David

Dedication

Zomby - Dedication

En una entrevista concedida a The Wire hace 3 meses, el anónimo productor conocido como Zomby cuenta  que cuando Steve Goodman  le propuso en 2008 debutar en Hyperdub a través de un EP de cuatro temas, el joven y “novato” artista respondió entregándole nada menos que 120 canciones para que escogiera las que quisiera. Esta anécdota da una idea de como ha cambiado la manera de hacer música en los últimos tiempos. Libre de la tiranía de los costes de producción de antaño, realizando un desembolso de capital asumible para el ciudadano de a pie, el artista puede construirse un estudio en su propia habitación y encerrarse a crear como un poseso sin limitaciones. Con semejante manera de trabajar, muchos de estos bedroom producers disponen de un  repertorio y nivel de dominio técnico elevadísimos sin tan siquiera haberse dado a conocer. Solo cuando esa obsesiva intensidad creativa se junta con el genio surgen productores excepcionales como Zomby.

Zomby

No es disparatado suponer que los gigas de creación propia del disco duro de Zomby se han multiplicado desde su debut hace tres años. Así es fácil explicar las diferencias de estilo entre su debut en largo, “Where Were U In ’92?” y el  reciente “Dedication”. Si el primero tiraba más hacia un revisionismo del sonido “rave” noventero, el nuevo LP se lanza a la oscuridad post-dubstep, que ya se adivina desde el diseño de la portada y el título del disco, que dedica a su padre recientemente fallecido.

Dedication” nos presenta una versión de Zomby más innovadora, a un autor más centrado en generar un discurso musical propio que en servirse de su afilado olfato dance para obligar al personal a mover el esqueleto. En lo que a mi respecta me gusta más esta nueva personalidad que la antigua, pero lo mejor de todo es que seguro que tiene muchas más identidades autorales en la manga, depositadas en infinidad de canciones que esperemos ver conveniente compiladas en cadencias temporales lo más cortas posibles. De momento, revisen Youtube, pues allí ya hay colgados como medio centenar de temas suyos inéditos en otros soportes o plataformas de venta on-line. Según sus propias palabras, sacar álbumes le interesa más que nada por tener presencia en la industria. Lo suyo es, simplemente, hacer música.

Zomby – "Statik" (inédito)

Zomby – "Vertigo" (inédito)

Zomby – "No" (inédito)

Zomby – "Bur5t" (inédito)

Impensable

Akira

“En abril de 2011 el gobierno chino prohibió que apareciesen en TV, películas o novelas todas aquellas historias que hiciesen referencia a realidades alternativas o viajes en el tiempo. Esta es una buena señal para China, puesto que significa que la gente aún sueña con alternativas, así que hay que prohibir este sueño. Aquí no se piensa prohibir nada de eso, porque el sistema en el poder incluso ha suprimido nuestra capacidad para soñar. Fijaos en las películas que vemos todo el tiempo. Es fácil imaginar el fin del mundo, un asteroide que destruya el planeta y ese tipo de cosas. Pero no se puede imaginar el fin del capitalismo.”

Slavoj Zizek, Liberty Plaza, NYC. 9 de octubre de 2011

(vía Es Muy de Cómic)

Banda sonora del post:

Citas Pop (XXVI): Verdades de Borracho

Go, Ibiza, go! Programa 4

“He intentado ser humano, pero la gente no quiere la humanidad, ni siquiera quiere al animal. Quiere el Fnac, quiere el coche de lujo, quiere la copa gratis, quiere ser alguien VIP pero también quiere ser estándar. […]. ¿Quién no quiere ser un lugar al que todos quieran ir?

[…]

…Esa es la sociedad. O compras o te vendes, o vendes tu ano o compras anos, o das por culo o te dan por culo. Esto es lo que hay. ”

Didac Alcaraz en “Go, Ibiza, Go!”, programa 4

Lo que marqué en negrita, absolutamente revelador.

High Soft Lisp

High Soft Lisp - Gilbert Hernandez

Le tenía un poco perdida la pista al universo “palormariano” de Gilbert “Beto” Hernandez. He leído bastante material suyo en los últimos años, pero todo él ajeno al microcosmos generado a partir de las ya míticas historias de “Sopa de Gran Pena”. No he tenido noticias de Luba y compañía desde la ya lejana “Rio Veneno”… hasta ahora. En un ejercicio de elipsis lectora me reengancho a la saga con “High Soft Lisp", el último recopilatorio americano que, siendo sincero, adquirí por pura influencia de su portada, un irresistible arrebato pop de fluorescente atractivo.

Love & Rockets v2 #15 - página 29

El contenido del volumen me resulta curioso a la vez que consecuente con la trayectoria, llamémosle paralela, de Gilbert en el último decenio. A través de Rosalba “Fritz” Martínez, medio hermana de Luba el autor mezcla el desarrollo de personajes bigger than life de Palomar con los experimentos bizarros, a medio camino entre la serie B y lo linchyano, a los que nos tiene acostumbrados últimamente.

Love & Rockets v2 #7 - página 30

Fritz: psicoanalista, actriz en películas de serie Z, tetas grandes, fijación sexual con las pistolas, habla con un ligero ceceo. Mark Herrera: exitoso gurú de la autoayuda, obsesionado con un misterioso animal acuático nunca fotografiado, seis turbulentos matrimonios a sus espaldas, le excita compartir su pareja con terceros, casado con Fritz durante tres años. Imagínense los retazos de vida que puede construir Beto en base a estos personajes.

Love & Rockets v2 #13 - página 12

Beto aprovecha la condición de actriz de cine de derribo de su protagonista para aventurarse en los terrenos de la metaficción. Ya son varias las novelas gráficas e historias cortas en su haber que “adaptan”  las películas protagonizadas por Fritz a lo largo de sus trayectoria vital. Una derivación con pocos precedentes dentro de cualquier medido de expresión, y en cualquier caso nunca llevada tan lejos.

Love and Rockets - New Stories #3 - página 18

Siempre he sido más de Jaime que de Beto, aún cuando muchos consideraban al segundo el mejor de los Hernandez. El tiempo ha puesto a Jaime en su sitio, como auténtico superdiós del comic, dejando a Beto en la sombra, como un experimentador irregular incapaz de alcanzar la intensidad emocional y vitalista de su hermano. Quizá sea cierto, pero no quita que el ahora “hermano feo” sea un autor superlativo, con una capacidad de generar extrañeza y crear personajes “vivos” mucho mayor que la del 90% de los autores que pululan por el mundillo. Sin tiempo que perder, me lanzo a la lectura del tochal “Luba”, recientemente editado por La Cúpula. A rellenar huecos.

{UNCLASSIFIED}

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Adult Swim, el contenedor de series animadas para adultos de Cartoon Network, se ha ganado por méritos propios una ristra de  calificativos  honorabilísimos en el ámbito de lo creativo: innovador, extremo, experimental, vanguardista, gamberro… Yo quisiera destacar que todos estos piropos están especialmente justificados en el apartado musical. Los openings, endings y promos asociadas al programa sorprenden por su atrevimiento y desinhibición.

[audio:http://jailbot.com/wp-content/uploads/2011/03/end.mp3]
"Superjail!" Ending Theme

Pero el compromiso de Adult Swim con la vanguardia musical va más allá del contenido de sus shows. En su página web están ofreciendo continua y gratuitamente temas inéditos y álbumes recopilatorios de artistas y sellos afines a la casa. El más reciente, este “{UNCLASSIFIED}”, cargado de rarezas producidas por gente de la talla de Actress, Zomby, Kode9 o Burial… Un lujazo de “CD” que pueden obtener y/o escuchar haciendo click aquí, con su portada en alta resolución e interesantes extras de video. Altamente recomendable.

Nuevos Mundos

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A mala hora me puse a ver el episodio piloto de “Terra Nova”, justo un día después del re-visionado de “El Nuevo Mundo”. Desde un planteamiento contextual muy diferente, ambos productos comparten el tema base del pionero frente al territorio inexplorado. Un asunto fascinante abordado magistralmente en el film de Malick y resuelto de forma chapucera en la superproducción televisiva apadrinada por Spielberg.

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El nuevo mundo de “El Nuevo Mundo” (valga la redundancia) es bello a la vez que misterioso. Su quietud e inmensidad nos son mostradas en todo su esplendor, de tal manera que, hasta cierto punto, podemos ponernos en la piel de esos peregrinos irlandeses recién llegados a una tierra que les puede dar todo pero encierra el peligro de lo desconocido. Malick y su director de fotografía Emmanuel Lubezki consiguen tal efecto en base a una filmación totalmente naturalista: emplazamientos reales, luz natural, buscando registrar la realidad tal y como lo hace el ojo humano. Esta filosofía combinada con un sublime trabajo de composición y planificación produce la magia de convertir una pradera de hierba alta en un paraje más alienígena que la superficie de marte.

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¿Qué nos ofrece “Terra Nova”? Pioneros que escapan de  un futuro desolado por la contaminación refugiándose 85 millones de años en el pasado. Un nuevo-viejo mundo que descubrir, no corrompido por el hombre… y lleno de dinosaurios. Un planteamiento fantacientífico que puede dar mucho de si, pero ya de entrada, las pésimas soluciones visuales escogidas para representar ese mundo perdido cortan de cuajo las posibilidades de la serie: Gama cromática hiperrealista (en el sentido más baudrillardiano del término), escenarios forestales “atrezzados”, planos panorámicos digitales (dignos de videojuego), planificación puramente funcional… En resumen, un territorio virgen con aspecto de parque temático. Así no se llega a ninguna parte.

Peor que la escasez de medios es un dimensionamiento de la producción por encima de los medios de los que se dispone. A muchísimas series de TV les pasa eso y así les va. Sin embargo, producciones cinematográficas de presupuesto medio/bajo como “El Nuevo Mundo” pueden lucir perfectas, imposibles de mejorar con más dinero. Si una producción audiovisual falla en este aspecto, puede darse por perdida.

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El videoclip de “uni acronym”, el nuevo tema de  Alva Noto y Anne-James Chaton, es sencillamente a-c-o-j-o-n-a-n-t-e:

El Árbol de la Vida

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Sinceramente, no comprendo el revuelo que se ha montado alrededor de “El Árbol de la Vida”. Que si a Terrence Malick se le fue la olla, que si es incomprensible, que si es un manifiesto místico/religioso… En mi humilde opinión, si a la peli le quitamos las no demasiado extensas secuencias cosmogónicas, nos encontramos con algo muy muy simple de entender, sin más cera que la que arde. Quizá lo que algunos no hayan comprendido es la naturaleza netamente sensorial del film. No hay que descodificarlo, simplemente dejarse llevar por sus imágenes. Solo de esta manera tendremos acceso a su descomunal belleza e impacto poético.

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Como iba diciendo, Malick no oculta sus cartas: padre/hijo, madre/hijo, hermano/hermano, padre/madre, juegos, miedo, amor, muerte, crueldad, piedad, confianza, desconfianza, vergüenza, odio…  Simplemente todo ello está expresado de una modo puramente cinematográfico, no habría podido hacerse en otro medio. La obra de un maestro en su arte.

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Vayamos ahora a lo polémico. ¿Qué pintan el Big Bang, la formación de galaxias, la multiplicación celular y los dinosaurios en esto? Dado el carácter sensorial de la peli, cada uno tendrá que tomárselo como se lo indique su propia intuición. En lo que a mi respecta, he visto estas partes como un ejercicio de fractalidad, de conexión entre lo muy grande y lo intangible. Malick disemina una serie de leitmotivs visuales  a lo largo del metraje, todos con origen en la parte cosmogónica, produciendo una sensación de conexión cósmica absoluta. De repente no hay diferencia entre una colonia de medusas en el mar y un grupo de niños en una piscina, entre un bosque y una megalópolis, entre una grieta geológica y un gesto humano…

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No voy a contar más cosas de esta maravillosa película, solo recomendarles que no hagan caso de lo que oigan o lean sobre ella. Vayan a verla y decidan por ustedes mismos.

Product Placement y Apocalipsis

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El otro día, visionando la mediocre “The Greatest Movie Ever Sold” me acordé de “Dragon Head”, el inquietante manga de Minetaro Mochizuki. “The Greatest…” es un documental pésimamente resuelto por el ególatra y michaelmooreano Morgan Spurlock que aborda el tema del product placement, o como  le llamábamos en tiempos de “Médico de Familia”, publicidad encubierta. Las necesidades de financiación de los estudios han convertido esta práctica en el pan de cada día para Hollywood. Hemos visto en la gran pantalla desde la estrella juvenil de turno manejando un iPhone hasta a Tony Stark comiéndose una Wooper (con diálogo incluido acerca de su excelente sabor), pasando por Bumblebee transformándose en el último modelo de Chevrolet.

¿Qué tiene que ver Mochizuki y su obra en esto? Pues que, a mi parecer es el autor que mejor ha rentabilizado el product placement para fines narrativos totalmente ajenos a la publicidad… bueno, si a lo suyo se le puede llamar product placement, porque no creo que haya recibido un duro por enseñar marcas en “Dragon Head”. El caso es que las viñetas del susodicho manga están plagadas de productos reales, fácilmente identificables y luciendo logo deliberadamente. Camisetas, calzado deportivo, relojes, chocolatinas, radios, motos… de todo, y muchas veces en plano detalle.

Con todo esto Mochizuki no gana pasta, pero su historia gana una tremenda verosimilitud. Enseñar marcas en pleno fin del mundo hace más realista ese fin del mundo. Enfatiza el brusco cambio de contexto, de normalidad a Apocalipsis, que sufren los jóvenes e inicialmente despreocupados protagonistas de la historia. Si nuestra cultura es la cultura de las marcas, éstas deben estar muy presentes en el fin de la cultura. “Dragon Head” no sería lo mismo si su peculiar product placement.

…Y ya que sale el tema de marcas que aparecen por decisión creativa independientemente de lo comercial, no puedo dejar de recomendarles “Go Ibiza, Go!”, el descacharrante “programa de variedades” perpetrado por Los Pioneros del Siglo XXI. No creo que Carte D’Or (pronúnciese  Dior) les haya pagado nada porque una de sus tartas protagonizara el momentazo post-lynchiano del final del segundo episodio, pero les juro que este verano cada vez que veía un puesto de helados con la marca, no me resistía. En verdad, Carte D’Or siempre acierta:

Top30 (XXVIII): The Wayward Cloud

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The Wayward Cloud”, titulada en España “El Sabor de la Sandía” supuso mi entrada en el particularísimo universo cinematográfico de Tsai Ming-Liang, y también el inicio de mi pasión por ese tipo de cine vacuo en apariencia pero cargado de significado y poesía visual, practicado por colosos como Jia Zhang Ke, Apichatpong Weerasethakul, Gus Van Sant (en modo no comercial) o el que nos ocupa. Cine puro de verdad, porque su contenido narrativo es intransferible a cualquier otro medio de expresión.

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Aún dentro de esta categoría de cineastas, Tsai Ming-Liang es un caso extremadamente particular. Todas sus películas (menos una) están protagonizadas por el mismo personaje, Hsiao-kang interpretado por Lee Kang-sheng. Así, salvo contadísimas excepciones, cada film del director malayo supone un nuevo capítulo de una de las más grandes biografías ficticias jamás creadas para cine. Yo me subí al carro en el “episodio quinto”, con Hsiao-kang recién metido a actor porno. No tardé nada en repescar lo que me había perdido.

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A nivel fundamental, la historia de Hsiao-kang es también la historia de los millones de personas víctimas del “progreso” hipercapitalista. Personas que viven apiñadas en colmenas de cemento pero están solas, personas que pasean por calles cubiertas de neones multicolor pero están tristes, personas que, en definitiva, viven como zombies, pero sienten como humanos. La hipertrofiada Taipei no es solo una localización, es un personaje, quizá el más influyente en la vida de Hsiao-kang.

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“The Wayward Cloud” es la segunda película de Ming-Liang donde la tónica antinarrativa e hipercostumbrista de toda su filmografía se rompe a través de escapistas secuencias musicales; hilarantes,  bizarras y coloristas, que sin embargo refuerzan los sentimientos de melancolía y alienación que nunca abandonan al espectador durante el metraje. También se presenta en este film otro surrealista recurso de su autor: plantear una situación absurdamente apocalíptica de fondo. En este caso, una alarmante sequía que obliga a la gente a hidratarse consumiendo sandía. Metáforas del verdadero apocalipsis, el que se cuece en el plano psíquico.

Aún con todo, detrás de toda la miseria, soledad y melancolía que supura el cine de Ming-Liang, siempre hay sitio para la poesía y para la magia. Eso que convierte cosas como compartir un cigarrillo,  cocinar unos fideos con marisco o realizar una gracieta acrobática para robar una sonrisa en los momentos más importantes de la vida.

Anteriormente en Top30:
Intro (qué es Top30)
Ulises 31
Los 4 Fantásticos
Secret Wars
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Batman y los Outsiders
Batmanía
Dragon Ball
Darkseed
Parque Jurásico
John Byrne’s Next Men
Trilogía Nikopol
La fOntana y la sOnda
12 Monos
Pulp Fiction
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Brut Comix
La Casta de los Metabarones
Ænima
Carretera Perdida
The Invisibles
Cosecha Cinematográfica del 99
La Caída
Los Soprano
La Pianista
South Park
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