Así se autodefine el inevitablemente simpático  Stevie Evans en la serie “Magic City”. Un personaje 100% hard boiled en una serie que desde su primer episodio desprende atmósfera pulp, con gangsters histriónico-sanguinarios, mujeres fatales, prostitutas con pelucas rubio platino y políticos pervertidos en contraste con un contexto y  puesta en escena elegantes que inducen a pensar en ella como el enésimo exploit de “Mad Men”. Nada más lejos de la realidad.

Una recomendación: Sigan de cerca los movimientos de la cadena Starz. Sus series hacen poco ruido, pero son muy buenas. Quizá poco comprendidas porque los caminos que sus responsables toman para alcanzar la excelencia se alejan bastante del (también excelente) estándar HBO.

Todo esto viene a cuento porque creo que en estos momentos, los espectadores de “Mad Men” estamos sufriendo un isomorfismo de ese efecto kimono. Desde la cuarta temporada, y de una manera mucho más acusada en la quinta (en curso), la serie está aligerando sus tramas y sus personajes en pos de convertirse en un escaparate de la estética 60s. Se ve que la popularidad de la serie se debe más a los modelitos de Joan, los capítulos de vacaciones de Don y las escenas de fiesta filo-hippie que a la superestructura machista, los despachos llenos de humo y la  ambigüedad existencialista reinantes en las primeras temporadas.

Vale que sigue siendo de lo mejorcito que se emite en TV a nivel mundial, pero actualmente la serie se ha alejado bastante de aquello que la hizo grande en sus inicios. Simplemente, ahora no se puede medir de igual a igual con otros tótems televisivos que, pese a evolucionar temporada tras temporada para limar asperezas con la audiencia, no perdieron peso específico en el proceso.

Queda dicho. 

P.D.: Hay que admitir que esta vena sesentera da agradables sorpresas de vez en cuando, como en el último capítulo emitido (S05E08) donde se hace un ingenioso juego metatextual con los derechos de las canciones de los Beatles, utilizando además “Tomorrow never knows”. Viendo a Don Draper haciéndola sonar en su  tocadiscos  nos damos cuenta de lo vanguardista que fue para la época.

No soy ningún experto en Suecia, pero por cultura general (y pop) sé que se trata de uno de los países más avanzados del mundo en cuanto a desarrollo del tan inalcanzable en estos tiempos “estado de bienestar”. Son conscientes, y posiblemente por ello, en la sociedad sueca existe cierto grado de hipersensibilidad hacia todo aquello que pueda amenazar su modo de vida y  su garantista  estado de derecho. Ahí tenemos, por poner dos ejemplos fáciles, el éxito de la trilogía  Millennium, sacando a flote el lado oscuro corrupto-misógino del país o el exceso de celo puesto en el caso Assange, al que la opinión pública sueca ha condenado de antemano,  seguramente valorando más el crimen del que se le acusa (acoso y violación menor) que las circunstancias e intereses que rodean al caso.

Ante semejante panorama, la serie “Äkta Människor” (internacionalmente “Real Humans”) presenta un altísimo interés sociológico-bizarro, pues en ella se trata el (todavía ficticio) “problema robótico” desde el punto de vista sueco, además orientado hacia una audiencia autóctona masiva, pues fue emitida en prime time por el primer canal de la SVT, la equivalente sueca a la BBC o a nuestra RTVE . En ella nos es mostrado un presente alternativo en el que los robots de apariencia humana comercialmente conocidos como Hubots triunfan como producto de uso doméstico e industrial. Pero este estado de bienestar sustentado por robots peligra por dos frentes: hubots que han obtenido (ilegalmente)  el don del libre albedrío y extremistas humanos que ven a los hubots como el principio del fin de la humanidad.

Hasta aquí todo suena tópico, pero tan solo visionando el primer capítulo de la serie se puede apreciar su  peculiar enfoque. En ella se mezclan lo naif, lo cómico y lo siniestro en originales formas. Como si de una serie española se tratase, hay una línea argumental y unos personajes pensados para cada segmento de público: El anciano con problemas con su estricta hubot geriátrica, la madre trabajadora que tiene que dejar en manos de su asistenta robot el cuidado de su hija pequeña, el hijo adolescente rondando por allí con las hormonas revolucionadas y tremendas tentaciones hacia una hermosa muñeca que no se va a quejar si quiere hacer uso ilícito de ella, un currante que ve su vida venirse abajo por la incursión de los hubots en su entorno familiar y laboral, su mujer insatisfecha tirado de entrenador personal sintético para saciar sus apetitos sexuales… Pero a diferencia de lo que pasa en las series patrias multitarget , en ésta las tramas no toman por tonto al espectador, están llenas de dilemas y ambigüedad, de forma que no posicionan a los personajes como buenos y malos sino como gente con sus circunstancias. Además, dichas líneas argumentales se entrecruzan formando un todo coherente que da una buena visión de conjunto del tema tratado.

A destacar también el acabado estético de la serie, con una puesta en escena en colores pastel y un excelente (y malrrollero) trabajo de maquillaje que nos hace dudar si los hubots están interpretados por actores (gran trabajo el suyo también) o fueron creados con lo último en efectos visuales animatrónicos. Ese ambiente kisch contrasta con la profundidad de la serie en lo psicológico y lo sociológico. Realmente, los hubots son una herramienta narrativa para evidenciar nuestras necesidades y carencias. Las conclusiones son claras: Demandamos una atención continua que no tenemos. Más que amigos o pareja, queremos seres vivos “cosificados” que no nos lleven la contraria y nos den el parabién en todo. Ahí están los dueños de mascotas y los viejos verdes “capturados” por jovencitas con segundos intereses para demostrarlo.

Durante el proceso de confección de mi Top30 tuve que tomar varias decisiones difíciles, y sin duda, una de ellas fue la de no incluir allí la rompedora serie de animación “Aeon Flux”, emitida por la MTV en el mítico contendor Liquid TV, con el animador coreano Peter Chung como principal responsable. La mezcla de surrealismo (del bueno), acrobacias, animación de perspectiva alucinógena y un puntito sexualmente perverso convirtieron a la serie en algo realmente único e irrepetible hasta nuestros días, a casi 20 años de su estreno.

Pero sería injusto hablar de las excelencias de  “Aeon Flux” sin mencionar a Drew Neumann, el encargado de la música y el diseño de sonido de la serie. Si ésta fue revolucionaria en lo visual, el apartado sonoro no le va a la zaga. Neumann realizó su fantástico trabajo en base a 3 pilares: tridimensionalización del sonido, técnicas de musique discrète y partituras de cortes abruptos. Visto un capítulo, su cerebro jamás podrá separar el concepto de “Aeon Flux” de su música.

Drew Neumann – Aeon Flux Intro

Drew Neumann – "Phobia Suite"

En el año 97, bajo el título “Eye Spy – Ears Only: Confidential”, Neumann publicó la banda sonora de la serie, más algunos mixes extras, así como material para el videojuego que finalmente no salió a la luz. Por problemas de derechos no se pudo utilizar la marca Aeon Flux para el título del disco, pero Peter Chung se prestó a ilustrar la portada. Pueden descargarlo aquí (mientras dure) o comprar la reedición con un cd adicional en la web de Neumann.

10. Misfits T3
La marcha de Nathan y alguna que otra decisión creativa han hecho algo de mella en la calidad de la serie. Aún así, sigue estando muy bien y ha dejado varios capítulos memorables.

9. Superjail! T2
La deriva psicótica hecha dibujo animado. Menos mal que los capítulos duran solo 10 minutos, porque un tiempo de exposición mayor puede dejar secuelas irreparables.

8. Homeland T1
Dos protagonistas “tocados del ala” contendiendo en un juego psico-paranoico-intelectual. Te deja clavado al asiento. Claire Danes encontrando el norte interpretativo. 

7. Museo Coconut T2
Mejorando respecto a la 1ª temporada, que ya es decir. Jaime Walter, grande. El sketch de la croqueta, clásico instantáneo.

6. South Park T15
¿Qué decir que no haya dicho ya? Genial, como de costumbre.

5. Boardwalk Empire T2
Nucky vs. Jimmy. Atlantic City en su hora más oscura. De lo mejorcito que ha dado la HBO a lo largo de su historia, y eso es decir mucho.

4. Luther T2
Cojan “El Caballero Oscuro”, sustituyan Gotham City por Londres, olvídense de justicieros enmascarados y metan de protagonista a  un poli “more human than human”. Excelentes resultados.

3. The Shadow Line
Esto va sobre mantener el status quo. Si no se quieren deprimir, no la vean.

2. Boss T1
La política como nunca la habían visto en televisión. Brutal y despiadada. La serie revelación del año.

1. Breaking Bad T4
Definitivamente el abismo le ha devuelto la mirada a Walter White, con creces. Casting, personajes, estilo visual, tragedia, comedia (negrísima), profundidad psicológica, acción, tensión narrativa: “Breaking Bad”, la serie que lo tiene TODO.

Anteriormente:
Lo Mejor de 2010: Series de TV
Lo Mejor de 2008: Series de TV

Dejemos las cosas claras desde el principio: No considero a “Lost” como una de las mejores series de la historia, de hecho no entraría ni en mi top 20 personal. Esto es así fundamentalmente por dos razones: es tramposa y es emo. Tramposa porque su estructura narrativa atendía a un único objetivo: dejar al espectador con unas ganas locas de ver el siguiente episodio. Emo  porque sus personajes se movían en un universo psicológico de segunda, basado fundamentalmente en (cristianísimos) procesos de culpa-redención y en lloreras por el muerto de turno. Estas dos nefastas cualidades se hicieron más evidentes que nunca en el final de la serie, azucarado a niveles de coma diabético y sin respuesta a los misterios-cebo que los guionistas diseminaran a lo largo de las 6 temporadas.“Lost” no fue la mejor serie del mundo. Pero fue mucho más que una serie, y por eso corona con honores el proyecto Top30. Ante todo, “Lost” fue un fenómeno sociocultural que revolucionó la esfera seriéfila en todas sus vertientes.

A nivel de producción estrechó distancias con el cine, arrancando con un episodio piloto de presupuesto record y manteniendo como pudo  la apariencia cinematográfica en las siguientes entregas. Ese golpe sobre la mesa contra el cartón-piedra sentó precedente en la televisión en abierto (los canales de pago siempre fueron palabras mayores), y cada nueva serie que pretendía “cortar la pana” en la temporada de turno subía un poco el listón, hasta el paradójico punto de que a la propia “Lost” se le acusó de cutre en su última temporada.

Los míticos y caros primeros minutos de “Lost”

En lo que respecta al casting, rompió barreras étnicas y estéticas con un plantel de actores fuera del modelo caucásico-apolineo-plastificado imperante. La medida imprimió (mucho) carácter a la serie y también fue trasvasada con éxito a otras producciones posteriores. El aspecto físico, la edad y la raza fuera del canon fueron desde “Lost” menos impedimento para que un personaje alcance un alto grado de popularidad. Ahí tenemos a Hugo Reyes, Hiro Nakamura o Walter Bishop.

Igualmente revolucionaria resultó la estructura argumental y narrativa de la serie dentro del contexto comercial en el que fue emitida: mezcla de géneros, flashbacks, flashforwards  y sobre todo la absoluta supresión del procedimentalismo imperante por aquel entonces para todo producto televisivo relacionado con la ciencia ficción y la fantasía. Porque recordemos que hasta la mitiquísima “Expediente X” era procedimental en el 80% de sus capítulos. “Lost” fue pensada para el seguidor hardcore, no para el advenedizo que pudiese enganchar en un capítulo cualquiera y empezar a seguirla desde ese punto. O la ves (vives) desde el principio o nada.

Pero si hay que escoger el “un antes y un después” más importante que estableció “Lost” tenemos que mirar hacia los que la consumimos. Alrededor de la serie se formó un fenómeno fan overground y transnacional, con adeptos que dejamos de esperar por su emisión en los canales de TV de nuestros respectivos países pasándonos al religioso ritual de la descarga vía P2P del capítulo de la semana, disponible a los pocos minutos  de finalizar de su emisión en EEUU (los subtítulos tardaban unas horitas de nada). Nunca antes se hizo así, y nunca después dejó de hacerse, porque seamos realistas, desde “Lost” las series se ven fundamentalmente “por internet”. Resultaba fascinante eso de discutir (y escuchar discutir) en aulas, bares y colas de supermercado sobre la escotilla, los números, DHARMA, Los Otros, el humo negro, Jacob, la estatua de cuatro dedos y tantas otras cosas siendo conscientes de que lo hacíamos a la vez que nuestros homólogos en todas las esquinas de la Tierra, y meses antes de que nada de eso se hubiese visto en las (fracasadas) emisiones nacionales de la serie. Y lo mejor de todo es que por primera vez  existía un producto cultural sobre el que los frikis y los no frikis podían compartir intensas conversaciones, porque la transversalidad del target de “Lost” fue también lo nunca visto.

Pero ¿Qué cualidades de esta serie provocaron semejante movimiento tecno-social subterraneo? Pues nada menos que su carácter tramposo y emo. Todos caímos en las trampas, pero que nos quiten lo bailao, nos lo pasamos de puta madre fantaseando sobre lo que estaba por venir y agonizando por el siguiente capítulo, que por supuesto debíamos inyectárnoslo en vena tan pronto estuviese disponible, o sea recurriendo al P2P. En cuanto a lo emo, sirvió de contrapunto a las partes fantastique más hardcore de la serie, suavizando el conjunto y haciéndolo accesible a un espectro mucho más amplio de público.

“Lost”, la serie, no está a la altura de “Los Soprano”, ni de “Mad Men”, ni  de“Breaking Bad”, ni de tantas otras . Pero como experiencia integral de consumo de ficción, nada estuvo (y difícilmente estará) a la altura de “Lost”.

Pd: Este post está dedicado a la gente de Lostzilla, sin la cual la “Experiencia Lost” no hubiera sido lo mismo.

Anteriormente en Top30:
Intro (qué es Top30)
Ulises 31
Los 4 Fantásticos
Secret Wars
Transformers
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Batmanía
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Darkseed
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Trilogía Nikopol
La fOntana y la sOnda
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Pulp Fiction
Wipeout
Brut Comix
La Casta de los Metabarones
Ænima
Carretera Perdida
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Cosecha Cinematográfica del 99
La Caída
Los Soprano
La Pianista
South Park
X-Force/X-Statix
Visitor Q
The Wayward Cloud
EP C / B EP

A mala hora me puse a ver el episodio piloto de “Terra Nova”, justo un día después del re-visionado de “El Nuevo Mundo”. Desde un planteamiento contextual muy diferente, ambos productos comparten el tema base del pionero frente al territorio inexplorado. Un asunto fascinante abordado magistralmente en el film de Malick y resuelto de forma chapucera en la superproducción televisiva apadrinada por Spielberg.

El nuevo mundo de “El Nuevo Mundo” (valga la redundancia) es bello a la vez que misterioso. Su quietud e inmensidad nos son mostradas en todo su esplendor, de tal manera que, hasta cierto punto, podemos ponernos en la piel de esos peregrinos irlandeses recién llegados a una tierra que les puede dar todo pero encierra el peligro de lo desconocido. Malick y su director de fotografía Emmanuel Lubezki consiguen tal efecto en base a una filmación totalmente naturalista: emplazamientos reales, luz natural, buscando registrar la realidad tal y como lo hace el ojo humano. Esta filosofía combinada con un sublime trabajo de composición y planificación produce la magia de convertir una pradera de hierba alta en un paraje más alienígena que la superficie de marte.

¿Qué nos ofrece “Terra Nova”? Pioneros que escapan de  un futuro desolado por la contaminación refugiándose 85 millones de años en el pasado. Un nuevo-viejo mundo que descubrir, no corrompido por el hombre… y lleno de dinosaurios. Un planteamiento fantacientífico que puede dar mucho de si, pero ya de entrada, las pésimas soluciones visuales escogidas para representar ese mundo perdido cortan de cuajo las posibilidades de la serie: Gama cromática hiperrealista (en el sentido más baudrillardiano del término), escenarios forestales “atrezzados”, planos panorámicos digitales (dignos de videojuego), planificación puramente funcional… En resumen, un territorio virgen con aspecto de parque temático. Así no se llega a ninguna parte.

Peor que la escasez de medios es un dimensionamiento de la producción por encima de los medios de los que se dispone. A muchísimas series de TV les pasa eso y así les va. Sin embargo, producciones cinematográficas de presupuesto medio/bajo como “El Nuevo Mundo” pueden lucir perfectas, imposibles de mejorar con más dinero. Si una producción audiovisual falla en este aspecto, puede darse por perdida.

Top 6

6. Futurama T6
Que bien le sentó a la serie la resurrección en un canal más atrevido que la Fox, como es Comedy Central. Las deficiencias en los últimos tiempos de su “vida anterior” han sido erradicadas y sustituidas con buenas dosis de genialidad geek.

5. Ugly Americans T1
La revelación animada de la temporada. Buenísima y sorprendente tanto a nivel de guiones como en lo visual.

4. South Park T14
Trey Parker y Matt Stone siguen sin defraudar 14 años después. Todo un logro… Y el episodio 200, genial.

3. Mad Men T4
Quizá el boom de popularidad de sus últimos tiempos la haya “aligerado” un poco respecto a las primeras temporadas, con ciertos puntitos de efectismo en los guiones y mas dosis de culebrón. Aún así, sigue manteniendo un listón altísimo.

2. Boardwalk Empire T1
El Mejor estreno del año, con unas dosis de calidad que, desde ya, la hacen subir al podio de lo mejorcito que dio la HBO a lo largo de su historia. Increíble el cuidadísimo tratamiento de tal cantidad de personajes, con un Nucky Thompson que ya puede tratar de tú a tú a Tony Soprano o a Don Draper.

1. Breaking Bad T3
Devoré las tres temporadas en poco menos que dos semanas. Mi descubrimiento del año: adictiva sin ser efectista, durísima a la vez que descojonante, y con un un tratamiento visual buenísimo que además no resulta una copia descarada de algo ya visto en cine, como suele pasar con las series de TV “bien hechas”.

También me gustaron:
Rubicon T1: Pena de cancelación, el primer traspiés de la AMC
Museo Coconut T1: Grandes también en formato sitcom. 
Enjuto Mojamuto T1: Enjuto sobrevive hasta en el bosque.
Fringe T3: Esto mejora año tras año. 
Sherlock T1: Ingeniosa puesta al día del clásico.

Decepciones:

Lost T6: Las últimas temporadas de “Lost” estaban ya concebidas solo para fans hardcore. ¿Como es posible, con ese panorama, que nos la metieran doblada con un final tan tan emo y echando balones fuera en cuanto a los misterios sembrados a lo largo de las cinco temporadas anteriores?

Sons of Anarchy T3: En la segunda temporada ya se atisbaba cierta pérdida de norte, pero lo de ésta fue de juzgado de guardia. Una pena, porque la temporada inicial fue excelente. Y lo peor es que con tanto desaguisado, solo unas “Crisis” a-la DC podrían devolver todo a su cauce.

The Walking Dead T1: Acepto que la serie no podía ser igual que el cómic, pero tenía esperanzas en que mantuviese su espíritu. Nada de eso: Darabont y cia. convirtieron a la serie en un “Lost” de segunda cuyo único valor como serie-de-cadena-de-pago-más-adulta es el nivel de casquería por encima de la media.

Reivindicar “South Park” en este blog es un acto de pura redundancia, pero precisamente por lo mucho que me gusta la serie tengo que meterla en este Top30 que ya va en la recta final de mi cronología subcultural.

Les dejo pues, un resumen en epígrafes que explican por qué considero la obra magna de Trey Parker y Matt Stone la mejor serie “adulta” de todos los tiempos:

Idas de olla altamente sensatas: “South Park” es conocida popularmente por su humor bruto, lleno de tacos, violencia y (supuesta) falta de respeto hacia personajes y colectivos, pero eso solo es una fachada a la verdadera esencia de la serie. Detrás de todas las “atrocidades” que ocurren en cada capítulo, Parker y Stone consiguen extraer una moraleja de una lucidez descomunal, de lo más sensato que se puede ver en televisión. No tengo la menor duda de que siguiendo la filosofía southparkiana, el mundo sería mucho, mucho mejor. El caso de las viñetas de Mahoma, la polarización radical Obama/McCain, la obsesión consumista hacia ciertos productos,  la doble moral de Disney, la incomodidad post 11-S en los aeropuertos, la transexualidad… todo esto y mucho más se analiza en la serie con un rigor que ya quisieran muchos programas de actualidad serios.

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Rabiosa actualidad: Desconozco la mecánica de trabajo practicada por los responsables de “South Park”, pero solo la puedo calificar de impresionante en cuanto a velocidad de respuesta a la actualidad. Son capaces de reaccionar ante eventos ocurridos tan solo un día antes de la emisión del capítulo. Consiguen dar a una producción animada la inmediatez de una viñeta de prensa, y eso no es nada fácil. Por ello, “South Park” siempre estará al pie del cañón, exponiendo su lúcida versión de la realidad tan rápido como lo puede hacer cualquier medio de comunicación de su misma periodicidad.

Filosofía Blockbuster: Si uno es fan de los blockbusters cinematográficos, su serie es “South Park”. Un buen número de sus episodios son auténticas joyas del género condensadas en 20 minutos. Parker y Stone comprenden a la perfección los mecanismos de esas películas revientataquillas y los utilizan para dar salida a sus delirantes argumentos.  Así, convirtieron la elección de Obama en un elaborado plan a-la “Ocean’s 11” para robar un superdiamante, a la PSP en un instrumento puesto en la Tierra por los dioses  para elegir al nuevo mesías o a “Grandes Esperanzas” de Dickens en un relato de ciencia ficción con ingeniería genética de por medio.

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Surrealismo desbocado: En los últimos tiempos, el adjetivo “surrealista” ha sido utilizado indiscriminadamente  para designar a productos de la cultura pop que no   merecían tal calificativo en absoluto. Se habla de surrealismo en los productos Pixar, en “Los Simpson”,   o en (válgame Dios) “Friends”,  pero en “South Park”  podemos encontrarlo en su forma más pura: Kenny muriendo en cada episodio, la imaginación destruida por misiles, las multitudes huyendo despavoridas del Cambio Climático… lo concreto se convierte en abstracto, lo abstracto en concreto, la continuidad narrativa espacio-temporal desaparece, y lo fantástico irrumpe repentinamente sin llamar demasiado la atención de los personajes. Sin embargo, todo parece tener sentido, porque todo se mueve en la lógica de la metáfora, construyendo una realidad más real que la realidad misma. Superrealidad. Surrealismo.

South Park Forever !!!: Pasan las temporadas, ya van 14, con muchos episodios brillantes y otros no tan brillantes, pero nunca bajando el nivel, sino que mejorando con el paso de los años. Esa serie que se hizo popular por su humor basto, y  precisamente por ello muchos nos la imaginábamos como flor de un día, se acabó convirtiendo en la que mejor resistió el paso del tiempo… Porque incluso “Los Simpson” en su temporada 14 ya era una serie zombie. Ojalá que dure muchos años más a ese nivel, y que cuando acabe no sea por baja audiencia, sino (al estilo Gran Wyoming) porque toque alguna fibra suficientemente sensible a alguien suficientemente poderoso como para acabar con ella, dando así un final digno y mítico a uno de los mejores productos audiovisuales de la historia de la cultura pop.

Anteriormente en Top30:
Intro (qué es Top30)
Ulises 31
Los 4 Fantásticos
Secret Wars
Transformers
Batman y los Outsiders
Batmanía
Dragon Ball
Darkseed
Parque Jurásico
John Byrne’s Next Men
Trilogía Nikopol
La fOntana y la sOnda
12 Monos
Pulp Fiction
Wipeout
Brut Comix
La Casta de los Metabarones
Ænima
Carretera Perdida
The Invisibles
Cosecha Cinematográfica del 99
La Caída
Los Soprano
La Pianista

Se dice que con “Los Soprano” comenzó la era dorada de las series de TV en EEUU.  Su valiosísima combinación calidad/popularidad hizo posible que las cadenas se atrevieran a ir un poco “más allá” con sus productos. “Six Feet Under”, “The Wire”, “Deadwood”,”Sons of Anarchy” y tantas otras deben en parte su existencia al camino abierto por esta obra magna creada por David Chase.

No voy a enumerar aquí las excelencias de la serie porque ya lo hice anteriormente en dos post (parte 1, parte 2) a los que les remito. Solo decir que, a falta de visionar aún mucho (supuesto) buen material, sólo he encontrado una serie que realmente pueda poner a la altura de la que nos ocupa, la magnífica “Mad Men”, a la que recomiendo echen un ojo.

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12 Monos
Pulp Fiction
Wipeout
Brut Comix
La Casta de los Metabarones
Ænima
Carretera Perdida
The Invisibles
Cosecha Cinematográfica del 99
La Caída

Dibujos animados brutos hay muchos, pero lo de “Superjail!” sobrepasa el límite de la demencia. Gran parte de la culpa la tienen esas secuencias de violencia sin sentido que provocan una sobrecarga sensorial cuasi-epiléptica. Aquí un ejemplo:

[Para ver el video debes ir al post original]

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La intro, la del programa “De buena ley” (juicios populares televisados, ya saben). Esas personas de la calle representadas como minúsculas figuritas, rodeadas por sobredimensionados objetos, símbolos de aquello que rige nuestras vidas y nos subyuga. Solo falta una mano gigantesca manejando las figuras (¿Dios?) para definir completamente la dimensión mítica del corto.

El tráiler, el que promociona “The Social Network”, la nueva de David Fincher, a estrenar en otoño. En ella se cuenta el siniestro origen de Facebook, esa pieza de software que demuestra que una idea realmente puede cambiar el mundo. Si de algo ha sido impulsora esta red social es de la hiperemotividad de todo a cien que podemos ver a diario en los “muros” de millones de abonados al invento. Los publicistas han utilizado esa poderosa  arma (cover de “Creep” mediante) para crear empatía con el usuario medio de Facebook en los primeros 30 segundos de la pieza, y después mostrarnos la naturaleza de los “men behind the curtain”, los demiurgos que están forjando esta nueva sociedad, con sus juicios, sus envidias y sus millones. Más mito. 

1. Hace algunos años, en el blog de ADLO establecieron una interesante (como no) teoría sobre las buenas críticas generalizadas hacia los comics editados por Norma Editorial: Eran muy caros, y después de gastarte tu buena pasta en el ejemplar de turno, te costará más admitir que te han colado un truño. A nadie le gusta admitir que ha gastado demasiado  tiempo, dinero u otros recursos   en algo que no supera unas expectativas proporcionales  a dicho consumo. Siempre queda el autoengaño.
2. La serie de cómic “Los Muertos Vivientes” de Robert Kirkman y Charlie Adlard plantea el típico escenario de “apocalipsis zombie” en el que un grupo de personajes se ven obligados a sobrevivir pasándolas canutas. Las relaciones y situaciones entre los personajes principales y su interacción con  otros  que se encuentran en ese mundo desolado están tan bien conseguidas que hacen que nos olvidemos de los zombies. Según avanzan los episodios, Kirkman va soltado pistas acerca de un posible origen de la infección, pero creo que a la mayoría de los lectores nos da igual. Lo que realmente nos importa es la evolución de los personajes en ese contexto de supervivencia extrema. La serie va de eso, y aunque se termine sin dar respuesta al origen de los zombies, nadie se sentiría estafado, pues se trata de un mcguffin que no influye para nada en la verdadera esencia del tebeo.

Como dicen los conspiranoicos: que cada uno saque sus propias conclusiones.

Actualización:
No se pierdan este corto de Nacho Vigalondo, grabado en el 98 y rescatado por el propio Vigalondo en su blog. La correlación con el tema que nos ocupa es alucinante:

La serie se desarrolla en una realidad alternativa en la que todo tipo de criaturas campan a sus anchas entre los humanos… bueno, no exactamente: cada colectivo debe cumplir unas normas de convivencia con el resto de la (in)humanidad. De ello se encarga el Departamento de Integración de New York, donde trabaja Mark, el humano a través del cual seremos testigos del delirante modo de funcionar de esta sociedad “multiespecie”.

Si el pobre Mark no tiene suficiente con reeducar a los casos perdidos que le son asignados (hombres lobo con exceso de agresividad, un King Kong obseso de la limpieza, un cerebro flotante que no encuentra trabajo …) debe lidiar con un jefe demonio demasiado centrado en si mismo y en organizar el fin del mundo para 2012, un compañero de piso convertido a zombie (para impresionar a una chica) que fantasea con sorberle los sesos mientras duerme y su explosiva (en sentido literal y figurado) novia mestiza humano-demonio, cuyos ciclos menstruales vienen acompañados de arrebatos sádico-homicidas. Todo un panorama.

Una marcianada de las que a mi me gustan, que además viene aderezada con un estilo visual a (imposible) medio camino entre Charles Burns y Johnny Ryan. De lo mejorcito de la última hornada de animación yanki.

Mucho se habló del capítulo de Facebook, pero el siguiente se lleva la palma en cuanto a descojone, metacontextualización… y riesgo para los creadores. No puedo esperar para ver la 2ª parte.

visto en el blog de Marcus.

Y ya que saco el tema, no se pierdan la escalofriante galería de ventrílocuos y sus muñecos recopilada por Monster Word (y descubierta por mi a través de El Blog Ausente ).