David

Prometheus

Prometheus Poster

[AVISO: el texto que sigue no contiene más SPOILERS de los que se pueden intuir en el tráiler e imágenes promocionales del film a tratar. Aún así, a los que quieran ver la peli con la mirada absolutamente “limpia”, les recomiendo que lo dejen para después de ir al cine]

Durante el visionado de “Prometheus”, un título alternativo para el film se iba haciendo cada vez más nítido en mi cabeza: “Zona 84: La Película”. Observen:

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Prometheus

Prometheus

Prometheus

Prometheus

Prometheus

Sé que estas imágenes deberían remitirme a la imaginería instaurada por la saga Alien a lo largo de sus más de 30 años de historia, con los diseños de Giger y la estética espacial anti-2001 como principales señas de identidad. Sin embargo, unidas al guión no dejo de ver en ellas un eco del material de Corben, Moebius, Giménez, Chichoni o (por qué no) Segura y Ortiz que nutría las páginas revistas de cómic europeo allá por los 80 y primeros 90.  No estoy descubriendo la pólvora: la conexión entre esos autores y “Alien” es evidente; algunos han sido fuente de inspiración para el film original, y muchos otros integraron con fuerza los hallazgos estéticos del mismo en su ADN artístico (el caso Giménez-Giger, el más evidente de todos).

Mondo Toutain

Pero “Prometheus”, con su cambio de tono conceptual respecto al resto de la saga, refuerza ese vínculo a niveles insospechados.  Como en aquellos tebeos, la factura visual  es simplemente acojonante, elegantísima en todos los sentidos; sin embargo, la historia carece de una sofisticación pareja, es material de derribo con cierta tendencia al gamberrismo y la serie B. Quizás le falta un poco de explicitud sexual (esas ridículas braguitas y taparrabos, ¡¡Corben no los aprobaría!!), pero en el resto de aspectos, esta peli es el sueño húmedo de todo aficionado a las revistas de comic de ciencia ficción ochenteras.

Por Dios, que nadie tome estas impresiones mías como algo denigrante hacia la película. Precisamente gracias a ese gamberrismo, puedo decir que “Prometheus” es el primer film que juega la baza “¿Quiénes somos?/¿De donde venimos?” y sale realmente bien parado. Donde otros ofrecen soluciones en forma de luces de colores y alienígenas flacuchos a contraluz (de lo de “Contact” mejor ya ni hablar), el que nos ocupa nos entrega horror, confusión y carnicería. ¡¡¡Por fin respuestas convincentes!!!.

A todo esto, el 3D vale mucho la pena (gracias Marcus por el aviso). No es tan enfático como el de “Avatar”, pero su calidad es pareja. Scott es capaz de mantener su supremacía visual también en formato estereoscópico; incluso la luminosidad de la proyección estaba perfectamente compensada para evitar el  típico “efecto gafas de sol” de las lentes polarizadas. Olvídense de malas experiencias y vayan a verla en este formato, ya habrá tiempo para revisarla en 2D en casa.

Década 0, Cara B (Intro)

Los habituales del blog sabrán que el rollito nostálgico no es algo que se estile demasiado por aquí, más aún desde que di por finalizada la exitosa (dentro de los baremos minoritarios de éste espacio) sección Top30. Pues bien, me he dado cuenta que echo de menos eso de revisitar el pasado de vez en cuando, y he estado dándole vueltas a cómo orientar conceptualmente una nueva serie de posts retro. Creo que he dado con la clave.

Para llegar a “Década 0, Cara B” he tenido en cuenta las siguientes ideas que flotaban en mi cabeza:

  1. La primera década de los dosmiles ha pasado en un plis.
  2. Dicho periodo ha sido, más que ningún otro, de hipertrofia (sub)cultural: nunca antes ha salido tanto material ni hemos tenido tan “libre acceso” al mismo.
  3. Todo “caduca” y queda olvidado con mayor rapidez que antes.
  4. Por consiguiente, el canon (sub)cultural de los 00’ ha dejado fuera un montón de cosas que quizás mereciesen más atención de la que se les dio en su momento. Cuasi-ninguneadas por la avalancha de “buena mierda” que nutría las infinitas listas de “lo mejor de…” elaboradas cada fin de año, que al fin y al cabo, fueron las que establecieron dicho canon.

Conclusión: en un arrebato de nostalgia express, reseñaré material de la década 0 que a lo mejor no ha llamado demasiado la atención, pero al menos yo lo he disfrutado bastante en su momento. De paso, previo a la escritura del post correspondiente, revisitaré dichas obras para comprobar cómo ha pasado el tiempo sobre ellas desde el prisma de mi propia experiencia. 

Un vistazo a lo que viene:

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Beowulf

WebComics! (III)

[Sin título] de C.F. 
Los que aún  se estén pensando lo de entrar en el universo líquido-mutante-surrealista-primitivo de “Powr Mastrs”, pueden probar con esta historia corta que su autor, Christopher Forgues ”C.F”., realizó para la (estupenda) sección de cómics de la revista Vice. Saldrán convencidos.
Vice Comics - CF

“It came in the night” de Jonny Negron
También en Vice podemos encontrar material viñetero de Jonny Negron. Sus maravillosas ilustraciones de señoritas entradas en carnes circulan profusamente por la red, pero no ocurre lo mismo con sus historietas, publicadas en formato “fanzine” y difíciles de conseguir si no se está muy al loro de cuando las pone a la venta (vuelan!). A la espera de que PictureBox saque el primer recopilatorio dedicado al autor, podemos ir abriendo boca con esta microhistoria en dos  partes.   Jonny Negron - It come in the night

“DEATH-DAY” de Sam Hiti 
Sam Hiti nos trae con su particular versión de las guerras coloniales interplanetarias a las que el cine nos tiene bien acostumbrados con “Aliens”, “Starship Troopers” o “Avatar”. El autor lleva trabajando febrilmente en el tebeo desde 2009; cuatro episodios y un prólogo de lectura fluida y tremenda extensión.. a saber cuántas páginas físicas ocupa semejante monstruosidad. El primer recopilatorio en papel (o en PDF, si quieren hacer una pequeña contribución)  puede comprarse aquí.  
Sam Hiti - DEATH-DAY

Como en el primer capitulo de la sección, cerramos el post con música. Resulta que C.F., al igual que su colega Brian Chippendale, forma parte de la cuadrilla de artistas del radical sello Load. Opera bajo el pseudónimo Kites, y suena así de bruto:

Kites – "Peace Trial"

Radiohead Live

Optimus Alive 2012 - Radiohead

Si existe hoy una banda a la que se le puede poner el adjetivo de única, esa es sin lugar a dudas Radiohead. Las puede haber más o menos famosas, y más o menos atrevidas en sus planteamientos musicales, pero tengan por seguro que nunca más en la historia de la música popular alguien de idiosincrasia similar a la de Yorke, Greenwood y compañía alcanzará un nivel de popularidad parecido al que ellos disfrutan.

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Radiohead: then and now

El momento clave para entender esta situación tiene fecha bastante concreta: el lanzamiento de “Kid A” en el año 2000. Los de Oxford habían arrasado cuatro años antes con el excelente “OK Computer”, un disco que se desmarcaba definitivamente del aire brit pop (imperante en aquella época) con el que habían comenzado su carrera y del que iban renegando poco a poco. Con “OK Computer” forjaron un éxito a contracorriente, abriéndose un camino musical digno de ser explorado en próximos lanzamientos; pero contra todo pronóstico (y pese a los precedentes), lo que siguió fue suicida: un disco cercano a la electrónica avanzada y al krautrock, digno de ser presentado en los ambientes menos fiesteros del Sónar, con el que ni de coña iban a ampliar la masa de seguidores cosechada con los tres LPs anteriores. De eso hace ya doce años; en ese lapso de tiempo han hecho lo que les ha apetecido, el mito ha crecido y la fama como mínimo no ha decrecido. Lo que ellos tienen no lo tiene ni tendrá nadie: la capacidad de llenar enormes aforos con un repertorio que  tiende cada vez más  a lo minoritario y experimental.

[media id=58 width=450 height=24] Radiohead – "Bloom"

[media id=59 width=450 height=24]Radiohead – “The Gloaming” (Live from the basement)

[media id=62 width=450 height=24]Radiohead – “Idioteque” (Live in Praha)

El domingo pasado he podido comprobar en carne propia lo que cuento en los párrafos anteriores: 55.000 personas vibrando con temas como “Bloom”, “The Gloaming”, “Everything is in the right place” o “Idioteque”. Me voy a ganar enemigos con lo que sigue, pero lo suelto: para calentar a semejante masa de público, gente como The Killers, Coldplay o Bruce Springsteen tienen que tirar de baladita, épica barata o mensaje populista. Estos pueden reunir decenas de miles, pero no como lo hace Radiohead.

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De todas formas, la banda es consciente de lo que demanda el público, y aunque el grueso del setlist estuvo compuesto por material de los dos últimos discos, dejaron para el final algunos hits del “OK Computer”, “Kid A” y “Amnesiac”, probablemente la “sagrada trilogía” por la que serán recordados. Eso si, de sus inicios casi nada (un tema de “The Bends” creo). En un concierto como el que dieron el día 15, “Creep” ya no tiene cabida.

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Sobre el escenario quedó claro que la esencia de la banda está en dos individuos: Thom Yorke, excelente frontman con una voz y lenguaje corporal sui géneris que no se priva en pegarse bailecitos rarunos; y Jonny Greenwood, eminencia musical con gran bagaje fuera de la banda, que no tuvo problemas a la hora de llevar a directo sus ingeniosas bases y miniaturas rítmicas.

[media id=63 width=450 height=278]Radiohead – “Exit Music (for a film)” @Optimus Alive 2012

En lo que a mi respecta, nunca había asistido a un evento de tales dimensiones y la verdad es que acojona un poco verse en medio de semejante marabunta de gente. Aún así primó la tranquilidad en un público multigeneracional de actitud animada, pero sin el enfervorecimiento que según me contaron se da en actuaciones de bandas con fandom mucho más groupie y/o radical. Soy más de espacios pequeños y fácil movilidad, pero Radiohead bien valió el “sacrificio”.

Into the Abyss

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Afortunados los que tengan cerca un cine donde se proyecte en 3D “La Cueva de los Sueños Olvidados” de Werner Herzog, yo no soy uno de ellos. Para una vez que la tecnología estereoscópica tiene una finalidad lírica más allá del puro espectáculo palomitero, la escasa distribución del film nos priva de experimentar el resultado a gran parte de la población. He podido verlo en casa, en tradicional 2D; me ha parecido fantástico, pero en ciertas secuencias queda claro que te estás perdiendo algo. No ocurrió lo mismo con “Into the Abyss”, concebido a la manera tradicional y ya disponible por “vías alternativas”, donde el excéntrico director alemán ofrece su punto de vista respecto a la pena capital en los EEUU a través de un caso real.

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Conroe, Texas, año 2001. A dos jóvenes “balas perdidas” se les antoja el coche de un conocido suyo y en el proceso del robo asesinan a 3 personas. Michael Perry, uno de los perpetradores es condenado a muerte y su socio, Jason Burkett, a cadena perpetua no revisable a condicional hasta el año 2042. En la primera parte del documental Herzog nos cuenta el crimen a través de entrevistas a los culpables, testigos y oficiales encargados del caso. No hay lugar a duda, pruebas irrefutables confirman que  Perry y Burkett lo han hecho. Tres vidas segadas y dos familias destrozadas porque un par de cabezas locas querían un coche que no era suyo. Herzog elimina de un plumazo el argumento “¿y si son inocentes?” de su alegato contra la pena de muerte. Deja al espectador rabioso ante lo ocurrido y con la sensación  de que esos dos se merecen lo que les echen.

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Herzog se pone a si mismo en una situación difícil para que aceptemos sus tesis anti pena capital, pero enseguida da la vuelta a ese primer acto con una devastadora segunda parte. En el desarrollo de nuevas entrevistas a familiares y amigos de asesinos y asesinados, nos damos cuenta de que a lo mejor el abismo al que hace referencia el título del documental no es el corredor de la muerte, sino la localidad de Conroe. La población se destapa como una sociedad borderline,  llena de dramas familiares, crimen, analfabetismo y fundamentalismo religioso, donde quien más quien menos tiene algún familiar en la cárcel. Herzog planta en nuestras mentes la terrible sospecha de que a los implicados en el caso (víctimas y verdugos) les ha tocado una macabra lotería fruto del ambiente viciado en el que han crecido, pero que en su sitio habían podido estar otros vecinos suyos, y el bombo sigue girando…

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Para terminar, Herzog se centra en el mecanismo de ejecución de la pena. Un proceso frio, absurdo, pulcramente documentado y absolutamente terrorífico que recuerda mucho a los procedimientos aplicados por los nazis en sus campos de concentración. Un proceso cuya mano ejecutora es en último término la de unos operarios públicos  convertidos en verdugos modernos.

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En definitiva, Herzog culmina con éxito otra de sus exploraciones sobre un territorio extremo, esta vez más psíquico que físico.

Tráiler:

King City

Brandon Graham - King City

Extraña decisión editorial la de Mondadori respecto al lanzamiento de “King City” en España: a través de su línea de bolsillo y con una etiqueta “bestseller” en la portada. Una estrategia como muy abierta al “gran público” para un autor como Brandon Graham, hasta ahora inédito por aquí y proveniente del ámbito indie  en los States, sin ningún “sleeper” superventas todavía en su haber.

La clave de esta anomalía podría encontrarse en la contraportada del tomo. Allí aparece impresa una cita laudatoria hacia el tebeo firmada por Bryan Lee O’Malley, cuya célebre saga “Scott Pilgrim” fue también editada en España por Mondadori en el mismo formato que la que nos ocupa. A lo mejor en la editorial han encontrado suficientes puntos de contacto entre ambas obras como para creer que repitiendo estrategia llegaran al mismo público . Y en parte no les faltaría razón…

King City #3 - Page 13

Tanto O’Malley como Graham han construido sendos universos hiperreferenciales con los que se demuestran voraces consumidores de cultura pop moderna, y sus personajes llevan un estilo de vida urbanita trash (camas deshechas, xbox conectada, comida basura..) que establece conexión rápida con su público. Pero mientras que en “Scott Pilgrim” prima el gag-referencia inmediato, en “King City” se nos propone un mundo denso e inabarcable, donde el lector es bombardeado con una miríada de conceptos sci-fi que bordean el surrealismo: desde gatos que pueden hacer de todo si se les inyecta el químico adecuado hasta restaurantes para caníbales, pasando por drogadictos que poco a poco se transforman en su propia droga. A King City parece haber llegado la cultura del vapor que profetizaba Alan Moore, componiendo un reflejo hipertrofiado de lo que ocurre ahora en el mundo: no somos capaces de comprender ni una fracción de lo que pasa a nuestro alrededor, pero tampoco nos preocupa demasiado mientras vayamos tirando pa’lante.

King City #2 - Page 8

Así, Joe, Anna y compañía se mueven por este territorio de pesadilla-maravilla con toda naturalidad, intentando resolver sus cosas en medio de conspiraciones lovecraftianas, organizaciones mafiosas intergalácticas y clanes de ninjas-buho. El contexto es denso, pero la trama es liviana, con espacios incluso para lo contemplativo. La Interzona de Burroughs habitada  por personajes de Cortázar.

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A nivel gráfico llama la atención la línea relajada  de un Graham que no tiene reparos a la hora de ponerse contemplativo. No es un Moebius o un Darrow capaz de mostrarnos su mundo futuro al mínimo detalle, pero gracias a una acertada composición y planificación, sus callejones, pasos elevados, mesas de restaurantes y pisos desordenados dan una visión muy precisa  de  King City, una ciudad que respira.

En definitiva, un tebeo muy recomendable que da una idea de hacia donde se dirige el medio, y que ojalá suponga el principio del desembarco en España de todos esos autores novísimos que lo están petando (en círculos minoritarios, eso si) al otro lado del charco.

Joe Rosas Remixed

KIRBY DOTS es un tumblr donde su anónimo dueño se dedica a colgar planchas o viñetas de comic-books pasadas por su particular set de filtrado photoshopero. Puro pop art de bajo coste.

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El caso es que viendo sus manipulaciones de color con tendencia a lo fosforito me doy cuenta de lo que se ha perdido con el advenimiento del coloreado infográfico. De justo antes de esa nueva era iniciada por Image Comics data el trabajo de Joe Rosas para los X-Men de Jim Lee. Podríamos decir que en esos tebeos se encuentra la cumbre de la técnica de coloreado e impresión “tradicionales” (entre comillas, pues la cosa estaba muy avanzada respecto a los primigenios años 30). Más limitada, menos cinematográfica, más multicolor, menos “tapadora” del dibujo y en término medio, bastante más orientada a lo narrativo. Un sabor que se va perdiendo con el establecimiento de nuevos maestros del photoshop narrativo (Laura Martin a la cabeza) y toda una cohorte de mediocres incapaces de sacar partido a las potentísimas herramientas de las que disponen.

En fin, les dejo unos ejemplos de Joe Rosas remezclado a-la KIRBY DOTS a ver si surge en ustedes la misma sensación:

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Actualización: Acabo de recordar que precisamente el número 1 de X-Men fue sometido a un proceso de recoloreado “más acorde con los tiempos” para su edición especial 20 aniversario. Un ejemplo perfecto de como han cambiado las sensibilidades cromáticas en la industria desde entonces. Saquen sus propias conclusiones (click sobre las imágenes para ampliar):

X-Men #1 - Page 14  X-Men - 20th Anniversary Edition - Page 15

Julia Holter (y la Ría de Vigo)

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Los responsables del festival SINSAL, no contentos con bendecir musicalmente a Vigo con algunos de los mejores artistas del panorama independiente/vanguardista/experimental a lo largo de los últimos años, cada vez parecen más empeñados en ubicar sus conciertos en enclaves de gran belleza, ofreciéndonos una experiencia sensorial que trasciende lo puramente sonoro. El pasado domingo han estrenado escenario: la terraza del auditorio Mar de Vigo, con impresionantes vistas a la ría y al puerto. Nadie mejor para inaugurarlo que la californiana Julia Holter, con una propuesta musical que parecía haber sido concebida para ser interpretada en ese lugar.

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En Holter confluyen una serie características que raramente podemos encontrar juntas:  clasicismo y tecnología, excelente técnica vocal, alto nivel creativo en estudio e igualmente alta habilidad a la hora de llevar esas creaciones  al directo, lo-fi y sonidos cristalinos… Conceptos muchas veces antagónicos en apariencia, pero que la artista ensambla con ingenio para crear su personal estilo.

Mientras caía la noche, con las gaviotas, la brisa y la puesta de Sol a sus espaldas, Holter ofreció una magnífica interpretación en vivo de su último trabajo, "Ekstasis”. Para ello solo contó con su teclado y la asistencia de un violonchelista y un percusionista, excelentes ambos, obteniendo entre los tres una atmósfera que poco tenía que envidiar a las trabajadísimas versiones de estudio de los temas. La coyuntura de tocar en exteriores no solo no perjudicó a la acústica sino que expandió todavía más las envolventes y etéreas texturas sonoras generadas por los músicos.

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En resumen: una reunión irrepetible entre lugar y artista que rozó lo mágico. Para que entren un poco en contexto, les dejo un video “casero” con la interpretación íntegra de “Four Gardens” , disculpas anticipadas por mis fallos de pulso:

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Citas Pop (XVIII): “Poyeya”

Creo que el principal atractivo de esta anécdota consiste en el clamoroso absurdo que emana de ella. Nadie entiende cómo Soraya llegó a pronunciar “poyeya” de un modo tan insistente y tan nítido. Nadie quiere pensar en ello. He podido comprobar que en lo referente al “poyeya” y las circunstancias de su aparición la gente ríe y hace burla, pero evita a toda costa analizar la aberración de la que se está mofando. Mi hipótesis sobre el “poyeya” es que Soraya lo articuló deliberadamente, pero no lo hizo para polemizar o llamar la atención, sino que fue producto de una técnica vocal desafortunada. Alguien de la academia de O.T. (o incluso ella misma en una libre interpretación de lo aprendido en las clases) le recomendó cantar las palabras “por ella” con una dicción peculiar a fin de lograr el efecto contrario del que finalmente obtuvo; es decir, Soraya intentaba vocalizar un “por ella” sublime, un “por ella” con dolby surround. Debieron de explicarle que dadas las características especiales del sistema de sonido y la algarabía que reinaba en la sala era mejor alterar la pronunciación de las palabras, idiotizarlas de alguna manera para que sonaran normales. Algo parecido a eso que dicen sobre el cine, que si quieres que una vaca filmada parezca realmente una vaca es mejor filmar un caballo blanco con manchas negras.

Miguel Noguera en “Ser madre hoy

Con el nuevo libro de Miguel Noguera me estoy descojonando todavía más que con el anterior, que ya es decir. ¿Para cuando un Ultrashow en Galicia?!!!!.

P.D.: Fíjense que en la cita va incrustada otra cita. Un gag aparecido en una famosa serie de TV. Un fabuloso (no)  premio al que la encuentre.

Low End Theories

La portada y el (extenso) artículo principal del número de julio de The Wire están dedicados al bajo, o mejor dicho al “bass sound”. A través de un exhaustivo y ecléctico listado de más de 70 temas, se analiza ese sonido aglutinador de toda la música popular desde su más interesante aspecto: el efecto físico y sensorial. El bajo más que ningún otro instrumento, penetra física y psicológicamente en nuestro ser para dotar a los temas de una dimensión extramusical… siempre y cuando haya talento detrás.

La redacción de la revista ha tenido a bien crear una playlist de Youtube con casi todos los temas mencionados en el artículo. Escucha extremadamente recomendable que abarca una enorme cantidad de estilos y sensibilidades con el bajo (eléctrico o sintético) como denominador común. Desde el jazz al post-dubstep pasando por el reggae, el rock, el heavy metal o el drum & bass. Escuchen: