no, a “Pulp Fiction” (PF).

De hecho, puedo asegurar que todo aquel que lea este post ha visto ya el film que nos ocupa, y tiene sus propias opiniones acerca del mismo (probablemente buenas). Para no aburrir con la enésima reseña de la peli, voy aportar un par de impresiones sobre el fenómeno:

1. Uno de los clichés conversacionales acerca de PF es eso de “pues a mi me gusta más ‘Reservoir Dogs’” (RD). Discrepo. PF le da mil vueltas a su predecesora, a la que no niego su valor a la hora de introducir a Tarantino en el show business. Pienso que la famosa coletilla se debe, más que nada, a las circunstancias de un periodo de tiempo en plena fiebre tarantiniana en el que era bastante difícil hacerse con una copia de RD. Haberla visto daba cierto estatus, y ya que pertenecías al “club” ¿Por qué no soltar que era mejor que la que ya había visto todo el mundo?

2. A 15 años de su estreno, he de admitir que el tiempo ha perjudicado un poquito a PF, y por cuestiones ajenas a la propia peli. Le pasó un poco lo que a “Watchmen” y “Batman: The Dark Knight Returns” en el mundo del cómic: Su estilo fue malcopiado hasta la saciedad, provocando esto el rechazo sobre algunos de sus recursos por manídos. Tarantino ha salido muy bien del paso, aportando nuevos enfoques a su manera de hacer cine en sus siguientes pelis, pero PF ha quedado tocada. A día de hoy, ya no me parece el peliculón de antes, pero estoy seguro que de haberse estrenado este año en lugar de en 1994, sin el lastre de haber marcado tendencia, me causaría el mismo o incluso mayor impacto que en 1995, cuando la vi en vídeo por primera vez.

Top30 (XIII): 12 Monos

David — Tue, 05 May 2009 19:26:15 +0000

Pese a lo que pueda aparentar, no siempre fui un cinéfilo compulsivo. Hasta los 16 (aprox.) mi dieta cinematográfica estaba compuesta principalmente por superproducciones de acción y/o ciencia ficción, y alguna que otra comedia más o menos cáustica. A partir del 95 la cosa fue cambiando progresivamente, y “12 Monos” tuvo parte de la culpa.

Cuando vi el reportaje sobre la peli en "Cartelera TVE”, lo primero que se me pasó por la cabeza fue que aquello era 100% Bilal: un post-apocalipsis cercano, ambientes mugrientos, jirafas y elefantes trotando libremente por la gran ciudad… había que verla. El film superó con creces mis expectativas. Además de sus bondades a nivel visual, los dos ejes argumentales en los que se fundamentaba la historia gozaban de una complejidad que hasta el momento solo había visto en cómics y novelas.

Por un lado teníamos una historia de viajes temporales basada en espaciotiempo invariable, como las de “Terminator” (la 1), “Next Men” o ¿”Lost”?. Un precioso bucle temporal al que no se le puede achacar un solo error, que ya es decir, y en el que la planificación argumental milimétrica y el lirismo se dan la mano de manera fascinante.

Por otra parte, Terry Gilliam pone toda la carne en el asador para que el espectador se introduzca de lleno en la psique de James Cole (Bruce Willis), el forzoso viajero del tiempo que llega al pasado para encontrar una cura para el virus que en su época había eliminado al 99% de la humanidad. Cole es encerrado en una institución mental, donde él mismo cuestionará su propia cordura. El director consigue transmitir al espectador la sensación de angustia y sufrimiento del protagonista, y por extensión nos permite comprender un poco mejor a todos aquellos que, a causa de una enfermedad mental, tienen que vivir torturados por sus divergentes visiones de la realidad.

Una de esas películas que, pese la mediocridad generalizada del panorama mainstream, demuestra que de los grandes estudios (en este caso, la Universal), también pueden salir auténticas joyas del 7º Arte.

Tráiler:

Top30 (XII): La fOntana y la sOnda

David — Tue, 14 Apr 2009 16:58:18 +0000

Seguramente que a lo largo de su vida (sub)cultural se han encontrado con alguna ficción en la que el contexto elaborado por el autor juega un papel fundamental en el desarrollo de la misma, y su importancia iguala o supera a otros elementos en teoría más relevantes, como el argumento o el desarrollo de personajes, a la hora de valorar la obra en conjunto. Probablemente, mientras leen esto les vendrá a la cabeza la más célebre representante de este tipo de ficciones: La trilogía de “El Señor de los Anillos”. Para contar su relato, Tolkien creó la Tierra Media, todo un mundo imaginario en el que no dejó ningún detalle al azar: geografía,, flora, fauna, cultura(s), historia… Una labor a todas luces impresionante que fascinó a millones de lectores de todos los rincones del planeta.

Personalmente, nunca me interesó demasiado el “Universo Tolkien”, así que mi primera aproximación a un mundo imaginario minuciosamente elaborado fue mediante el álbum de cómic “La fOntana y la sOnda” creación de François Bourgeon y Claude Lacroix. Estos autores imaginaron una futura civilización humana asentada en un planeta remoto, cuyo origen se remontaría a siglos atrás, cuando la Tierra comenzó a colonizar planetas compatibles con la vida. En este planeta, de nombre Olh, surge una extraña enfermedad mortal que se extiende a toda velocidad entre la población masculina, hasta el punto de acabar con la vida de Cobalto, heredero del régimen Olsimar, hermano de la caprichosa Cyann y novio de la arribista Nácara, las protagonistas de la historia.

Estas mujeres se verán enfrascadas en los preparativos del viaje al planeta ilO, donde creen puede estar el remedio a la enfermedad que amenaza con poner fin a su civilización. En el proceso se verán implicadas en una serie de intrigas político-conspiracionistas con los deO, comunidad portadora del conocimiento científico, rival de los Olsimar y sospechosamente inmune a las fiebres púrpuras.

Bourgeon ya había demostrado en el pasado su buen hacer a la hora de plasmar ambientes exóticos verosímiles y definir personajes femeninos con carisma. Si para sus series anteriores ("Los Pasajeros del Viento", "Los Compañeros del Crepúsculo"), se documentó a fondo acerca de las épocas en las que se desarrollaba la acción, en esta su primera aproximación a la ciencia ficción, recurrió a su amigo Claude Lacroix para componer un entorno ficticio de una complejidad inusitada: flora, fauna, vestidos, peinados, tradiciones, estructura social, tecnología… Todo perfectamente plasmado en unas planchas que son todo un festín para la vista.

Quince años después, con ya cuatro tomos y una "guía enciclopédica" publicados , Bourgeon y Lacroix siguen extendiendo su universo mas allá de Ohl e IlO sin mostrar síntomas de agotamiento. Que sigan por muchos años más.

Top30 (XI): Trilogía Nikopol

David — Sun, 15 Mar 2009 00:47:55 +0000

La última fila del aula de Dibujo del Instituto de Bacharelato de Melide tenía un valor añadido a su posición estratégica fuera del campo visual del profe: Justo detrás estaba situada una estantería llena de álbumes de cómic de la colección “Cimoc Extra Color”. Había un poco de todo, pero sin duda los más solicitados eran aquellos en los que aparecían féminas esculturales ligeritas de ropa.

Sin embargo, se daba el caso de que, precisamente el tebeo con mayor proporción de desnudos, era dejado de lado sistemáticamente por la chavalada. En él, una mujer de aspecto venenoso, de piel blanca y pelo azul tenía sucesivos encuentros sexuales con señores a los que luego mataba, sin tener ella misma muy claro el porqué. Todo ello en un mundo futuro lúgubre y decadente, lleno de suciedad, contaminación, bombas y apariciones fantasmales. Se trataba de “La Mujer Trampa”, segunda parte de la “Trilogía Nikopol”, obra del yugoslavo afincado en Francia Enki Bilal, que no mucho después se convertiría en uno de mis tebeos de cabecera.

La primera parte “La Feria de los Inmortales” (1980) supuso la puesta de largo de Bilal como autor completo, tras sus fructíferas colaboraciones con Pierre Christin. Allí desplegó una delirante trama de ciencia ficción, en la que una pirámide voladora llena de dioses egipcios se detenía sobre un Paris de 2023 doblegado por un régimen fascista. Mientras Anubis demanda al gobierno una ingente cantidad de combustible para continuar su viaje, Horus, el dios rebelde escapa de su encierro para mezclarse con los humanos. Allí se encuentra con Alcide Nikopol un preso condenado a la criogenización recién despertado tras 20 años de letargo. Horus se apropia del cuerpo de Nikopol y juntos (a disgusto del segundo), exploran un mundo que les es ajeno, a la vez que huyen de sus perseguidores.

Como les decía, delirante, pero ese contexto surrealista le funciona de maravilla al autor para desarrollar un discurso acerca del estado del mundo centrado en cuatro aspectos a los que recurrirá obsesivamente en sus siguientes obras: control, estado, religión y memoria.

Precisamente la memoria será el tema predominante de “La Mujer Trampa” (1986). Su protagonista, la periodista Jill Bioskop se ve condenada a revivir una y otra vez sus miserias, precisamente por su falta de valor a la hora de conservar sus recuerdos, eliminados con la ayuda de un extraño y destructivo fármaco. Esta situación cambia cuando su camino se cruza con el binomio Nikopol/Horus, formando uno los bizarre love triangles más célebres de la historia del cómic.

En la última entrega, “Frio Ecuador” (1992), el autor da sentencia final a los destinos de todos los personajes de paso que ofrece sus impresiones acerca del nuevo estado del mundo (post Muro de Berlin), en el que las ideologías y creencias religiosas son sustituidas por los mass media y la cultura del espectáculo como fuerzas motrices del modo de pensar del hombre contemporáneo.

Aunque las historias tienen su enjundia, el verdadero punto fuerte de estas obras es el magnífico dibujo de Bilal, capaz de introducir al lector en universos que son un reflejo del estado mental de este nuestro mundo “real”. Hace unos cuatro años, el propio Bilal se encargo de realizar la adaptación cinematográfica de la trilogía de título “Immortel (Ad Vitam)”, con resultados bastante discretos (siendo benévolos), demostrando la importancia del dibujo a la hora de dar “verosimilitud” a semejantes argumentos.

El tiempo pasa y los gustos evolucionan, pero estos tebeos me siguen pareciendo tan interesantes como hace 15 años.

Anteriormente en Top30:
Intro (qué es Top30)
Ulises 31
Los 4 Fantásticos
Secret Wars
Transformers
Batman y los Outsiders
Batmanía
Dragon Ball
Darkseed
Parque Jurásico
John Byrne’s Next Men