Inauguro nueva sección (sí, otra más) que tenía ideada haca más de un año pero no encontraba momento para darle arranque. La titulo “Otros Mundos” y vendrá a ser una suerte de ejercicio periodístico gonzo-soft. Me explico: la cosa irá de que yo consumiré un producto (sub)cultural totalmente ajeno a mis intereses y dejaré mis impresiones acerca de ello en el post correspondiente.
Aprovechando que estoy metido en un club de lectura, y la lectura en curso cumple a la perfección las autoimpuestas normas de la sección, utilizaré ese material para el primer post. En breve en sus pantallas. Una pistita:
Se me pasó a la hora de mencionarlo en la lista de lo mejor del año, pero lo cierto es que “The Pathway through Wathever” de MediaFired me ha tenido hipnotizado a ratos en los últimos meses de 2012. Acabo de caer de nuevo en su influjo, así que voy a aprovechar para ponerlo como ejemplo de eso que se ha dado en llamar hauntology, o hauntología si me permiten la (no oficial) traducción al español.
En primer lugar, escuchen (y vean) “Wuthering Heights”, el megahit setentero de Kate Bush:
Ahora comienza el tratamiento hauntológico de MediaFired: extraer la sustancia nostálgica del tema en su forma más pura y presentarla en forma de bucle fantasmal, a poder ser, con un título que no tenga nada que ver con el contexto de la canción. Eso es “Pixies”:
Supongo que ya sentirán el peso del pasado aplastando al presente como si de una apisonadora se tratase. Pero aún hay más: En “Cindirella’s Big Score”, el siguiente tema incluido en la casette (sí, es una casette en su versión física), lo que ha quedado de la canción de Bush se deconstruye nuevamente, esta vez a nivel atómico: retazos de sonidos sometidos a distorsión y reververación, conservando esa pulsión nostálgica, pero ahora acompañada de una sensación hipnótica (hipnagógica) que intenta arrancarnos de la realidad:
Respecto lo que dice Derrida (acuñador del término hauntology) de que esa pulsión nostálgica viene asociada a una pulsión de muerte, yo ahí ya no entro. Cada uno que saque sus propias conclusiones.
Pueden escuchar el dis “la casette” completa en Bandcamp.
P.D.: Si tuviera habilidades de edición musical, no tardaba nada yo en “hauntologizar” la cancón del “Salvame”. Obra maestra asegurada.
En pleno 21 de diciembre de 2012 y no parece estar pasando nada. ¿Decepcionados/as? Yo les digo: llegan tarde al Apocalipis, lo que pasa es que están mirando al lugar equivocado. Digamos que, si en el mundo real existiese algo parecido al plano psíquico ese que tanto sale en los X-Men, donde las mentes de toda la humanidad están interconectadas, no sería muy recomendable que Jean Grey se pasase por allí, pues se encontraría con un panorama tal que, a su lado, lo de San Juan parecería la aldea de los Teletubbies. Supongo que entienden lo que quiero decir…
Pese a que el Apocalipsis se está desarrollando en “el interior”, también se manifiesta en el exterior. Un gran sitio web para comprobarlo (Facebook aparte) es el indispensable tumblr Architecture of Doom. Con una frecuencia de actualización altísima, su responsable se dedica a ofrecernos estampas de lugares moldeados por la mano del hombre y dotados de una belleza apocalíptica extrema. Parajes abandonados, territorios-colmena, nudos de autopista, construcciones de uso militar, obras faraónicas basadas en hormigón de regímenes políticos muertos… Navegar sin parar entre los miles de imágenes allí recopiladas pienso que ofrece una perspectiva sobre el fin del mundo muy diferente a la planteada por Milenio 3 y similares, y sobre todo, mucho más realista.
Desbarres aparte, esta web está especialmente indicada para viajeros. Si tienen un destino preparado para unas próximas vacaciones, échenle sin falta un ojo. Seguro encontrarán lugares fascinantes que visitar cerca de su radio de acción.
Banda sonora del post: Raime – “Your cast will tire”
Se está acabando el año y me doy cuenta de que no he mencionado ni una sola vez en el blog a los productores que posiblemente más haya escuchado en 2012. Me refiero a la pareja de “fenómenos” (en todos los sentidos del término) conocidos como Dean Blunt e Inga Copeland. Va siendo hora de que subsane esta omisión.
Todavía no se sabe con certeza si esos son sus verdaderos nombres, y dados los precedentes, no nos podemos fiar. Desde 2009 y hasta hace muy poco operaban bajo el alias de Hype Williams, pseudónimo tomado del director de videoclips de mismo nombre. Vale que existan alias que remitan a la esfera de la cultura pop, pero éstos tuvieron el atrevimiento de tomar como “homenajeado” a un personaje coetáneo, en activo, y perteneciente al gremio de la música. Si me apuran es como si los Franz Ferdinand se diesen a conocer con el nombre de Michel Gondry. Pero el universo brumoso y descontextualizado que han creado alrededor de sus personas no acaba ahí: no han proporcionado ni una sola foto “estilo profesional” de ellos mismos, todo lo que tenemos son instantáneas de estética Facebook, videopantallazos lo-fi y clips de Youtube de calidad flv. Con un despliegue de medios mínimo se han sacado de la manga una imagen de marca muy potente, aludiendo a una contemporaneidad internetera low-cost, en la que reina la confusión generalizada por sobrecarga de información.
Pero no se crean que esa contemporaneidad que proyectan se queda en la imagen. Este par de frikis son parte relevante de ese “movimiento” que opera entre lo hipnagógico, lo hauntológico y las bajas frecuencias, que ha dado no pocas alegrías a un panorama musical tremendamente obsesionado por el pasado pero con serias dificultades para producir algo más allá de lo nostágico a partir de recurrentes modelos pretéritos. En lo que va de año han sacado abundante material, tanto como dúo como por separado, tanto a modo clásico, con lanzamiento físico amparado por un sello discográfico, como de gratis, liberando mixtapes y temas sueltos en Internet. Personalmente me quedo con dos de esos trabajos: el LP “Black is Beautiful” firmado por ambos y editado por Hyperdub, y la mixtape “The Narcissist II” obra de Blunt en solitario (con puntual apoyo vocal de su compañera) que recientemente ha visto la luz como vinilo de la mano del sello angelino Hippos in Tanks. Pueden ver las portadas sobre el párrafo; respecto a la no concordancia entre lo que aparece rotulado en ellas y los títulos reales, sobran comentarios visto lo visto.
En definitiva, en el universo creado por Blunt y Copeland confluyen un buen número de trending topics relativos a lo que está pasando aquí y ahora, tanto dentro como fuera del panorama musical: (post)apocalipsis, confusión, memoria brumosa, regresión al pasado, estilo de vida de bajo coste (que remedio), la peña dando a conocer su lado bizarro (viva Facebook!)… un zeitgeist en si mismos vamos.
Para poner ya la puntilla, decir que si bien no me gusta demasiado difundir música electrónica en la web, pues las condiciones de escucha en un PC no siempre son óptimas para ello (mucho bitrate bajo y altavoces cutres), en el caso que nos ocupa, a veces incluso esas condiciones precarias son beneficiosas dada la naturaleza realmente lo-fi de ciertos temas producidos por estos dos. Por ello les animo a que busquen en Youtube y se adentren en su (nuestro) mundo.
[…]el punk nos muestra cómo la historia está construida, narrada, y se asienta en perspectivas triunfantes. Por ejemplo, la versión simplificada de la historia del punk decía que el rock en los ‘70 era un desierto, un campo vacío y minado, y que entonces llegó el punk, y que los jóvenes punks vencieron a los dinosaurios del rock progresivo, y que todos fueron felices y que se salvó el rock ‘n’ roll. En realidad, los ‘70 fue una década compleja, rica, diversa y excitante, e incluso 1975, que en el momento parecía dar la sensación de ser un año absolutamente nulo, un punto muerto en la historia del rock, estuvo lleno de grandes momentos, de grandes discos, y de muchísima actividad. Y los dinosaurios del rock progresivo, lejos de ser vencidos y borrados del planeta por la New Wave y el punk, prosperaron y crecieron en la segunda mitad de los ‘70 y, de hecho, llegaron lejos en los ‘80, que fueron los años del gran éxito comercial de Pink Floyd, Genesis, Yes y así. Especialmente en Norteamérica, la New Wave tuvo muy poco impacto, comercialmente y en la radio. Entonces, depende quién está escribiendo la historia. Y aunque sea difícil de creer, el punk hegemonizó durante muchos años la manera en que narrábamos la historia del rock, en el sentido de que casi todos los críticos y los “intelectuales” del rock se convirtieron de manera automática en punks. De hecho, muchos de ellos habían estado pidiendo a los gritos una vuelta al rock primitivo, furioso y “real” de las décadas previas incluso antes de que el punk llegara. Y ese es otro misterio acerca del punk: que tardó muchísimo en suceder. Si te fijas, tuvo muchísimos “falsos comienzos”, con grupos como los New York Dolls y The Stooges, y con el pub-rock británico. Realmente la llegada de los Ramones, de los Sex Pistols o de The Clash no debería haber sorprendido a nadie.
Simon Reynolds entrevistado en la revista Crisis (abril-mayo 2011)
Interesante vuelta de tuerca la que plantea Reynolds. El (origen del) punk está hoy día asociado indisolublemente a “lo callejero”, como la respuesta a una demanda de la “clase obrera” cansada de los delirios virtuoso-decadente-culturetas del rock progresivo imperante en la época. A lo mejor, los que confirieron al punk ese aura “rompedora e iconoclasta” fueron los críticos “gafapastas” del momento, y la auténtica música popular fue aquella que evolucionó a partir de la esfera prog. La verdad tiene mil caras.
Tú no estás en contra de los ricos. Nadie está en contra de los ricos. A todo el mundo le faltan diez segundos para hacerse rico. Al menos, eso piensan.
El ultra-rico Eric Packer en "Cosmópolis" de Don DeLillo
Amigos, no nieguen que una parte del problema de la pasividad social que sufrimos y con la que colaboramos está en ese párrafo.
La intro pollockiana da al espectador una pista de como debe afrontar el resto del metraje. “Cosmópolis” de Cronenberg, adaptación de la novela homónima de Don DeLillo, rezuma abstracción. Nos muestra a gente que vive abstraída del mundo, maneja dinero abstracto y ha provocado una crisis abstracta.
“El dinero ha perdido su cualidad narrativa”, explica el personaje interpretado por Samantha Morton. Personajes como Eric Packer (el vampírico Robert Pattinson ideal para el papel) juegan con el cibercapital, acumulan más riqueza de la que podrían gastar en mil vidas a costa de derrumbar económicamente países enteros. ¿Por qué lo hacen? ¿Qué necesidad tienen de ello? ¿Hasta qué punto su status quo modifica su manera de verse a si mismos y al mundo que les rodea? Nadie lo sabe, porque son herméticos. Pueden permitirse un aislamiento total del mundo en sus limusinas insonorizadas, sus islas privadas y sus pisos altos. Son entidades tan abstractas como los bienes que manejan.
Quizá lo que nos muestran Cronenberg/DeLillo en esta ficción alegórica se aproxime a ese mundo que nos es negado a la gente normal, o quizá no. Pero da una idea de por donde van los tiros.
Por si alguien no se ha enterado todavía, aviso que la brutal “Prison Pit” del irreverente Johnny Ryan, la cual reseñé aquí hace año y medio, ha visto la luz en español bajo el genial nombre de “Pudridero”. Coeditan Entrecomics Cómics y Fulgencio Pimentel entregando un primer volumen de factura impecable que no solo da mil vueltas a la edición de Fantagraphics, sino que sale más barato, pues por 20 bien invertidos euros, el lector se lleva el material contenido en los dos primeros tomos americanos.
Precisamente la majestuosidad de la edición refuerza mi teoría sobre la bipolaridad contenido/continente que se da en este tebeo. Una bipolaridad tan acusada que induce a reflexión: ¿Hasta qué punto se ha domesticado el consumidor de material “underground”?¿Qué ha pasado en los últimos 20 años para que, material como “Pudridero” sea consumido casi en exclusiva por un lector de corte gafapa “intelectual”, entrado en la treintena, presentado en una edición realmente “de coleccionista”?¿Dónde está la chavalada que leía El Víbora a semiescondidas flipando (sin pizca de ironía) con las burradas que allí salían? ¿Es la cultura del Reggaeton el nuevo y auténtico underground? Cada uno que saque sus propias conclusiones…
Sentimientos encontrados a la hora de valorar la nueva adaptación cinematográfica de las aventuras del célebre Juez Dredd. Sobra decir que esta versión le da mil vueltas a la protagonizada por Stallone allá por 1994: han dado en el clavo con el diseño de Mega-City One y han hecho una buena adaptación del uniforme y gadgets del cuerpo de jueces al mundo de la imagen real, la personalidad cripto-pracmática-fascista de Dredd queda perfectamente reflejada, la introducción de la Juez Anderson como contrapunto a la idiosincrasia dreddiana funciona muy bien (al igual que en los cómics), los guiños a historias clásicas aparecen por doquier a lo largo del metraje, no hay remilgos a la hora de tirar de violencia gratuita…
Con todo, da la sensación de que falta algo, de que no se ha aprovechado el enorme potencial satírico del material original, de que Pete Travis (director) y Alex Garland (guionista) han descuidado ciertos elementos que han hecho grande al cómic a lo largo de sus más de 30 años de historia. Por otra parte, cabe preguntarse ¿Hasta qué punto es posible la mejora respecto a lo entregado? En cómic está demostrado que el mejor ecosistema para el personaje es la historia corta, con tendencia al exceso, al gag negrísimo/ultraviolento y la moraleja sátiro-fascista pasada de rosca; unas condiciones demasiado “de tebeo” para ser replicadas en formato de largometraje. Posiblemente los responsables del film decidieron echar mano de los aspectos más cinematográficamente adaptables del (longevo y heterogéneo) cómic sin perder la esencia del mismo.
Dadas las circunstancias, doy mi aprobación a la peli, y me haría mucha ilusión que funcionara en taquilla para ver más de esta versión de Dredd, pero no me resisto a dejar una propuesta de enfoque para una hipotético tercer intento de adaptación: Una peli compuesta de segmentos cortos, cada uno con su propio director, diseño de producción y actor protagonista, como si de un volumen recopilatorio en papel se tratase, con varios equipos artísticos dando cada uno su versión de este verdadero icono overground. Queda dicho.
Para cerrar el post, no puedo dejar de recomendarles dos productos relacionados altamente disfrutables. Por un lado el imprescindible tomo “Mega-City Masters 01”, editado por Kraken recopilando historias de auténticas figuras del cómic anglosajón que han dejado su huella en la cabecera: Wagner, Grant, Bolland, O’Neill, Byrne, Gibbons, McCarthy y un largo y excelso etcétera. Por otro el LP “Drokk: Music inspired by Mega-City One” obra de (el Portishead) Geoff Barrow y Ben Salisbury; detrás del curioso título se esconde la banda sonora originalmente elaborada para el film y que finalmente fue descartada en favor de la compuesta por Paul Leonard-Morgan. Se la dejo a continuación:
Buscando material gráfico para el próximo post me encuentro con un “tesoro” inesperado. Se trata de “Brigade”, una de las primeras series surgidas de los Extreme Studios fundados por Rob Liefeld dentro de Image. Recordaba que aquellos tebeos eran infumables, pero no me esperaba semejante tosquedad en los dibujos como lo que vi en esta cabecera, tanta que roza el amateurismo infantil… tanta que roza LO SUBLIME.
Porque no nos engañemos, material como éste, convenientemente presentado y lanzado por una editorial coolérrima tipo Picturebox o Nobrow, cuela como vanguardista.
En fin, les dejo una pequeña muestra del material. Si no quedan convencidos de su excelencia, por lo menos maravíllense ante el mágico hecho de que haya sido publicado de manera profesional:
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