Me posiciono: pertenezco a “la mitad” que le gustó “Lords of Salem”. Y me gustó sobre todo por su naturaleza satánica en el sentido menos sensacionalista del término,  como metáfora de liberación de las cadenas juedocristianas que todos aquellos que nos criamos en esta cultura llevamos sin excepción, independientemente de lo crédulos o ateos que seamos.

Rob Zombie lo borda con Heidi, la protagonista absoluta de la peli magníficamente interpretada por su mujer, Sheri Moon Zombie. Heidi es una tía que se lo tiene montado de puta madre: trabaja en lo que le gusta y vive como le da la gana. Pero en cuanto empieza a ser visitada por las fuerzas oscuras de Salem, su mecanismo de defensa no puede ser otro que la culpabilidad. Cuanto más se resiste, más culpable se siente de lo que es. De individuo que vive en libertad a pecadora, a libertina, a puta de mierda, a asquerosa drogadicta… su núcleo cristiano aflora para evitar la liberación absoluta.

Una peli que pincha en hueso. Aún nos queda mucho camino por andar.

Este mes que termina ha sido para mí uno de los más brillantes de los últimos tiempos en cuanto a cosecha discográfica. He podido escuchar 3 LPs excepcionales, de esos que entran directamente en la preselección para mejor disco de 2013. Ojalá lo que resta de año continúe con el mismo nivel. De momento les cuento brevemente lo que hay:

The Knife – “Shaking the Habitual”

Si hay que definir con una palabra el nuevo trabajo de los hermanos Dreijer, esa es “eclosión”. Todo lo que han hecho con anterioridad, tanto juntos como por separado, parece ahora un dilatado ensayo hacia la conquista alquímica que constituye “Shaking the Habitual”. Un amasijo sónico que lleva su discurso musical, estético y político a un nuevo nivel. Muy difícil de explicar en un texto, lo mejor es que lo escuchen (y lo vean):

James Blake – “Overgrown”

Si The Knife han ascendido a un nuevo nivel, James Blake mantiene el nivel, que no es moco de pavo. El niño prodigio londinense no se aparta de los esquemas planteados en su disco de debut para entregarnos un disco redondo. Blake aplica eficazmente elementos de bass music a elegantes composiciones soul donde su voz juega un papel cada vez más fundamental. En un mundo perfecto, esto sería mainstream.

The Haxan Cloak – “Excavation”

Y dejamos lo “chungo” para el final. The Haxan Cloak planta cara a la escudería Blackest Ever Black con un disco de negrura extrema que tira tanto de sonidos sintéticos como de instrumentos clásicos. “Excavation” deja un regusto a banda sonora de película maldita que por desgracia nos es muy cercana. Tomando el testigo de lo que Raime fue en la temporada pasada, pero con un estilo propio.

Daft Punk saca nuevo disco y la peña está como loca. Nadie parece acordarse de que  “Human After All” (2005) fue un LP regulero con apenas un par de temas decentes, ni de que la banda sonora del “Tron: Legacy” (2010) supusiera una tremenda decepción a juego con el hype que levantó los meses precedentes a su lanzamiento. Para pillar a los robots franceses en su máximo esplendor tenemos que remontarnos a 2001, a su celebrado “Discovery”. Lo posterior ha sido, fundamentalmente, vivir de rentas, 12 años nada menos, 12 años musicales del musicalmente hiperacelerado siglo XXI. ¿Como es posible que hayan mantenido tanto tiempo la atención del público, que nos olvidemos de sus tropiezos previos y que surja de nuevo una expectación alrededor de su trabajo como si de la segunda venida de Cristo se tratase?  Basta observar la portada de “Random Access Memories” para obtener la respuesta.

Independientemente de sus logros y fracasos musicales, los Daft Punk han sabido cultivar una imagen pop altamente carismática y sofisticada: sus máscaras de robot, su logo bordado sobre cuero, sus videoclips dirigidos por primeras figuras del gremio, “Interstella 5555”, “Electroma”… Daft Punk son, antes que nada, coolerrimos. Tal cosa, en los tiempos que corren, los pone por encima del bien y del mal, los hace absolutamente irresistibles entreguen lo que entreguen.

Ellos han manejado su “coolidad” como muy pocos han sabido hacerlo. Tan finamente la han gestionado que incluso han puesto su condición de músicos en segundo plano para reforzar su imagen: “Electroma” no incluye ni un solo tema de Daft Punk; ante las acusaciones de “saqueo sampler” extremo, más chulos que un ocho se sacan de la manga “Discovered”, un recopilatorio-tributo a los temas que han sampleado a discreción; y ahora escogen “Get Lucky” como primer single de su nuevo LP, dando el  protagonismo absoluto a  Pharrell Williams… eso sí, con un videoclip en el que ellos quedan como Dios en background tocando bajo y batería.

En fin, que se lo han sabido montar muy bien. Personalmente no me espero nada musicalmente extraordinario de “Random Access Memories”, pero ole por ellos y por las alegrías que han proporcionado a los fanáticos de lo pop. Daft Punk Forever!!!

Desde que el cine de superhéroes lo peta, no deja de comentarse que el cómic ha perdido mucha ventaja respecto al séptimo arte en lo tocante a traducir a imágenes sin ningún tipo de limitaciones todo aquello que pase por la cabeza de los creadores, o dicho de otra manera, que los avances técnicos en el audiovisual han conseguido con gran verosimilitud,  poner en movimiento y en “imagen real” cosas hasta ahora reservadas al arte secuencial o al cine animado. Ya no hay nada que tras aparecer en un tebeo, no pueda ser replicado cinematográficamente con el plus del realismo y el movimiento… ¿O no?

Técnicamente, todo es posible, pero piensen en tebeos como “La Casta de los Metabarones”, “The Authority”, “El Héroe” o “Flex Mentallo”. Independientemente de los problemas de traslación de lenguajes entre medios, esos tebeos jamás podrán ser llevados al cine sin perder lo que les hace grandes, porque contienen elementos que la industria cinematográfica  jamás verá admisibles en una superproducción. No es concebible para los estudios gastar cientos de millones de dólares en una producción donde aparezcan monjas-puta, naves espaciales pilotadas con la polla, superhéroes que matan al presidente de los EEUU por pura justicia planetaria, una Wonder Woman practicando juegos sadomasoquistas con un Hércules adolescente o un maromo en taparrabos lidiando con cuestiones metafisicoligüísticas. Hablando mal, no hay huevos… y a la adaptación cinematográfica de “Gantz” me remito.

Pero tampoco hace falta irse a ejemplos tan “caros” como los mencionados . Sin ir más lejos, “La Gran Odalisca”, un tebeo de acción y robos elaborado a 6 manos por Bastien Vivès, Florent Ruppert y Jérôme Mulot, es poseedor de una sensibilidad que difícilmente podremos ver en una gran producción cinematográfica de acción y robos.

En primer lugar, el tebeo emana feminidad. Las protagonistas son mujeres y actúan como mujeres, algo muy poco común en un género consumido mayoritariamente por un público masculino que no busca precisamente la sutileza. Vamos, que lo que verán en este cómic está en las antípodas de, por ejemplo, “Los Ángeles de Charlie”. Vivès y compañía trabajan los momentos de pausa con suma delicadeza, aportando una dimensión emocional a sus protagonistas que dota de significado a las secuencias acción.

Por otra parte, y quizá esto sea lo realmente prohibitivo para una superproducción, los personajes principales se mueven en unos parámetros conductuales de hedonismo y ambigüedad moral. Los autores no se escudan en el robo “de guante blanco” para que sus chicas nos caigan simpáticas; ellas ante todo pretenden huir del aburrimiento, aunque para ello tengan que poner en peligro sus vidas o las de cualquier inocente que se cruce en su camino. Aún así, enamoran.

Sumando ambas cualidades, “La Gran Odalisca” se erige como un canto a la libertad, la diversión y la despreocupación. Un canto compartido por autores y personajes que contagia al lector. ¿Puede darnos tal cosa el cine? Por supuesto que sí, pero desde luego no con helicópteros derribados por bazookas y moto-acrobacias en los pasillos del Louvre de por medio.

Pues eso, que mis estanterías están a punto de petar y tengo que deshacerme de material. Razón aquí.

Como parte de los fastos de este décimo aniversario, el ilustrador Pete McKee ha rediseñado y puesto a la venta los carteles de 10 producciones de la susodicha firma. Aquí los tienen:

Se dice que el buen cine de género fantástico y de terror captura los miedos cotidianos y los hace pasar por el prisma de la ficción para presentarlos al espectador en una forma que invite al entretenimiento y/o la reflexión. Ciertos campos del temor humano han sido concienzudamente explorados por la vía fantástica, pero existe un escenario en el que pienso queda aún mucha leña por cortar: el entorno laboral.  Casi todos los seres humanos nos pasamos trabajando la mayor parte del día, nos guste o no lo que hacemos, y muchísima gente comparte más horas de su vida con los  (impuestos) compañeros de trabajo que con su propia familia y allegados. Semejante panorama puede convertirse en un verdadero martirio del que, paradójicamente, tememos ser arrancados. No hay miedo cotidiano más arraigado y realmente acechante en nuestros días que el de perder el empleo. Pese a todo, no muchos realizadores de género aprovechan el filón que ofrecen estos asuntos. Brad Anderson sí lo ha hecho.
 

Tanto “Session 9” como la más mediática “El Maquinista” (con ese Christian Bale cadavérico) internan al currante en odiseas obsesivas filo-lynchanas. Obviamente, Anderson no es Lynch ni lo pretende; lo suyo es menos ambicioso, menos auteur y mucho más torpe, pero por lo menos con esos dos films pudo desviarse de los transitadísimos caminos por los que discurren realizadores de su mismo estatus, esos que tanto prestan su oficio para dirigir episodios sueltos de series de TV por aquí y por allá como para tomar las riendas de alguna que otra producción cinematográfica de género con vocación comercial y presupuesto moderado.

Recuerdo que fui a ver “Session 9” con una idea preconcebida totalmente errónea respecto a lo que me iba a encontrar. Un realizador desconocido desarrollando una historia apoyada en tres elementos base: un equipo de descontaminación, un gigantesco hospital psiquiátrico abandonado que hay que descontaminar y unas cintas de sesiones de un caso terrible todavía almacenadas en los archivos del edificio. Tufaba a convencional peli de casonas malditas, llena de sustitos y apariciones, si acaso con un toque  “Resplandor”; sin embargo Anderson fija su atención en los trabajadores, en su mecánica de grupo, en sus rencillas internas, en sus aspiraciones individuales y sobre todo en sus preocupaciones económicas: deben trabajar rápido y bajo presión, a costa de su salud y su seguridad para cumplir el plazo fijado y evitar que la empresa eche el cierre.

El edificio enfermo es simplemente un catalizador que acelera los hechos, no el causante de los mismos. El componente sobrenatural no aparece por ningún lado, los sustos baratos tampoco, simplemente se va generando poco a poco una sensación descorazonadora y alienante de que todo va realmente mal y terminará en una inevitable catarsis.  “Session 9” cobra hoy una relevancia que no tenía cuando se estrenó en 2001.

Lo de Dominick Fernow el año pasado ha sido de traca. Sumando sus proyectos Prurient y Vatican Shadow, el tío se ha sacado de la manga al menos una decena de referencias a lo largo de 2012. He picoteado bastante en ese material, pero he de admitir que no me entró tan bien como lo hizo “Bermuda Drain”, el LP de Prurient editado en 2011 que me abrió las puertas del sombrío universo de Fernow. En ocasiones, dicho material se volvía un poco (o mucho) más ruidoso, obsesivo y repetitivo de lo que estaba dispuesto a aguantar. En seguida me di cuenta de que realmente “Bermuda Drain” era un poco la excepción que confirma la regla respecto al trabajo de Fernow, la pieza más accesible de un opus extremo y marginal.

Pues bien, parece que el espíritu “Bermuda Drain” ha vuelto con “Through the Window”, el estreno en largo de Prurient en el sello Blackest Ever Black. No se equivoquen, un Fernow “suave” sigue siendo más bruto que la mayoría de los que van de radicales, pero  con esta presentación, su idiosincrasia es aceptable dentro de los parámetros de no-marginalidad sónica en la que nos movemos casi todos los oyentes.

3 temas le son suficientes para completar un LP de duración estándar. 3 temas oscuros a la vez que  adrenalínicos donde sonidos básicos y limpios de sintetizador cobran un nuevo significado a juego con la mente que les ha dado forma.

“The Private Eye”, el secretísimo proyecto en el que andaban metidos Brian K. Vaughan, Marcos Martín y Muntsa Vicente ha visto la luz, y me ha dejado  gratamente sorprendido.

Sorprendido no solo por su lanzamiento así de sopetón, solo un par de días después de que empezaran a salir las promos. Tampoco la principal sorpresa ha sido el modo de comercialización elegido por los autores, que ofrecen el tebeo únicamente en formato digital, fuera de cualquier gran plataforma de cómics online y bajo el modelo “paga lo que consideres justo”. Lo que realmente me impactó fue el concepto sci-fi bajo el que se desarrolla: tras un traumático evento relacionado con Internet, en el futuro, el celo por conservar la intimidad alcanza cotas impensables en nuestro “aquí y ahora”. Las leyes se endurecen contra aquellos  que quieren saber más de la cuenta sobre su prójimo, quien más quien menos lleva máscara y se da a conocer a través de un alias… Internet está prohibida. Me encanta el concepto, porque es de una clase realmente rara de encontrar en la ciencia ficción: una distopía anti-tecnológica.

Con ficciones como “Black Mirror” o “Utopia” petándolo, resulta gozosamente refrescante que “The Private Eye” nos recuerde eso de que el sueño de la razón produce monstruos, que el abuso de la tecnología tiene una parte (muy) oscura, pero tampoco es la panacea hacer caso a los que se oponen rotundamente a ella y a los nuevos modos de vida que produce su uso.

Metiéndonos en el apartado gráfico, decir que el soporte visual que Marcos Martín da a los conceptos que se manejan en el tebeo es magnífico. Secuencias de acción, arquitectura, interiorismo, vestuario (el tema máscaras da mucho juego)… Un solo episodio le ha bastado para sumergir totalmente al lector en ese extraño mundo.

En fin, que estoy deseando leer el segundo capítulo. Aquí tienen el primero, puede descargarse en inglés, español y catalán, gratis o previo pago de lo que consideren justo.

“La Cena” de Herman Koch

Cuando comento esto en público, son más los que están en desacuerdo conmigo que los que me apoyan. Dicha tendencia es extrapolable a la totalidad. A la vista está el éxito de ciertos destinos (Caribe, Sudeste Asiático, Costa Africana) comercializados en paquetes vacacionales que ofrecen un lujo desproporcionado respecto a su precio. Por algo será, pero la abstracción manda. Aprovecha una buena oferta, disfruta y no preguntes. Hakuna matata. Pues bien, a partir de ahora, a los que no comprendan/compartan mi punto de vista les recomendaré encarecidamente “Paradies: Liebe” (“Paraíso: Amor” en español), la última peli de Ulrich Seidl.

El film, primera y única parte estrenada hasta el momento de una trilogía conceptual, cuenta las aventuras de Teresa, una señora austríaca entrada en años (y en carnes) que se va de vacaciones a Kenya  en busca de relax, sol, playa… y un negro que le dé “mandanga de la buena”. Quien conozca la obra previa de Seidl, ya intuirá con lo que se puede encontrar a lo largo del metraje: imágenes muy en crudo de lo que se está narrando, auténtica cara B de lo que muestran los folletos de las agencias de viajes y las fotos que la gente cuelga en Facebook. Resorts dotados de barreras y seguridad privada, y masas de gente local apelotonada ante esas barreras, esperando vender lo que sea a los turistas que salgan a dar un paseo. Turistas con una alta capacidad de autoengaño y lugareños dispuestos a aprovecharse de ello sin reparar en degradación propia.

En definitiva, Seidl expone con perturbador verismo las consecuencias del choque entre individuos de opuestos status económicos. El resultado: la cosificación mutua. Ambos acaban convertidos en objetos, eso sí, cada uno con su funcionalidad y su modo de uso. Al final todos salimos perdiendo.

Tráiler:

Este fin de semana se está celebrando un evento ya clásico previo al lanzamiento de un nuevo LP de Autechre. Desde el año 2005 (coincidiendo con la salida de “Untilted”) Los de Rochdale acompañan el estreno de sus nuevos trabajos con un monstruoso DJ set de varias horas de duración emitido vía internet. Para “Exai”, que sale oficialmente el martes, han preparado dos sesiones de nada menos que 12 horas cada una. Pueden escuchar la segunda de ellas “en vivo” a partir de las 21:00 aquí, aunque es de esperar que en los próximos días aparezcan versiones descargables (en cuanto las localice, actualizo el post).

Los broadcasts de Autechre son de gran interés para los fanáticos del dúo por el hecho de oírlos trabajar extensivamente con material ajeno. No solo podemos comprobar como se desenvuelven fuera del ámbito creativo de su propio material, sino que dan pistas sobre las influencias que manejan para elaborar su música, que, hablando claro, parece apartada de cualquier influencia que no sean los propios Autechre.

A continuación, les dejo los links de descarga de dos de los tres  sets producidos hasta anteayer, más las lista de temas incluidos en cada uno. Me falta el primero, el de 2005. Si algún alma caritativa lo tiene en su poder, por favor, que se ponga en contacto conmigo; yo no lo he podido encontrar:

autechre.ws 12hr Broadcast 2008-02-23 (tracklist) (descarga)

autechre.ws 12hr Broadcast 2010-03-02 (tracklist y descarga)

Musicalmente hablando, uno de los grandes acontecimientos del año 2008 fue el llamado “retorno del trip-hop”. Lo pongo así, entre comillas, porque realmente ese titular era sostenido únicamente por tres lanzamientos ofrecidos por destacadas figuras “del ramo” que llevaban como mínimo un lustro en sequía discográfica.

El más sonado, sin duda, fue el regreso de Portishead con su aclamado “Third”, un LP que dejó claro que eso de las etiquetas no iba con los de Bristol: un poco a trip-hop si que sonaban todavía, pero sobre todo sonaban a ellos mismos con una década más de experiencia musical acumulada que les sentó muy muy bien. Lo de Tricky no hizo más que confirmar lo que todo el mundo intuía: sus tiempos de gloria terminaron a la vez que el siglo XX y no volverán jamás; “Knowle West Boy” fue un episodio más de tricky-batiburrillo que poco tenía que ver con cualquier cosa producida por este señor en los noventa. Así pues, para encontrar ese revival triphopero del que tanto hablaba la prensa tendríamos que irnos al menos mediático de los lanzamientos de la terna anteriormente citada: “Blood, Looms and Blooms”, de Leila.

Pese a moverse más en la esfera de la “electrónica avanzada” (Warp, Rephlex…) que en la del trip-hop, la productora anglo-iraní entregó un disco que daría el pego si te dicen que salió al mercado en 1998 en vez de en 2008, con todo lo bueno y lo malo que eso conlleva.

En lo positivo, el hecho de poder escuchar un buen disco de un género semiolvidado e incluso denostado por ese aparato hipster que regula a un ritmo acelerado lo que está in y lo que está out en tendencias musicales. Lo malo: un poco siguiendo esa culto hipster hacia la novedad, lo cierto es que el disco no ofrecía nada nuevo y pasó absolutamente desapercibido en medio del marasmo post-dubstep que se estaba cociendo aquel año, pasando así sin pena ni gloria por la memoria musical de los años 0. Sea este post mi pequeñísimo granito de arena para evitar que caiga en el olvido.

Sexta edición del Big Culo Day. Esto ya no hay quien lo pare!.

Mi contribución cular de este año va dedicada a Adam Warren (un auténtico maestro en cuanto a culos comiqueros se refiere) y a su más glorioso personaje: Empowered (Emp para los amigos), protagonista de la serie homónima  publicada por Dark Horse.

Tenemos ante nosotros una digna sucesora de la Wonder Woman de William Moulton para el siglo XXI. “Empowered” es la fantasía damsel in distress definitiva. Se lo explico: Emp  tiene un supertraje que le otorga grandes poderes. Ella pone esas fantásticas habilidades al servicio de la lucha contra el mal. Todo muy bonito, pero vayamos a los detalles inconvenientes: El trajecito es ultrafino y ultraceñidísimo, lo cual además de marcar todo (desde bragas a vello púbico), acentúa el complejo de “culogordo” que atormenta a la pobre chica. Para más inri, el puñetero uniforme es extremadamente frágil, y una pequeña rotura implica una pérdida importantísima de sus superpropiedades. Como resultado de todo esto, por menos de nada  la sufrida Emp se quedará semidesnuda e indefensa en medio de la acción, convirtiéndose instantáneamente en víctima de captura por parte de los malos y viéndose sometida a los mas variopintos y humillantes métodos de restricción de movimientos que se puedan imaginar. He aquí pues, algunas de las escenas más espectaCULARES de este glorioso tebeo:

“Sed de poder. Sed de dinero. Celos. Todas las cosas que nos hacemos los unos a los otros. En última instancia todo está relacionado con el sexo. Pero el sexo produce bebés. Si miras a un bebé es la cosa más pura del mundo. La mejor. Totalmente inocente. ¿Cómo concilias eso?. Tanta perversidad en nombre de la creación de inocencia. ¿No te parece algo equivocado?”

El párrafo de arriba pertenece a la novela “Luther: El Origen”.  Lo pone Neil Cross en boca de John Luther, el ya célebre personaje televisivo interpretado por Idris Elba.  No se engañen respecto a esta precuela en prosa, no estamos hablando de un (sub)producto derivado al uso: Cross es el creador de “Luther”, guionista de todos los episodios de la serie, y lleva años escribiendo novela negra muy muy turbia. La que nos ocupa no es una excepción. Inmersión en el abismo asegurada. Avisados quedan.

Pese a las malas vibraciones que me produjeron los trailers y avances varios de “Django Desencanado”, lo cierto es que la última de Tarantino me ha gustado mucho. No voy a escribir nada sobre ella, pues todo lo que cuente no va a ser más que una mala versión de algún fragmento de éste, el texto definitivo  sobre la peli escrito por Absence , el cual les recomiendo leer ahora mismo. Lo que sí quisiera, aprovechando el eco que ha dejado el film en lo que respecta a la temática “la venganza del esclavo”, es reseñar el el tebeo “Atar Gull, o el destino de un esclavo modélico” de Fabien Nury y Brüno.

Si Tarantino echó mano del western y la cultura pop Black Power como herramientas de trabajo, Nuri y Brüno tiraron de adaptación directa de la novela homónima escrita por Eugène Sue y publicada por entregas en Francia durante 1831. Aunque estas dos obras y sus respectivos autores no están interconectados de ninguna manera, la cercanía en el tiempo del lanzamiento de ambas en el mercado español da lugar a un curioso díptico en el que Atar Gull podría verse como el reverso tenebroso de Django. Es más, podríamos considerar al personaje  como la unión “sacrílega” entre Django y su “némesis negra” Stephen (el aclamado personaje que interpreta Samuel L. Jackson en la susodicha peli).

El agradable estilo gráfico de Brüno, sintético y de suave gama cromática, contrasta con la crudeza de una historia que rezuma fatalidad. En la primera parte, la captura, transporte y venta de Atar Gull nos da a conocer una serie de personajes que forman parte de la maquinaria esclavista de la época. Lo más interesante de este capítulo es la exhibición que allí se hace de “El Mal” en todos sus grados de transparencia. Desde el autoconscientemente despiadado pirata que ofrece “mercancía” a bajo precio obtenida vía abordajes en alta mar hasta el “amo bueno” pagado de si mismo por el “buen trato” que proporciona a sus posesiones.

Pero es en la segunda parte donde está la chicha del tebeo. Donde Atar Gull ejecuta su sibilina y autodestructiva venganza. Una venganza en la que su imponente físico no tiene arte ni parte. Para llevarla a cabo se sirve únicamente de su torturada y afilada mente, desechando toda opción que no maximice el grado de dolor infligido sobre sus víctimas, aún a costa del suyo propio.

Vamos, una historia de “mala sangre” con todas las de la ley, con el atractivo de que el papel de chungo-chunguísimo recae sobre un personaje tradicionalmente presentado como víctima. Por no decir que resulta revelador ver como ahora, a principios de siglo XXI, con la esclavitud abolida, los comportamientos y actitudes de los personajes del libro encuentran paralelo en nuestro día a día. La verdad, invita a reflexión.

Empezamos fuerte la sección: 400 y pico páginas de bestseller erótico femenino, nada menos. La novela que hizo emerger las practicas S/M al mainstream, la que ha establecido una conveniente simbiosis con el formato ebook (ahora ya no hay que forrar el libro para leer en el metro) y la que ha acuñado el término “porno para mamás”.

Dado mi absoluto desconocimiento del género erótico-romántico  para mujeres, mi autoridad para hablar sobre el tema es nula, pero ahí va mi conclusión principal: en “Cincuenta Sombras de Grey”, el sexo es el reclamo, pero “la chicha”, lo que impulsa al personal a seguir leyendo, es la parte romántica. Y en cuanto a lo de “para mamás”, no sé… no dudo que las mujeres de mediana edad lean en masa el libro, pero el target en cuanto a franja de edad está muy claro: entre los veintipocos y los treintaimuchos.

Para explicarme, primero les hago una sinopsis express de la novela: Anastasia, universitaria inocente y amante de la literatura, conoce a Christian Grey, el chico perfecto: guapo , educado, culto  e inmensamente rico. Flechazo mutuo. Tonteo. Christian confiesa  a Anastasia sus tendencias sadomasoquistas. Anastasia se asusta. Christian le propone que se convierta en su “esclava”. Anastasia duda. Jugueteos sado-soft. Anastasia se ralla: le gusta Christian, pero no el sado. Anastasia descubre que detrás de la coraza de éxito de Christian se esconde un juguete roto. Ralladuras: ¿paso por el aro o lo dejo?. Folleteo. Ralladuras:¿me gusta o no me gusta lo que me hace?. Folleteo. Ralladuras: ¿por que no abre sus sentimientos y saca la mierda para fuera?. Folleteo… y así. El final no lo cuento ni lo sé, porque, realmente el libro termina con un cliffhanger, a resolverse en las siguientes entregas que, por descontado, no leeré.

Visto esto, les digo que las partes “folleteo” son, desde mi (masculino) punto de vista absolutamente aburridas y antieróticas, de parodia de novela rosa. El resto del texto, básico, plano e impersonal, como escrito con la asistencia  de un programa informático para componer novelas. Pese a todo, de allí se puede extraer cierta cantidad de verdad, cierta intuición del “estado de las cosas”. Si hacemos un pequeño ejercicio de abstracción y eliminamos el “problema del sado” (recalco el entrecomillado)   sustituyéndolo por cualquier otro elemento de incompatibilidad entre chico y chica, nos encontramos con un esquema argumental con el que muchas mujeres se pueden sentir identificadas: Aguantar “carros y carretas” por seguir con alguien (“¡antes eso que vivir sin él!”), el problema de la pareja que no se abre, el desafío/fantasía de arreglar a un hombre “roto”… No me malinterpreten por la vía feminista, estos comportamientos pueden darse en sentido inverso, pero seguro que la mayoría de los casos que conocen son de protagonista femenina. En ese sentido, la identificación entre la lectora y Anastasia puede llegar a ser muy intensa, mucho más “enganchante” que los aburridos pasajes eróticos. Pero bueno, a lo mejor (probablemente incluso) estoy equivocado.

Volvamos ahora a ese contenido erótico. Su principal problema es que deja poco espacio para la fantasía. Pese a que la autora juega con conceptos tan propicios para ello como el sadomasoquismo, todo en el libro está supeditado a la más estricta corrección política y consentimiento mutuo: no hay arrebatos de violencia ni la más mínima dosis de abyección, todo ocurre bajo estrictos estándares morales y legales. Da la impresión que la autora no es consciente de que en las fantasías puede ocurrir de todo (y de hecho, para eso están)… o a lo mejor es que lo que nos muestra es lo mas fuerte  que su poco-sucia imaginación nos puede ofrecer. En cualquiera de los dos casos, muy mal. Más mal todavía al ver como maneja las tendencias sádicas de Grey: sus ansias dominadoras y sus ganas de proporcionar dolor tienen  origen en un grave trauma infantil-juvenil que todavía no se aclara totalmente en la primera parte. Los tenderos de las sex-shops estarán contentísimos con los advenedizos que irán a comprar juguetitos  para replicar en su casa lo que leen en el libro, pero a la comunidad S/M no creo que le haga puta gracia como quedan allí retratados.

En resumen: literariamente pobre, eróticamente nulo y conservador, pero da una intuición de como está el patio (chicas, no me lapidéis, ¡ni de lejos pretendo insinuar que os representa a todas!) y no me arrepiento en absoluto de haberlo leído.

Aprovechando que estoy metido en un club de lectura, y la lectura en curso cumple a la perfección las autoimpuestas normas de la sección, utilizaré ese material para el primer post. En breve en sus pantallas. Una pistita: