Uno de los más sólidos pilares del “malestar en la cultura” en el que estamos atrapados es el devastador binomio expectativas-realidad. Ante un mundo de potencialidad infinita por delante, las poco curtidas mentes de la chavalada se ven abocadas inevitablemente a un proceso de decepción-readaptación también conocido como “crecimiento como persona” que cada un lleva como mejor puede.

Pienso que esta gestión de la decepción resulta especialmente interesante, y también dolorosa, para aquellos que han tomado la senda del arte. Inspirados por las hazañas de los grandes nombres del medio de expresión que les ha cautivado, pronto se darán cuenta que muchos son los llamados y pocos los elegidos. En ese momento empieza la verdadera aventura, la de enfrentarse al azar, a las  limitaciones propias y a la toma de decisiones.

Esto todo lo explica de maravilla el prolífico Bastien Vivès en “Polina”. Utilizando como contexto el durísimo mundo de la danza clásica rusa, Vivès cuenta una historia aplicable a cualquier disciplina artística. A título personal, el ballet ni me va ni me viene, sin embargo esta novela gráfica me ha resultado muchísimo más interesante que otras aproximaciones al mismo tema ambientadas en una esfera mucho más de mi agrado como es la del cómic. Muchas veces, cuando los artistas reflexionan sobre sí mismos les sobra pedantería, algo que para nada ocurre en “Polina”.

Ya en el plano formal, a destacar el trazo ágil y expresionista de Vivès, un autor que, como alguno de sus personajes en el tebeo que nos ocupa, no duda en arriesgarse y probar cosas nuevas en cada proyecto que aborda. En este caso, el uso del bitono y líneas curvas (aparentemente) rápidas vienen como anillo al dedo para representar un arte basado en la belleza del movimiento como la danza en un medio de imágenes estáticas secuenciales como es el cómic. Aplicándose las recomendaciones de uno de sus personajes, hace que lo difícil parezca fácil.

“Arrietty y el Mundo de los Diminutos” es la prueba palpable de que Ghibli debería ser valorado más como una comunidad de grandes creadores trabajando en pura simbiosis que como un estudio al servicio del genio Miyazaki. La peli que nos ocupa no ha sido dirigida por él, pero nadie lo diría. Como fundador del estudio, Miyazaki ha definido más que nadie el estilo Ghibli, pero a estas alturas, a más de 25 años de su fundación, y viendo cosas como “Historias de Terramar” y “Arrietty”, pienso que el estudio está más que preparado para continuar su línea excelente sin la tutela del maestro cuando éste anuncie su retiro.

Dicho esto, no voy a enumerar aquí la archiconocida lista de “virtudes Ghibli” que podemos encontrar en “Arrietty”, pero si voy a comentar la característica que la hace especial: El manejo del cambio de escala. En el film se aprovecha como nunca se hizo antes el hecho de que sus protagonistas sean seres diminutos que ven el mundo humano como algo gigantesco y de complicado acceso.

Mediante un acertadísimo trabajo de planificación, el espectador accede al punto de vista de Arrietty y familia para ver un entorno tan cotidiano como una casa de campo y sus alrededores convertido en un territorio inabarcable lleno de monstruos, grutas y acantilados, pero también dotado de una enigmática belleza “alienígena” que permanece oculta a escala real. Me dirán que esto ya se puede experimentar en multitud de películas tipo “Cariño, he encogido a los niños”; les aseguro que no tienen nada que ver. Ésta viene cargada de algo a lo que las otras ni siquiera aspiran: poesía.

Mención aparte merece  el tratamiento que se hace en el film de los objetos re-escalados: Un kleenex o un terrón de azúcar abastecen durante semanas a esta gente diminuta, que hace expediciones a los dominios humanos para recoger estos bienes insignificantes a escala macro. Su forma de vida se desarrolla a base de reciclar objetos que los humanos consideramos basura. Una bella metáfora ecologista tan del gusto de Ghibli.

La creciente fama del estudio ha normalizado un poco el estreno de sus películas en nuestro país. “Arrietty” no ha tardado mucho en llegar a las salas españolas (pocas)  y ya está disponible en DVD. No les digo más.

Vuelve el IntraConcurso, esta vez con un pack de lo más ecléctico: gafapastismo francés y gamberrada norteamericana. “Dios en Persona” de Marc-Antoine Mathieu y “Juventud Cabreada” de Johnny Ryan. Para optar a ellos deben enviar a concurso@intramuros.es la respuesta a la siguiente pregunta:

¿Qué irreverente supergrupo se ha tenido que enfrentar a Dios en una de sus aventuras, teniendo su líder que sacrificar la vida para obtener la victoria?

(Pista: En ese tebeo, Dios era de tipo lovecraftiano, y la líder muerta se reencarna en una recién nacida en los siguientes episodios . Mas claro agua!)

Bases:

1. Válido solo en el territorio español (los portes al extranjero se salen del presupuesto).
2. El concurso estará vigente hasta que haya recibido diez respuestas correctas. En ese momento seleccionaré el ganador (vía rand(1,10)), me pondré en contacto con él a través de un mail y publicaré la resolución en el mismo post del concurso y en Twitter.

Espero sus respuestas (repito: concurso@intramuros.es )

Banda sonora del post: Fever Ray – “Stranger than Kindness”

Stranger Than Kindness by Fever Ray

Hay pocas cosas que me fascinen más en el ámbito de lo creativo que comprobar como puede cambiar el significado/percepción de/hacia cierto material si lo sacamos del contexto para el que fue creado. “Instrumentals” de Clams Casino ( Mike Volpe de nombre real) es un ejemplo bestial de lo que pueden dar de sí estas prácticas descontextualizadoras.

La historia resumida: Volpe es un productor de New Jersey que se gana la vida creando bases para ilustres raperos como Lil B o Soulja Boy. Un buen día se le ocurre subir a Internet una mixtape con algunas de esas bases tal y como las entregó, sin cortar, sin retocar y sin voces chulescas por encima. La sorpresa: aquello suena a cualquier cosa menos a rap.

Clams Casino – Real Shit From A Real Nigga

Los cortes de “Instrumentals” evocan atmósferas hipnagógicas con destellos IDM. Delicados paisajes sonoros que paran nada se nos ocurriría asociar a un mundillo en el que prima la quincalla a lo M.A. Barracus  (pero con oro de verdad),  las gorras con alerón king size y los 4×4 gigantes y tuneados.

Clams Casino – All I Need 

El éxito de la mixtape ha propiciado un edición en vinilo editada por Type y una resubida en formato digital en mejor calidad que pueden descargar aquí. Como acostumbra a hacer con todos sus lanzamientos, Type tambíén ha subido el disco enterito a Soundcloud. No tienen excusa para no escucharlo.

Vista “Immortals”, la nueva de Tarsem Singh, quedan confirmadas una serie de constantes estilísticas del director hindú-americano a través de las que continúa la senda tomada en su anterior película “The Fall” (2006). En ambos films hay cosas de esas que echan para atrás a los paladares cinematográficos más exquisitos, a saber: Vestuario en confecciones carnavaleras, con algún modelito digno de cabalgata del orgullo gay, croma cantosísimo, burdas composiciones digitales para los fondos, abundancia de cartón piedra en el atrezo…

Pero, indisolublemente unidas a esas “cafradas”, encontramos soluciones visuales realmente originales que confieren a sus películas la categoría de rara avis en el panorama cinematográfico: Composiciones que remiten directamente a la pintura neoclásica, encuadres geométricos de exagerada asimetría, arquitecturas de inspiración mediterránea e india…

Las particularidades de Tarsem no terminan en el apartado visual. Su manera de entender el cine también lo aparta del grueso de realizadores “de género” actuales. En contra de la “corriente Nolan” reinante, basada en la excelencia técnica y guiones serios y graves, Tarsem apuesta por una visión más lúdica, más de sentido de maravilla de los albores del 7º Arte, cuando cautivar la imaginación de la audiencia era más importante que dar el pego con una puesta en escena realista y unos efectos visuales ultrasofisticados.

[Para ver el video debes ir al post original]

Las películas de Tarsem Singh no son ni mucho menos perfectas, pero son en cierto sentido únicas. Solo por ello, espero que siga en su línea, sin dejarse absorber por el modo de trabajar estándar. Go, Tarsem, go!!!

Banda sonora del post: Led Zeppelin – “When the levee breaks”

Top 10

10. “Aventuras de un Oficinista Japonés”, de José Domingo
Este año más que ningún otro… Galicia calidade!!!. José Domingo se descubre con este tour de force viñetero como un grande de la historieta. Y la edición, (muy)  a la altura de las circunstancias.

9. “La Vida Secreta de los Jóvenes II”, de Riad Sattouf
Sattouf capturando la realidad en pequeñas, descojonantes y a veces terroríficas dosis.

8. “BodyWorld”, de Dash Shaw
El futuro visto por Dash Shaw, el de la humanidad y el del cómic.

7. “Habibi”, de Craig Thompson
Una historia de historias bellísima e inabarcable. La historia del universo contada a través de una historia de amor. Amor en todas las acepciones del término

6. “Frank”, de Jim Woodring
Por fin, Woodring deja de estar inédito por estos lares, y a lo grande en una edición de lujo. Qué mejor manera de dar a conocer las historias cripto-lisérgico-surrealistas de Frank y compañía. Un must del neo-underground americano.

5. “El Héroe”, de David Rubín
Rubín se supera a si mismo contando la arquetípica historia de Heracles como ningún otro podría haberla contado. Como iba diciendo.. Galicia calidade!!!

4. “Pagando por ello”, de Chester Brown
Claro, conciso, honesto, sin sentido del pudor y siempre con la razón de su parte. Ese es Chester Brown.

3. “Penny Century” / ”El Fantasma de Hoppers”, de Jaime Hernández
Este año, ración doble de Jaime. Supremo, como siempre.

2. “Tóxico”, de Charles Burns
Los que creíamos que “Black Hole” supondría el zenit creativo de Charles Burns estábamos muy equivocados. En “Tóxico” refina su estilo a niveles insospechados… y eso hablando de Burns es decir mucho (pero mucho).

1. “Flujo”, de Dave Cooper
Ya tardaba la publicación en España de esta apabullante pieza maestra. Cooper se “desnuda” poniendo en papel la fantasia psico-sexual neocárnica definitiva. Y lo hace a través de Tina, uno de los personajes de ficción más complejos con los que me he encontrado en mi historia como consumidor (sub)cultural. Una auténtica pena que este magnífico autor haya dejado de hacer tebeos porque no le salía rentable… Vuelve Dave!!!!

También me gustaron mucho:
”Aama v1: Olor a tierra caliente”, de Frederik Peeters
”Hoy es el último día del resto de tu vida”, de Ulli Lust
”Polina”, de Bastien Vivès
”Ellos Mismos”, de Joaquín Reyes
”¡La crisis está siendo un éxito!”, de Manel Fontdevilla
”Luba”, de Beto Hernandez
”La Oruga”, de Suehiro Maruo

Siguen excelentes:
“Los Muertos Vivientes”, de Robert Kirkman y Charlie Adlard
"Incógnito”, de Ed Brubaker y Sean Phillips
”Gantz”, de Oku Hiroya

Joyas de importación:
“Love and Rockets: New Stories”, de los Bros. Hernandez
“Prison Pit” vol. 3, de Johnny Ryan
“Garden”, de Yuichi Yokoyama
“Congress of the Animals”, de Jim Woodring
“Forming” vol. 1, de Jesse Moynihan
”IF’N OOF”, de Brian Chippendale
”Powr Mastrs”, de C.F.
”The Death Ray”, de Daniel Clowes
”Officer Downe”, de Joe Casey y Chris Burman

Ojito a Internet. De allí salen:
“Forming”, de Jesse Moynihan
”American Barbarian”, de Tom Scioli
”BodyWorld”, de Dash Shaw

Anteriormente:
Lo Mejor de 2006: Comics
Lo Mejor de 2007: Comics
Lo Mejor de 2008: Comics
Lo Mejor de 2009: Comics
Lo Mejor de 2010: Comics

[Para ver el video debes ir al post original]

Banda sonora del post: Harmonic 313 – “Call to arms”

Call to arms – harmonic 313 

Para participar en el sorteo, solo deben enviar a la dirección de correo concurso@intramuros.es la respuesta correcta a la siguiente pregunta:

Matt Wagner es uno de los pioneros del comic-book independiente americano. Paradójicamente, el universo de uno de sus más conocidos personajes ha sido desarrollado en gran medida por otros autores, como suele pasar en Marvel y DC, aunque bajo la atenta supervisión de su creador. ¿De que personaje estamos hablando?

Las bases son las que siguen:

1. Válido solo en el territorio español (los portes al extranjero se salen del presupuesto).
2. El concurso estará vigente hasta que haya recibido cinco respuestas correctas. En ese momento seleccionaré el ganador (vía rand(1,5)), me pondré en contacto con él a través de un mail y publicaré la resolución en el mismo post del concurso y en Twitter.

Si esta experiencia piloto resulta  positiva, se repetirá con la mayor frecuencia posible hasta el 21/12/2012, cuando los dioses mayas nos manden a tomar por saco. Feliz año nuevo a todos.

Actualización (2/1/2012): 
Concurso cerrado, procediendo con el sorteo y comunicación con el ganador…

Actualización (3/1/2012)
And the winner is… Pilar, de Santiago de Compostela. Muchas gracias al resto de participantes, y atentos porque habrá más intraconcursos en breve.

10. Misfits T3
La marcha de Nathan y alguna que otra decisión creativa han hecho algo de mella en la calidad de la serie. Aún así, sigue estando muy bien y ha dejado varios capítulos memorables.

9. Superjail! T2
La deriva psicótica hecha dibujo animado. Menos mal que los capítulos duran solo 10 minutos, porque un tiempo de exposición mayor puede dejar secuelas irreparables.

8. Homeland T1
Dos protagonistas “tocados del ala” contendiendo en un juego psico-paranoico-intelectual. Te deja clavado al asiento. Claire Danes encontrando el norte interpretativo. 

7. Museo Coconut T2
Mejorando respecto a la 1ª temporada, que ya es decir. Jaime Walter, grande. El sketch de la croqueta, clásico instantáneo.

6. South Park T15
¿Qué decir que no haya dicho ya? Genial, como de costumbre.

5. Boardwalk Empire T2
Nucky vs. Jimmy. Atlantic City en su hora más oscura. De lo mejorcito que ha dado la HBO a lo largo de su historia, y eso es decir mucho.

4. Luther T2
Cojan “El Caballero Oscuro”, sustituyan Gotham City por Londres, olvídense de justicieros enmascarados y metan de protagonista a  un poli “more human than human”. Excelentes resultados.

3. The Shadow Line
Esto va sobre mantener el status quo. Si no se quieren deprimir, no la vean.

2. Boss T1
La política como nunca la habían visto en televisión. Brutal y despiadada. La serie revelación del año.

1. Breaking Bad T4
Definitivamente el abismo le ha devuelto la mirada a Walter White, con creces. Casting, personajes, estilo visual, tragedia, comedia (negrísima), profundidad psicológica, acción, tensión narrativa: “Breaking Bad”, la serie que lo tiene TODO.

Anteriormente:
Lo Mejor de 2010: Series de TV
Lo Mejor de 2008: Series de TV

Al lío:

Top 10

10. Marti, Dupa Craciun (Radu Muntean , 2010)
La película navideña definitva. Turbulencias emocionales en tiempo de consumo. 

9. Enter the Void (Gaspar Noé, 2009)
Prodigiosidad técnica al servicio de la lisergia. 

8. Tournée (Mathieu Amalric, 2010)
Mahieu Amalric, un actor/director para dar de comer aparte. Genial en ambas profesiones.

7. Una Mujer en África (Claire Denis, 2009)
¡Por fin la Denis en España!. Tan buena como siempre. 

6. El Árbol de la Vida (Terrence Malick, 2011)
El cine como experiencia sensorial absoluta. 

5. Misterios de Lisboa (Raúl Ruiz, 2010)
Culebrón de autor. Padre Denís rules!. Raúl Ruiz, te echaremos de menos. 

4. Somewhere (Sofia Coppola, 2010)
La Coppola explicándonos magistralmente qué es eso de “el vacío de la fama”.

3. Carlos (Olivier Assayas, 2010)
Hay futuro para el biopic. Lo dice Olivier Assayas.

2. La piel que habito (Pedro Almodóvar, 2011)
Almodóvar se repone del tropiezo de “Los Abrazos Rotos” a lo grande, y con ciencia ficción de por medio.   

1. Drive (Nicolas Winding Refn, 2011)
Abstracción para las masas. Una de esas escasísimas películas capaces de satisfacer a todo el mundo sin renunciar por ello a opciones autorales poco mainstream. Impecable ejercicio de estilo que emociona de verdad.

También me gustaron mucho:
Attack the Block (Joe Cornish, 2011) 
Un Método Peligroso (David Cronenberg, 2011)
La Cara Oculta (Andrés Baiz, 2011)
Rare Exports (Halmari Helander, 2010)
El Demonio Bajo la Piel (Michael Winterbottom, 2010)
Melancolía (Lars Von Trier, 2011)
Insidious (James Wan, 2011)
Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia! (Todd Phillips, 2011)
Torrente 4 (Santiago Segura, 2011)
Arrietty y el Mundo de los Diminutos (Hiromasa Yonebayashi, 2010)
Black Heaven (Gilles Marchand, 2010)
No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu, 2011)
Sucker Punch (Zack Snyder, 2011)
X-Men: Primera Generación (Matthew Vaughn, 2011)
El Topo (Tomas Alfredson, 2011)
El Origen del Planeta de los Simios (Rupert Wyatt, 2011)
El Extraño Caso de Angélica (Manoel de Oliveira , 2010) 
Monsters (Gareth Edwards, 2010) 
Nunca me abandones (Mark Romanek, 2010)
Yatterman (Takashi Miike, 2009)

Decepciones:
Super 8 (J.J. Abrams, 2011)
Paul (Greg Mottola, 2011)
Encontré al Diablo (Kim Jee-woon, 2010)
Intruders (Juan Carlos Fresnadillo, 2011)
Four Lions (Christopher Morris, 2010)
Un Dios Salvaje (Roman Polanski, 2011)

Perlas “invisibles” (aún sin estreno comercial en España):
Min Bedste Fjende (Oliver Ussing, 2010)
Cold Fish (Sion Sono, 2010)
Guilty of Romance (Sion Sono, 2010)
Oki’s Movie (Hong Sang-soo)
Caterpillar (Kôji Wakamatsu, 2010)
Trash Humpers (Harmony Korine, 2009)
Rubber (Quentin Dupieux, 2010)
Les Beaux Gosses (Riad Sattouf, 2009)
Nokas (Erik Skjoldbjærg, 2010)
Tropa de Elite 2 (José Padilha, 2010)
Redline (Takeshi Koike, 2009)

Quiero ver en 2012:
Harakiri (Takashi Miike, 2011)
Himizu (Sion Sono, 2011)
The Girl with the Dragon Tattoo (David Fincher, 2011)
Shame (Steve McQueen, 2011)
Lobos de Arga (Juan Martínez Moreno, 2012)
Prometheus (Riddley Scott, 2012)
The Dark Knight Rises (Christopher Nolan, 2012)
Extraterrestre (Nacho Vigalondo, 2012)
Amour (Michael Haneke, 2012)
Gravity (Alfonso Cuarón, 2012)
Only God Forgives (Nicolas Winding Refn, 2012)
Cosmopolis (David Cronenberg, 2012)
Porco Rosso 2 (Hayao Miyazaki, 2012)
La Chispa de la Vida (Álex de la Iglesia, 2012)
Django Unchained (Quentin Tarantino, 2012)
John Carter (Andrew Stanton, 2012)
Cloud Atlas (Hnos Wachowski y Tom Tykwer, 2012)
The Avengers (Joss Whedon, 2012)
The Dictator (Larry Charles, 2012)
Rust and Bone (Jacques Audiard, 2012)
Moonrise Kingdom (Wes Anderson, 2012)
[Rec]³: Génesis (Paco Plaza, 2012)
La nueva de Terrence Malick (2012)

Anteriormente:
Lo Mejor de 2006: Cine
Lo Mejor de 2007: Cine
Lo Mejor de 2008: Cine
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Lo Mejor de 2010: Cine

Podemos decir que “Marti, Dupa Craciun” (o “Martes, Después de Navidad” en español) es una película que sigue a pies juntillas el excelso canon del “nuevo cine rumano”, con ese costumbrismo extremo que se infiltra en los dominios de lo impúdico y esa elegancia técnica fundamentada en el plano secuencia, ya sea de encuadre fijo o con la cámara en movimiento. Como iba diciendo, todo excelentísimo… pero lo que más me llama la atención de este gran film es la representación que allí se hace del contexto consumista en el que estamos integrados, con el agravante de que la acción se desarrolla en plena época navideña.

Aunque la historia que Radu Muntean nos cuenta va de una infidelidad, todo el desarrollo dramático tiene lugar mientras los personajes están o bien comprando, o bien consumiendo, o bien hablando de comprar o consumir. La identificación del espectador con lo que está viendo en pantalla es inmediata y brutal.  Lo que en principio parece como una rareza narrativa se manifiesta como realidad absoluta, y demuestra que la famosa regla de no decir marcas en televisión (o en el cine, en nuestro caso) ficcionaliza un contenido audiovisual al mismo nivel que los efectos digitales o un casting cargado de beautiful people, porque niega nuestra verdadera cultura: la cultura de las marcas.

[Para ver el video debes ir al post original]
Voy al Fnac Mega Image ¿Quieres algo?

Ni que decir tiene que, la identidad dual consumidor/infiel del protagonista, Paul, lo enriquece como personaje hasta llevarlo casi al nivel de persona. Lo oculto (infidelidad) se mezcla con lo superficial (consumir) en una amalgama de lo absurdo tan real como lo vida misma.

[Para ver el video debes ir al post original]
Familiares indeseables y cultura de las marcas

“Marti, Dupa Craciun” se erige así como un cuento de navidad hipermoderno, que saca a la luz la naturaleza real de estas fiestas basadas en el consumo y la sacudida emocional. Sean felices estos días= eviten conflictos y compren mucho.

Estamos en plena vorágine de listas. Como por aquí hay mucha afición a ellas, aprovecho mis pesquisas para dejarles una compilación de mejores discos del año según algunos medios destacados en el panorama de la crítica musical. Parece que entre P.J. Harvey, Bon Iver y Adele anda el juego, aunque sinceramente creo la elección del nº 1  dice más sobre de que pié cojea cada publicación que otra cosa. Pueden ver las listas completas de cada medio pulsando sobre su correspondiente enlace:

The A.V. Club: “Civilian”, de Wye Oak

BBC: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

Billboard: “21”, de Adele

Clash: “Monkeytown”, de Modeselektor

Decibel: “Path Of Totality”, de Tombs

Drowned in Sound: “Burst Apart”, de The Antlers

FACT Magazine: “House Of Balloons”, de The Weeknd

Filter Magazine: “Hurry Up, We’re Dreaming”, de M83

The Guardian: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

Les Inrockuptibles: “El Camino”, de The Black Keys

Magnet: “Yuck”, de Yuck

Mojo: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

NME: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

New York Magazine: “Feel It Break”, de Austra

Paste: “Bon Iver”, de Bon Iver

Pitchfork: “Bon Iver”, de Bon Iver

Playground:“House Of Balloons”, de The Weeknd

Q: “Ceremonials”, de Florence & The Machine

The Quietus: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

Resident Advisor: “Space Is Only Noise”, de Nicolas Jaar

Rolling Stone (EE.UU.): “21”, de Adele

 SPIN: “David Comes to Life”, de Fucked Up 
 
Stereogum: “Father, Son, Holy Ghost”, de Girls 

 Time: “21”, de Adele 

Tiny Mix Tapes: “Replica”, de Oneohtrix Point Never

Uncut: “Let England Shake”, de P.J. Harvey

Under The Radar: “Strange Mercy”, de St. Vincent

The Wire: “Far Side Virtual”, de James Ferraro

Actualización (28/12/2011):

 Amazon.com : “21”, de Adele

 Amazon.com (más vendido): “Born this Way” de Lady Gaga

Rockdelux:“Let England Shake”, de P.J. Harvey

 The Stool Pigeon:“Let England Shake”, de P.J. Harvey

 XLR8R: “With U”, de Holy Other

Ya saben de que va esto, así que al grano:

Top 10:

10. “Owl Splinters”, de Deaf Center  Escuchando el resultado, nadie diría que este disco fue grabado  en dos días utilizando únicamente dos instrumentos “clásicos”. Grandeza minimalista. [escuchar en Type]

9. “Grimoire”, de Kreng El sello noruego Miasmah supuso para mi uno de los grandes descubrimientos del año. Lo mejorcito de por allí: El exquisitamente siniestro y malrrollero nuevo trabajo de Kreng. [escuchar en Miasmah]

8. “Horizontal Structures”, de Moritz Von Oswald Trio  El “Vertical Ascensión” ya apuntaba maneras, pero no acababa de cuajar. En unos mesecitos de nada, esa potencialidad se concretó en este discazo. Jazz del siglo XXII.

Moritz Von Oswald Trio – "Structure 2"

7. “Paranormale Aktivitat”, de Zwischenwelt  Un disco electropop conceptual con la parapsicología como tema, creado por dos americanos, una alemana y una española a base de intercambio de ficheros por Internet. Todo es posible… y les quedó de puta madre.

Zwischenwelt – “Apparition”

6. “Map of Circular Thought”, de Area C  La pieza de orfebrería electrónica del año.

[Para ver el video debes ir al post original]Area C – “Felt, not seen”

5. “Gloss Drop”, de Battles Creciéndose ante la adversidad. La marcha de Tyondai Braxton, lejos de matar a los Battles los evoluciona hacia nuevos territorios matemáticos. Excelente gestión de una crisis.

4. “93 Million Miles”, de Africa Hitech  La experiencia vibratoria del año. Mark Pritchard y Steve Spacek nos ofrecen un “what if…” musical afroelectrónico que esperemos sigan desarrollando en nuevas entregas.

Africa Hitech – "Future Moves"

3. “Dedication”, de Zomby Zomby se apea de la nostalgia de lo no vivido para ofrecernos su versión más innovadora a la vez que melancólica. ¡No le quiten el oído de encima!

Zomby – "Digital Rain"

2. “James Blake” / “Enough Thunder”, de James Blake  Si el mundo fuese justo, este hombre debería estar petándolo en el panorama mainstream. La cruel realidad es que, dentro de unos lustros alguien se hará muy rico malrreciclando sus hallazgos. Puede sonar chungo, pero afirmo: El soul popero de masas, así si.

[Para ver el video debes ir al post original]James Blake – "We might feel unsound"

1. “Afro Noise”, de Cut Hands Puro vudú sónico. Frio, primitivo, afilado y demoledor. William Bennett evoluciona el sonido Whitehouse de la maza al escalpelo… eso si, un escalpelo infecto y oxidado.

Cut Hands – "Stabbed Conspirancy"

También me gustaron mucho:
"[Unclassified]", de VV.AA.
"Black Sun", de Kode9 & The Spaceape
"Monkeytown", de Modeselektor
"Ground EP", de G.H.
"Concrete Glider", de Somatic Responses
"Glass Swords", de Rustie
"Drive OST", de VV.AA.
"Feel it break", de Austra
"UNIVRS", de Alva Noto
"Looping State of Mind", de The Field
"Scintilli", de Plaid
"Bermuda Drain", de Prurient
"Circus", de Black Devil Disco Club
"OR", de Kangding Ray
"In Vogue Spirit", de Wet Hair
"Mosaik", de Siriusmo
"Common Era", de Belong
"Claire Denis Film Scores 1996-2009" de Tindersticks

Top 10 canciones [descargar]:
10. "Need you now", de Cut Copy
9. "Am I", de Kode9 & The Spaceape
8. “A meal can be made”, de Prurient
7."Helix", de Justice
6. "Upgrade", de Plaid
5. “Stay Insane”, de Black Devil Disco Club
4. “Out in the Streets”, de Africa Hitech
3. "We might feel unsound", de James Blake
2. "Ventriloquizzing", de Fujiya & Miyagi
1. “Futura” de Battles

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Lo Mejor de 2006: Música
Lo Mejor de 2007: Música
Lo Mejor de 2008: Música
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Dejemos las cosas claras desde el principio: No considero a “Lost” como una de las mejores series de la historia, de hecho no entraría ni en mi top 20 personal. Esto es así fundamentalmente por dos razones: es tramposa y es emo. Tramposa porque su estructura narrativa atendía a un único objetivo: dejar al espectador con unas ganas locas de ver el siguiente episodio. Emo  porque sus personajes se movían en un universo psicológico de segunda, basado fundamentalmente en (cristianísimos) procesos de culpa-redención y en lloreras por el muerto de turno. Estas dos nefastas cualidades se hicieron más evidentes que nunca en el final de la serie, azucarado a niveles de coma diabético y sin respuesta a los misterios-cebo que los guionistas diseminaran a lo largo de las 6 temporadas.“Lost” no fue la mejor serie del mundo. Pero fue mucho más que una serie, y por eso corona con honores el proyecto Top30. Ante todo, “Lost” fue un fenómeno sociocultural que revolucionó la esfera seriéfila en todas sus vertientes.

A nivel de producción estrechó distancias con el cine, arrancando con un episodio piloto de presupuesto record y manteniendo como pudo  la apariencia cinematográfica en las siguientes entregas. Ese golpe sobre la mesa contra el cartón-piedra sentó precedente en la televisión en abierto (los canales de pago siempre fueron palabras mayores), y cada nueva serie que pretendía “cortar la pana” en la temporada de turno subía un poco el listón, hasta el paradójico punto de que a la propia “Lost” se le acusó de cutre en su última temporada.

Los míticos y caros primeros minutos de “Lost”

En lo que respecta al casting, rompió barreras étnicas y estéticas con un plantel de actores fuera del modelo caucásico-apolineo-plastificado imperante. La medida imprimió (mucho) carácter a la serie y también fue trasvasada con éxito a otras producciones posteriores. El aspecto físico, la edad y la raza fuera del canon fueron desde “Lost” menos impedimento para que un personaje alcance un alto grado de popularidad. Ahí tenemos a Hugo Reyes, Hiro Nakamura o Walter Bishop.

Igualmente revolucionaria resultó la estructura argumental y narrativa de la serie dentro del contexto comercial en el que fue emitida: mezcla de géneros, flashbacks, flashforwards  y sobre todo la absoluta supresión del procedimentalismo imperante por aquel entonces para todo producto televisivo relacionado con la ciencia ficción y la fantasía. Porque recordemos que hasta la mitiquísima “Expediente X” era procedimental en el 80% de sus capítulos. “Lost” fue pensada para el seguidor hardcore, no para el advenedizo que pudiese enganchar en un capítulo cualquiera y empezar a seguirla desde ese punto. O la ves (vives) desde el principio o nada.

Pero si hay que escoger el “un antes y un después” más importante que estableció “Lost” tenemos que mirar hacia los que la consumimos. Alrededor de la serie se formó un fenómeno fan overground y transnacional, con adeptos que dejamos de esperar por su emisión en los canales de TV de nuestros respectivos países pasándonos al religioso ritual de la descarga vía P2P del capítulo de la semana, disponible a los pocos minutos  de finalizar de su emisión en EEUU (los subtítulos tardaban unas horitas de nada). Nunca antes se hizo así, y nunca después dejó de hacerse, porque seamos realistas, desde “Lost” las series se ven fundamentalmente “por internet”. Resultaba fascinante eso de discutir (y escuchar discutir) en aulas, bares y colas de supermercado sobre la escotilla, los números, DHARMA, Los Otros, el humo negro, Jacob, la estatua de cuatro dedos y tantas otras cosas siendo conscientes de que lo hacíamos a la vez que nuestros homólogos en todas las esquinas de la Tierra, y meses antes de que nada de eso se hubiese visto en las (fracasadas) emisiones nacionales de la serie. Y lo mejor de todo es que por primera vez  existía un producto cultural sobre el que los frikis y los no frikis podían compartir intensas conversaciones, porque la transversalidad del target de “Lost” fue también lo nunca visto.

Pero ¿Qué cualidades de esta serie provocaron semejante movimiento tecno-social subterraneo? Pues nada menos que su carácter tramposo y emo. Todos caímos en las trampas, pero que nos quiten lo bailao, nos lo pasamos de puta madre fantaseando sobre lo que estaba por venir y agonizando por el siguiente capítulo, que por supuesto debíamos inyectárnoslo en vena tan pronto estuviese disponible, o sea recurriendo al P2P. En cuanto a lo emo, sirvió de contrapunto a las partes fantastique más hardcore de la serie, suavizando el conjunto y haciéndolo accesible a un espectro mucho más amplio de público.

“Lost”, la serie, no está a la altura de “Los Soprano”, ni de “Mad Men”, ni  de“Breaking Bad”, ni de tantas otras . Pero como experiencia integral de consumo de ficción, nada estuvo (y difícilmente estará) a la altura de “Lost”.

Pd: Este post está dedicado a la gente de Lostzilla, sin la cual la “Experiencia Lost” no hubiera sido lo mismo.

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Banda sonora del post: Joy Division – “Interzone”
Interzone – Joy Division