Cine

Lo prometido es deuda, así que me dispongo a ofrecerles mi aportación al proyecto interblogero «Sesiones Dobles«. La cosa empieza fuerte, nada menos que criticar dos célebres films del grandísimo Ingmar Bergman. Sin datos reales en la mano, me atrevo a decir que, posiblemente, el cineasta sueco esté entre los diez de su profesión sobre los que más y con mayor seriedad se ha escrito. En tal escenario, esta claro que un semi-inculto cinematográfico como yo, que a lo sumo habré visto 7 peliculas de este señor, poco puede aportar. Así que orientaré mis críticas a lo único que puedo ofrecer en exclusiva: mi opinión ultra-subjetiva, indocumentada y descontextualizada (cual no). Allá vamos…

A mi me gusta dividir el estudio que hace Bergman de la condición humana en dos grandes campos. Por un lado están los temas con mayor tendencia a lo metafísico: la muerte, el silencio de Dios, el sentido de la vida… Por otro tenemos los aspectos más humanistas: el autoconocimiento (y el autoengaño), la relación con los otros, la culpa, la familia, la pareja… Ambas vertientes rara vez aparecen separadas en el corpus bergmaniano, pero casi siempre el peso de una de ellas predomina sobre la otra. El caso de «Fresas Salvajes» es de los que a mi más me gustan: predomina lo humanista sobre lo metafísico.

Al doctor Isak Borg se le presenta un largo viaje a Lund para ser homenajeado por los 50 años de excelencia dedicados a su profesión. Tras una desconcertante pesadilla, decide no tomar el avion y hacer el recorrido en coche, acompañado por su nuera Marianne (bellísima Ingrid Thulin), la cual está viviendo con el doctor debido a problemas conyugales. Durante el viaje, Isak hará una retrospectiva de su trayectoria vital.

El protagonista se hace consciente de que, detrás de sus enormes éxitos profesionales, su inteligencia, y su simpatía para el «mundo» se esconde una persona fria, áspera con sus allegados, fracasada en el amor y en la relación con su hijo. Isak Borg es un buen ejemplo de una realidad social que se ha extendido brutalmente en las últimas décadas. Con el «progreso» como coartada, gran cantidad de individuos dedican su vida a obtener éxito profesional, convirtiendose a la vez en entidades emocionalmente destructivas, generadoras de malestar para los que le rodean. A veces, el origen de ese comportamiento está en la ambición, tanto a nivel social como económico; otras, como en el caso de Isak, se trata de un proceso de negación: el individuo, incapaz de asumir sus limitaciones afectivas, intenta «borrarlas» a base de triunfos en otros campos, obteniendo como resultado un agravamiento del problema inicial.

Bergman sitúa a la familia como principal influencia en el desarrollo psicologico del individuo. La madre del Dr. Borg es pura frialdad y estoicidad, el hijo (esposo de Marianne) es consciente del destructivo legado familiar y toma la firme intención de no propagarlo en nuevas generaciones, negándose a tener hijos. Esta nihilista determinación es la que provoca el conflicto con Marianne.

Otro tema fundamental del film es el implacable e irreversible paso del tiempo. Borg sufre por todo lo que no ha hecho y por todo lo que ya no puede reparar. Bergman nos hace partícipes de esa obsesión descubriéndonos los recuerdos y sueños del protagonista. Recuerdos que no son tales, pues el doctor no está presente en esas escenas, se trata de fabulaciones sobre hechos que él cree que han ocurrido, y que lo han alejado de una forma de vida diferente a la que ha llevado. En la escenificación de los dos sueños que aparecen en la película se hace notar la maestría de Bergman para manejar lo onírico. El primero de ellos destaca por su plasticidad: una ciudad vacía, rostros sin rasgos, relojes sin agujas, un coche fúnebre… todo orquestado para transmitir al espectador una sensación tremendamente poderosa de angustia, de no finalización, de cuenta atrás implacable. El segundo, más largo y menos estiloso visualmente, goza de una brillantez onírico/narrativa dificil de igualar: una mezcla de lugares, tiempos y personas que habitan en los recuerdos combinados para expresar los sentimientos de angustia y culpa del soñador; sin duda la mejor secuencia de la película.

«Fresas Salvajes«, a pesar del nombre de su realizador, es un film tremendamente accesible, y toca temas creo que presentes en la mente de todo ser humano con edades comprendidas entre los 20 y los 100 años. Estoy seguro de que cualquiera de nosotros la comprenderemos mejor según vayamos cumpliendo años.

Participamos en Sesiones Dobles:

Books & Films, El diario de Mr. MacGuffin, Sesión doble, Fabrica de ilusiones, El espejo de los sueños, Arte y literatura, La mujer justa, Ojo de buey, Himnem, El lamento de Portnoy, Otros clásicos, La linterna mágica, Mitte, El dia del cazador, Marcovelez.net, Corten!!!, Rulemanes para Telémaco, Cinefilo-Compulsivo, Intramuros, Arricom.

Navengado por la blogsfera me entero de la interesante propuesta «Sesiones Dobles«. Se trata de elegir por votación un director y dos películas del mismo, verlas, y que cada participante ponga una crítica de cada peli en su blog.

Me acabo de adherir a la iniciativa. La primera sesión será así:

• Director: Ingmar Bergman
• Películas: «El Séptimo Sello» y «Fresas Salvajes«
• Periodo de visionado: Hasta el 31 de Octubre
• Periodo de publicación de las críticas: Entre el 1 y 15 de Noviembre

Si quieren más detalles sobre el asunto: participantes, cómo apuntarse, etc… les remito al blog del proyecto. Por mi parte, les invito a pasar por aquí en la primera quincena de Noviembre para ver las críticas.

Los habituales de este blog conocerán mi predilección por Takashi Miike y su delirante filmografía. Reseñar «Izo» era un asunto pendiente desde hace tiempo, y al fin le ha llegado la hora.

Si hay que definir este film con una palabra, esa es Nihilismo, así con mayúscula. Porque «Izo» es nihilismo destilado, en forma y fondo. Miike expone magistralmente como el concepto de «finalidad» o «sentido» es una construcción humana, el autoengaño definitivo; y esa obsesión por buscar un sentido, no solo nos autodestruye, sino que permite a la élite en el poder tenernos a todos bajo control.

Los primeros fotogramas ya nos introducen en el tema de manera espléndida: Diapositivas e imágenes documentales nos muestran el proceso de nacimiento de un niño, desde la eyaculación al parto; repentinamente nos transladamos al Japón medieval con Izo crucificado y siendo ensartado con lanzas; segimos con una secuencia de imágenes que mezclan grabaciones bélicas, explosiones nucleares y gente divirtiendose en piscinas y parques de atracciones, todo ello con un fondo musical desgarrador. Esta intro, capaz de mezclar de manera tan siniestra nacimiento, muerte, crueldad y consumismo, nos prepara para las casi dos horas siguientes de delirio existencial.

Izo es el nuevo Anticristo. No viene a la Tierra en nombre de Satán, de hecho, al igual que Jesús, sufre, muere y resucita; pero no para salvar a la humanidad, sino que para vengarse de ella. Izo es una anomalía, capaz de viajar por el espaciotiempo con el objetivo de acabar con los culpables de su muerte y portadores del poder establecido. Sus caóticos saltos le llevan a todo tipo de escenarios que ponen en evidencia la superestructura de las sociedades acomodadas . Una boda, un templo budista, el centro financiero de Tokyo, un colegio… en todos ellos Izo se da un festín de sangre; para él todos somos carne de cañon, incapaces de aceptar nuestra naturaleza y condenados por ello a la esclavitud.

Todos aquellos conceptos «aportadores de sentido» son puestos en cuestión: nación, familia, dinero, religión, sabiduría… Izo se enfrenta a ejecutivos vampíricos; responde a las palabras de un monje budista meándose delante de su cara; en un colegio perdona la vida únicamente a una clase donde la profesora enseña a los niños que «nación» es solo un sistema de control. Izo no se detiene ni ante su madre (literalmente).

No esperen congruencia narrativa en este film. «Izo» es un paseo por las patologías sociales del primer mundo y un escaparate de la crueldad humana. Un auténtico documental surrealista; un «Lonely Planet» donde el agradable viajero/narrador es sustituido por un asesino implacable, intentando demostrarnos que el concepto de finalidad es autodestructivo, incluso consigo mismo, pues su obsesión por la venganza va borrando poco a poco los retazos de humanidad que le quedan.

Ni bombas nucleares, ni ataques químicos ni asteroides, ni cambio climático… El fin del mundo ya se está produciendo dentro de cada uno de nosotros ¿Es posible arreglar el daño ya hecho?

Adam, un neonazi de «mano fácil» consigue la condicional a cambio de trabajos para la comunidad. Así, se convierte en el ayudante de un cura, Ivan, de personalidad inquebrantablemente positiva, pero con el que no se puede discutir. Completando el grupo de trabajo están un musulmán atracador aspirante a terrorista y un obeso ex-tenista alcoholico con historial de abusos sexuales.

Es probable que la idea que se hagan sobre una película con semejante escenario inicial es, o bien la de un dramón pro-oscar o bien una tonticomedia políticamente incorrecta de los Farrelli. Pues nada de eso; lo que se van a encontrar es una comedia negrísima que ahonda en importantes aspectos de la naturaleza humana. Inteligencia sin renunciar al entretenimiento.

«Adams æbler«, o «Las Manzanas de Adán» (sin estreno en España) ha sido perpetrada por el danés Anders Thomas Jensen, prolífico guionista y director con historial en el movimiento «Dogma 95» (que vicio el mío de sacarlo en el blog). Casualmente Ulrich Thomsen (espléndido interpretando a Adam) y Paprika Steen ya habían trabajado juntos en el primer dogma, «Celebración«.

La historia está estructurada como si de una parábola bíblica se tratase: El párroco le propone a Adam fijarse un objetivo; el skinhead, tomándoselo a coña, manifiesta su intención de hacer una tarta con las manzanas del arbol del jardín. A la vez que extraños sucesos (plagas, accidentes) dificultan a Adam la realización de tal meta, éste se da cuenta de que Ivan es un desgraciado incapaz de ayudar a la gente, cuyo nivel de autoengaño sobrepasa toda lógica. Adam se marca otro objetivo: hacerle entrar en razón (aunque sea a hostias).

Jensen nos invita a reflexionar acerca de hasta que punto es admisible el rechazo de la «realidad» para sobrevivir en este mundo, y también sobre la sádica necesidad que tenemos los humanos de transmitir nuestra frustración a los que nos rodean.

Dense un garbeo por el eMule y llevensela «a la saca». No les defraudará.

El Ultimatum de Bourne (Paul Greengrass, 2007)
Final de la saga cinematográfica que más ha contribuido a la renovación del blockbuster. La peli está llena de fantasmadas, pero la habilidad de Paul Greengrass es tal que, no solo nos las creemos, sino que salimos del cine con la sensación de haber visto una película “con mucho realismo”. El manejo de las escenas de acción resulta impresionante: a pesar de estar filmadas con “mano nerviosa” y llenas de planos rápidos, sabemos exactamente lo que pasa y donde está situado cada personaje (aprende Michael Bay). Bourne se mueve por toda Europa, y los países visitados no parecen una zafia caricatura. El broche de oro para una excelente trilogía. Una pregunta al aire ¿Qué director lo hizo mejor, Doug Liman (1ª parte) o Paul Greengrass (las otras dos)?.

Death Proof (Quentin Tarantino, 2007)
Tarantino confirma con este film su naturaleza altibajista. La atrayente idea de Kurt Russell interpretando a un conductor psicópata se ve lastrada en la práctica por un exceso de metraje dedicado a diálogos. No es desagradable ver conversar a una pandilla de petardas sexualmente sugerentes, pero, tragarse alrededor de una hora de cháchara resulta indigesto. Kurt Russell de puta madre, pero tanto su presencia como las escenas de carretera son más escasas de lo deseable.

Desmembrados (Chirstopher Smith, 2006)
Otra buena idea mal ejecutada: En un viaje de negocios por Europa del Este, un grupo de empleados de una empresa armamentística norteamericana quedan atrapados en el bosque a merced de paramilitares armados con los “productos de la casa”. Aparte de alguna que otra salida cómica, el film es un conjunto de tópicos de género sin el menor interés.

Ovejas Asesinas (Jonathan King, 2006)
Ofrecida en España en programa doble junto con «Desmembrados». Sin ser una cosa del otro mundo, aquí si se aprovecha bien el concepto inicial con un buen montón de momentos delirantes y parodias ovinas de escenas clásicas del cine de terror. Los efectos especiales goreanimatrónicos (por Weta) también tienen su coña.

El Club de los Suicidas (Roberto Santiago, 2007)
¿Qué le pasa al cine español? Recuerdo un tiempo no muy lejano en el que las comedias tenían gracia y los nuevos valores se esforzaban por entregar películas originales e interesantes. Tema desaprovechado, chistes sin gracia, realización pésima… , lo único positivo: la impresionante Lucía Jiménez. Si el cine de aquí sigue por estos derroteros, no va a haber cuota de pantalla que lo salve.

Cine de Verano (I)
Cine de verano (II)

Los Simpson: La Película
Después de tantos años, y ahora que la serie está en horas (creativamente) bajas, han acabado haciendola. Los Simpson se han convertido en un blockbuster lleno de acción, explosiones, escenas de masas y, por desgracia, chistes fáciles para todos los públicos. Hubo un tiempo en el que uno se preguntaba cómo era posible que «Los Simpson» gustasen a los niños; viendo la película me doy cuenta como ha cambiado la cosa. Homer y familia son como los Rolling Stones: siguen dando réditos, pero como cadáveres vivientes.

La Jungla 4.0
Schwarzenegger, Stallone, Seagal, Van Damme… todos han caido. De esa estirpe de la era dorada de las películas de acción solo uno aguanta el tipo: Burce Willis vuelve a interpretar al «duro de matar» John McLane con resultados de taquilla impresionantes para los tiempos que corren. La mentalidad fantasmona ochentera se une a los medios técnicos del siglo XXI para que McLane nos demuestre como derribar un helicoptero con un coche y otras animaladas. Todo con la sana intención de liberar «el país» de un ciberterrorista que ha elejido el 4 de Julio para lanzar su fulminante ataque. Si se quieren echar unas risas a base de macarradas y USApatriotismo, ésta es su película.
Nota bizarra: A pesar de la tematica patriota del film, si ven el trailer, podran comprobar que suena una versión de la Novena Sinfonía de Beethoven, el himno oficial de la Unión Europea!!!.

Los 4 Fantásticos y Silver Surfer
Los experimentos autorales en películas de superheroes son económicamente arriesgandos; para muestra Ang Lee y su (espléndida) «Hulk» o Bryan Singer con (la sosa) «Superman Returns». Solución ejecutiva: poner directores «bulk» a la cabeza de nuevos proyectos, tratar de fabricar un producto que entretenga a los niños, meter alguna tía cañon y efectos especiales chulos para atraer a los mayores, y dejarse de complicaciones. Las dos entregas de los 4 Fantasticos son buenas muestras de esta filosofía de trabajo. Las míticas historias originales sobre Galactus y Siver Surfer que Stan Lee y Jack Kirby crearan en los 60 pierden gran parte de su épica en esta adaptación cinematográfica llena de situaciones supuestamente graciosas y chistes malos. De todas formas, las escenas de acción con Estela Plateada hacen que merezca la pena echarle un ojo.

Disturbia
Shia LaBeouf protagoniza una versión juvenil de «La Ventana Indiscreta». El chaval puede presumir de ser el actor más rápidamente encasillado de la historia del cine: Si no fuera porque su casa y padres son distintos, sería imposible negar que interpreta al mismo personaje que en «Transformers». Otro punto en comun entre ambas películas es que comparten la condición de anuncio gigante: Xbox, iTunes, iPod, PSP, posters y camisetas de grupos de moda, videocamaras, 4×4 último modelo… todos tienen su pequeño «papel» en el film. La película es entretenida, pero no saca el partido suficiente al aprovechable tema del voyeurismo.

Planet Terror
Las películas de serie B y Z tienen trampa. Cuando te las cuentan, son geniales, pero cuando las ves son horribles ¿Qué ocurre con ellas? La respuesta es que, para contar el par de paridas de la cinta, tienes que tragarte el montón de mierda que supone el 95% de su metraje. Tengan por seguro que eso no les pasará con «Planet Terror», pues cada plano, cada secuencia, cada frase y cada personaje rebosan genialidad zetosa. La que se intuía hermana fea de «Death Proof» resultó ser muy superior al film de Tarantino, y de lejos la mejor película de Robert Rodríguez. Si solo van a ver una película en lo que queda de verano, que sea ésta.

Continuará…

Cine de Verano (I)