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RESEÑAS EXPRESS: «El Destino de Júpiter», «Keyhole», «Big Hero 6», «John Wick», «Birdman»,«Orígenes»

jueves, 12 de febrero de 2015

keyhole Jason Patric keyhole

Remesita de reseñas apresuradas en Letterboxd. Para no perder la costumbre:

El Destino de Júpiter (Hnos. Wachowski, 2015)
Soy plenamente consciente de que a esta peli le van a dar hasta en el carnet de identidad, pero a mi me ha parecido bastante buena. Lo explico en 3 puntos:

Estética: Extremadamente consecuente con la línea queer que los Wachowskis han desarrollado a lo largo de toda su filmografía, y que últimamente han llevado incluso al terreno de la militancia. Mejor esta fantasía rococó que otra dosis de diseño de producción estándar y anodino.

Universo: Muy bien montado, y sobre todo, con mucha gracia. De pasada van integrando en la ficción los principales highlights de la fenomenología OVNI y dan una explicación "convincente" a la existencia de alienígenas con apariencia humana.

Mensaje: No tiene la carga de "Matrix", pero unas cuantas puñaladas al capitalismo salvaje en el que estamos inmersos las dan. Y muy finas.

Pues eso. Wachowskis foreveeeer!!

Jupiter Ascending

 

Keyhole (Guy Maddin, 2011)
Las obra de Guy Maddin me fascina. Me fascina su hondura hauntológica, su enrevesada sexualidad, sus árboles genealógicos torturados..

Keyhole tiene todo esto y además es una peli de fantasmas como ninguna otra. Compro (otra vez).

Keyhole

 

Big Hero 6 (Don Hall y Chris Williams, 2014)
Chulísmo artefacto visual… y poco más. La enésima muestra del estancamiento del cine de animación infográfico, incapaz de salirse de sus propios clichés. Necesitamos un rotundo golpe sobre la mesa como no se ha dado desde… "Wall-E" ?

Big Hero 6

 

John Wick (Chad Stahelski y David Leitch, 2014)
Gran personaje y soberbias escenas de acción, pero sin duda, lo más fascinante de la peli es el (sub)mundo hipercapitalista en el que se desarrolla.

Dinero premium para comprar servicios premium. Conceptazo.

John Wick

 

Birdman (Alejandro González Iñárritu, 2014)
Iñárritu me cae fatal. Tanto sus películas como sus declaraciones en entrevistas lo delatan como un señor con mucho ego, con muchas ínfulas, siempre enarbolando una bandera de superioridad artística y moral que suena mas a "dime de lo que presumes y te diré de lo que careces" que a otra cosa…

Pero en esta ocasión, en lugar de ponerse a dar lecciones sobre condición humana, el dolor, la pérdida y todas esas cositas con las que es fácil vender la moto entregando mierda, se aplica a si mismo lo de "escribe sobre lo que conozcas", y le ha quedado muy bien. Porque la peli toca temas que Iñárritu tiene muy machacados en su ególatra cabecita.

Un atropellado segmento final y las inevitables dosis de condescendencia cultural le quitan redondez al resultado, pero me alegro mucho de este cambio de rumbo del mexicano.

Ah… y muy fino el guiño metalingüístico de tirar de pirotecnia en un producto "elevado" para atraer más público. Al fin y al cabo, no es lo que hizo él con ese tráiler, ese (meta)protagonista y el gancho del cine de superhéroes?

Birdman

 

Orígenes (Mike Cahill, 2014)
Paradójica tesitura: Quizá la mejor película que he visto en mi vida en cuanto a exposición del funcionamiento del método científico, una exposición bastante rigurosa a la vez que amena…. Y todo eso al servicio de un mensaje que hará las delicias de todo true believer de la New Age. En fin…

Orígenesjpg

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Lo Mejor de 2014: Cine

martes, 6 de enero de 2015

Top2014 

Top 10

10 10 Solo los amantes sobreviven Solo los amantes sobreviven (Jim Jarmusch, 2013)
Esta vez le toco a Jarmusch demostrar lo inagotable del género vampírico, y paradójicamente lo hace hablando del agotamiento de la cultura occidental. Poca sangre nos queda en las venas ya…
9 09 Borgman Borgman (Alex Van Warmerdam, 2013) 
Lucifer, Drácula, Loki, Mefistófeles… todos ellos y muchos más forman parte de ese cripto-hijoputa definitivo que es Camiel Borgman. Pese a todo, te cae bien desde el minuto 1. Buen trabajo, Warmerdam.
8 08 Magical Girl Magical Girl (Carlos Vermut, 2014)
Carlos Vermut depura su estilo a cotas inimaginables para una segunda película (primera en un entorno de producción estándar). Raro dar con artistas que hayan encontrado su propia voz tan rápido y de una manera tan rotunda.
7 07 El Desconocido del Lago El Desconocido del Lago (Alain Guiraudie, 2013)
Microcosmos geográfico, macrocosmos pasional. Guiraudie aborda su ya característico universo, llamémosle, gay provinciano, desde una nueva perspectiva. El resultado, tan  naturalista visualmente como fascinante a nivel psicológico.
6 06 El Lobo de Wall Street El Lobo de Wall Street (Martin Scorsese, 2013)
Tardó en cuajar, pero al final mereció la pena. Tras más de una década de colaboraciones resultonas en el mejor de los casos y nefastas en el peor, Scorsese y DiCaprio hacen la película que estaban destinados a hacer. Locura reveladora, y el plano final, ORO PURO.
5 05 La Venus de las Pieles La Venus de las Pieles (Roman Polanski, 2013)
Nuevo golpe sobre la mesa de genio polanskiano, o como llevar una modesta producción de cuasi-teatro filmado con solo dos actores a los inabarcables territorios del metarrelato con implicaciones mitológicas.
4 04 R100 R100 (Hitoshi Matsumoto, 2013)
A ver si me explico: Si Einstein no hubiese nacido, tarde o temprano alguien formularía la Teoría de la Relatividad. Si Matsumoto no existiera, jamás veríamos algo remotamente parecido a R100.
3 03 El Congreso El Congreso (Ari Folman, 2013)
Tremenda reflexión fantacientífica acerca de la percepción, la identidad y la (auto)imagen. Conteniendo, además, fragmentos animados que se pueden contar entre los más bellos que se han realizado en lo que va de siglo.
2 02 Sueño de Invierno Sueño de Invierno (Nuri Bilge Ceylan, 2014) 
Ceylan se ensaña (finamente) con cositas tan confusas y dañinas como el señoritismo, la caridad y la condescendencia intelectual. Eso de “poner el dedo en la llaga” suena a tópico, pero en este caso, es la puta verdad.
1 01 Un Toque de Violencia Un Toque de Violencia (Jia Zhang Ke, 2013)
Baño de realidad, catarsis y lírica visual; todo junto en una misma película. Si hay que conservar un film que capture el inconsciente colectivo planetario del momento, que sea este. Gentuza que veis en China el modelo económico a seguir, pensad muy bien lo que deseáis, porque a lo mejor se acaba cumpliendo…


También me gustaron mucho:
A propósito de Llewyn Davis (Hnos. Coen, 2014)
Black Coal
(Diao Yinan, 2013)
Los Canallas
(Claire Denis, 2013)
La Chica del 14 de Julio (Antonin Peretjatko, 2013)
Dos días, una noche (Jean-Pierre y Luc Dardenne, 2014)
Drug War: La Guerra de la Droga (Johnnie To, 2013)
Enemigo (Denis Villeneuve, 2013)
El Gran Hotel Budapest (Wes Anderson, 2014)
Frances Ha (Noah Baumbach, 2013)
Hermosa Juventud (Jaime Rosales, 2014)
La Isla Mínima (Alberto Rodríguez, 2014)
Jauja (Lisandro Alonso, 2014)  
Joven y Bonita (François Ozon, 2013)
Madre e Hijo (Calin Peter Netzer, 2013)
Nebraska (Alexander Payne, 2013)
Nymphomaniac
(Lars Von Trier, 2014)
Neuroworld (Borja Crespo, 2014)
Open Windows (Nacho Vigalondo, 2014)
Perdida (David Fincher, 2014)
Rompenieves (Bong Joon-ho, 2013)
El Sueño de Ellis (James Gray, 2013)
El Viento se levanta (Hayao Miyazaki, 2013)

Todavía no he podido ver, pero intuyo que me gustarán:
20.000 días en la Tierra (Iain Forsyth y Jane Pollard, 2014)
Ida (Pawel Pawlikowski, 2014)
Mr. Turner (Mike Leigh, 2014)
Museum Hours (Jem Cohen, 2012)
Post Tenebras Lux (Carlos Reygadas, 2013)
Sacro GRA (Gianfranco Rosi, 2014)
Stella Cadente (Lluís Miñarro, 2014)

Perlas “invisibles” (aún no estrenadas oficialmente en España):
La Chambre Bleue (Mathieu Amalric, 2014)
The Double (Richard Ayoade, 2013)
Night Moves (Kelly Reichardt, 2014)
Maps to the Stars (David Cronenberg, 2014) 
Clouds of Sils Maria (Olivier Assayas, 2014)
Still the Water (Naomi Kawase, 2014)
The Rover (David Michôd, 2014)
Tusk (Kevin Smith, 2014)
Under the Skin (Jonathan Glazer, 2014)

Menciones especiales/comentarios/anotaciones:

Bajona blockbuster: Las superproducciones cada vez cuestan más y recaudan menos. Todavía son el motor económico de Hollywood, pero este año, sobre todo en los States, las cifras no han sido demasiado brillantes. La rentabilidad es cada vez más chino-dependiente,  lo young adult no encuentra nuevo bombazo y las últimas “películas-acontecimiento total” no han tenido la misma relevancia que en años anteriores. 2015 viene cargado de ellas, a ver que pasa…

Cine español on fire: Dejando aparte ya las alegrías de la taquilla, la cosecha 2014 ha sido excelente: Magical Girl, La Isla Mínima, Open Windows, Neuroworld, Hermosa JuventudTodos tus secretos… Y todavía me quedan por ver unas cuantas que también prometen: Taller Capuchoc, 10.000 KM, Musarañas, Stella Cadente, Justi&Cía, Costa da Morte, Obra 67… 

Boyhood, ni para tanto: Vale que entra como agüita fresca, pero el entusiasmo cuasi-unánime de la crítica me parece desproporcionado. Me pregunto si el detalle de haberse rodado a lo largo de 13 años con los mismos actores fue tan importante en el resultado final y cuánto tuvo que ver en la atención crítica y  mediática que ha recibido el film.

Quiero ver en 2015:
’71 (Yann Demange, 2014)
007: SPECTRE (Sam Mendes, 2015)
Aux Yeux Des Vivants (Alexandre Bustillo & Julien Maury, 2014)
Alléluia (Fabrice du Welz, 2014)
Birdman: o la inesperada virtud de la ignorancia (A. Glez. Iñárritu, 2014)
Blackhat (Michael Mann, 2015)
Când se lasa seara peste Bucuresti sau metabolism (Corneliu Porumboiu, 2014)
Crimson Peak (Guillermo del Toro, 2015)
Chappie (Neill Blomkamp, 2015)
El Destino de Júpiter (Jupiter Ascending) (Hnos. Wachowski, 2015)
Ex Machina (Alex Garland, 2015)
The Fantastic Four (Josh Trank, 2015)
The Hateful Eight (Quentin Tarantino, 2015) 
High-Rise (Ben Wheatley, 2015)
It Follows (David Robert Mitchell, 2014)
Jurassic World (Colin Trevorrow, 2015)
Kamisama no iu tôri (Takashi Miike, 2014)
Kingsman. The Secret Service (Matthew Vaughn, 2015)
Kuime (Takashi Miike, 2014) 
Knight of Cups
(Terrence Malick, 2015)
Midnight Special (Jeff Nichols, 2015)
Nightcrawler (Dan Gilroy, 2014)
Puro vicio (Inherent Vice) (Paul Thomas Anderson, 2015)
Selfless (Tarsem Sight, 2015)
Stray Dogs (Tsai Ming-liang, 2013)
Silencio (Pedro Almodóvar, 2015)
Taller Capuchoc (Carlo Padial, 2014)
Los Vengadores: la era de Ultrón (Joss Whedon, 2015)

 

Top 15 SOLO 2014 (a fecha de hoy) 
Como el año pasado, para cerrar el post confecciono un top alternativo solo con películas estrenadas mundialmente en 2014, aunque sigan “inéditas” en España. Me faltan todavía muchas por ver, pero con 70 películas de 2014 vistas, este es mi veredicto:

1. Under the Skin
2. Sueño de Invierno
3. Clouds of Sils Maria
4. Still the Water
5. Night Moves
6. Magical Girl
7. Jauja

8.
The Double
9. A Propósito de LLewyn Davis
10. La Isla Mínima
11. Open Windows 
12. Tusk
13. Perdida
14. La Chambre Bleue
15. The Rover   

Anteriormente:

Lo Mejor de 2006: Cine
Lo Mejor de 2007: Cine
Lo Mejor de 2008: Cine
Lo Mejor de 2009: Cine
Lo Mejor de 2010: Cine
Lo Mejor de 2011: Cine
Lo Mejor de 2012: Cine 
Lo Mejor de 2013: Cine

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Magical Girl

jueves, 23 de octubre de 2014

Magical Girl2

Desde hace un tiempo manejo un concepto de “consumo interno” al que llamo “efecto Domino Records”. El nombre viene de lo que les pasó Julia Holter y Dan Deacon  tras firmar contrato con dicha discográfica. Antes, estos artistas se manejaban en un entorno creativo modesto a nivel medios, aprovechándose del abaratamiento de costes en la producción musical para dar a luz obras tan memorables como personales. Cuando se pasaron a Domino, se ve que cayeron bajo el influjo de los presupuestos holgados. Enseguida se subieron al carro de la grandilocuencia, de los discos conceptuales con orquestas sinfónicas de por medio. No tengo por qué quejarme de esto, tanto Loud City Song como America son dos discazos, pero son discazos que se parecen más a otros discazos. Mas dinero resultó en mayor ambición, pero también en mayor homogeneización.

Mundo

Demonio

Carne

Vista Magical Girl, se puede decir que Carlos Vermut no ha sido víctima del “efecto Domino Records”, más bien todo lo contrario. Respecto a Diamond Flash,  la nueva película presenta menos personajes, menos tramas, menos diálogos, menos saltos narrativos… El dinero no se ha utilizado en este caso para hacer algo más grande, sino que ha ayudado a que todo luzca más intenso, más pulido, mejor interpretado…  en definitiva más cercano a como el realizador pudo haber imaginado la película.  Cada frase y cada plano quedan fijados en la cabeza del espectador con tanta fuerza que casi da miedo, pienso que con haberla visto una sola vez  recuerdo nítidamente casi la totalidad de los diálogos, así como ciertas estampas de gran poderío simbólico-narrativo.

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Si Magical Girl anida en la cabeza del espectador tanto tiempo es porque ese minimalismo expositivo viene cargado de contenido. De manera casi subterránea a la vez que incisiva, la película toca muchos palos a la vez, fusionando universos cinematográficos aparentemente disjuntos. En ese sentido, y aunque se trata de películas muy distintas, podríamos hermanarla con A Touch of Sin. Ambos films mezclan crónica social, cine de género y un acentuado simbolismo en un todo tan bello como relevante en cuanto al tiempo que nos ha tocado vivir.

En definitiva, si Diamond Flash fue un diamante en bruto, Magical Girl es la pequeña y valiosa joya que ha salido de pulir dicho diamante. Personalidad autoral concentrada, sin aspavientos, sin ínfulas, sin pretensiones de establecer “un antes y un después”… Simplemente una historia que nadie más que Carlos Vermut te puede contar.

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Década 0, Cara B: «Heavy Metal: F.A.K.K.2»

viernes, 19 de septiembre de 2014

Heavy_Metal_2-Caratula Heavy Metal: F.A.K.K.2, Heavy Metal 2000, Heavy Metal 2…  la cantidad de títulos que ha tenido la secuela de Heavy Metal desde que nació como concepto hasta su estreno ya da una idea de lo dilatado que fue su periodo de gestación. La “gran esperanza blanca” del cine de animación adulto occidental nació tarde y mal. Muy mal.

Todo empezó a mediados de los 90. De aquellas, gracias al dinerito acumulado por los derechos de las Tortugas Ninja, Kevin Eastman se convirtió en el jefazo de Heavy Metal, la revista que naciera a finales de los 70 como equivalente americana a la Metal Hurlant francesa. Los años de gloria de dicha cabecera ya habían pasado, aunque entiendo que en los States conservaría un público fiel, pues prácticamente era el único canal de suministro de BD fantástica  y de ciencia ficción que existían por aquel entonces en el país. La cuestión es que, dada la buena acogida de la reedición en VHS de la peli original, al bueno de Eastman se le ocurrió poner en marcha una segunda parte.

La Heavy Metal Original

Para promocionar la película tiró del hype indiscriminado, de anunciar todo lo anunciable e ir mostrando sobre la marcha el material de preproducción que se iba generando: Que si (el entonces muy en alza) Simon Bisley iba a realizar los diseños, que si el personaje principal iba a inspirarse en su mujer y musa de la serie B Julie Strain, que si se estaban haciendo gestiones para poner a grupos de renombre en la banda sonora… Un despliegue de pre-marketing insólito para aquellos tiempos en los que la WWW aún estaba en pañales.

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Pasaban los meses y ni rastro de la película, pero Eastman empezó a editar/monetizar todo ese material gráfico previo: El libro de ilustraciones de Simon Bisley, la sesión de fotos de Julie Strain caracterizada como la protagonista (tope chabacano, lo sé),  calendarios, posters, tazas, estatuas… En 1999, unos meses antes del estreno del film salió un número extra de la revista titulado F.A.K.K. 2 Illustrated Movie Special, la historia de la película en versión cómic (de nuevo, ilustrada por Bisley) que de alguna manera justificaría que el nuevo film también estaría basado en comics aparecidos en la Heavy Metal.

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Personalmente, viví todo el proceso con cierta sospecha. La película original ya no era santo de mi devoción y no esperaba grandes avances en la nueva. Pero como me encantaba Bisley, fui capturado por el hype, por la idea de contemplar su salvaje estilo gráfico en movimiento, aún a sabiendas de que la animación no iba a ser nivel Disney ni mucho menos. Pero con el Illustrated Movie Special se me cayeron todas las esperanzas: En sus páginas finales aparecían por primera vez los fondos pintados y los sheets con los diseños reales de los personajes en la película. Ni rastro de Bisley, y mucho tufo a animación barata estilo X-Men Adventures.

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F.A.K.K.personajes

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Finalmente la película salió en el año 2000, directa a DVD, y los peores presagios se cumplieron, con el agravante de que el concepto de “animación adulta” que heredaba de su predecesora ya olía a rancio. Mientras en Japón se venían produciendo desde hace años obras maestras de la animación para ese sector de público y en cómic crecía sin prisa pero sin pausa el número de autores y publicaciones asociados a lo que ahora se ha dado en llamar  “movimiento de la novela gráfica”, como que un relato plano de fantasía/sci-fi con dosis más elevadas de lo normal de sangre y tetas estaba ya muy alejado del concepto de adultez. De alguna manera, esta película representó un fin de ciclo, el agotamiento de una manera de entender la evolución de esos medios. La idiosincrasia Heavy Metal no era muy buena respuesta al cliché “los tebeos/dibujos animados son para niños”.

Vista la cutrez sin paliativos del producto, resulta chocante que su banda sonora estuviese firmada por figuras respetables de la escena metalera de la época, con bandas como Monster Magnet, System of a Down o Queens of the Stone Age, que lo estaban petando mucho en aquel momento. Si la película era un exploit a destiempo de una marca en decadencia, su banda sonora fue un fiel reflejo de una parte de lo que se cocía musicalmente a las puertas del siglo XXI.

Flat Heavy Metal 2000

En fin…se suponía que esta sección del blog iba a estar dedicada a joyitas de los 00 que pasaron desapercibidas. Heavy Metal 2 no es una joyita y entró en los 00 por los pelos y de arrastro… Pero bueno, que quede constancia que aquí el menda, en algún momento del largo periodo de hype, creyó en el producto, se ilusionó por lo que podía resultar de aquello. Sirva este post de homenaje a todos los hypes bonitos de vivir aunque acaben mal.

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Retratos (XI) : Werner Herzog por Nadav Kander

viernes, 5 de septiembre de 2014

Fantástico retrato, aprovechando contexto y desencuadre para que el fondo diga tanto sobre el personaje como la propia figura del mismo.

A todo esto, feliz cumpleaños Werner! (72)

Werner Herzog por Nadav Kander

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Citas Pop (XXIII): Actores

miércoles, 30 de julio de 2014

Fragmento de Neuroworld, un #littlesecretfilm de Borja Crespo con la colaboración de Miguel Ángel Martín en los guiones. La película puede verse gratis en Youtube, pero eso no va a durar siempre. No se la pierdan, viene cargada con mucho morbo y muchas verdades:

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Postermania (XVI): Diabolik

lunes, 16 de junio de 2014

El adjetivo “coolérrimo” se queda corto para hablar de la pareja formada por Diabolik y Eva Kant. Era menester que la película que protagonizaron en 1968 viniese acompañada de unos posters a la altura de las circunstancias. Les dejo aquí los que he ido recopilando hasta ahora:

Danger Diabolik (3)

Danger Diabolik (2)

Danger Diabolik (1)

Danger Diabolik (4)

Danger Diabolik (6)

Danger Diabolik (5)

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Dobles

martes, 10 de junio de 2014

Enemy The Double

Asombrosamente oportuno el que dos películas que tratan el tema del doble coincidan en la misma temporada cinéfila. Un hecho “sincrónico” que aporta un extra de fascinación a las ya de por sí fascinantes Enemy (Denis Villeneuve, 2013) y The Double (Richard Ayoade, 2013). Como buen sistema binario doppelganger, ambas presentan insólitas similitudes (más o menos) superficiales, pero se desarrollan bajo idiosincrasias muy diferentes.

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The.Double.1

Tanto The Double como Enemy ostentan orígenes literarios. Adaptan respectivamente (y tomándose bastantes licencias, al parecer) El Doble de Dostoievski y El Hombre Duplicado de Saramago. No he leído ninguna de las dos novelas, pero sé que sus autores pueden conectase a través de lo kafkiano: Dostoievski como claro precursor y más que posible fuente de inspiración del célebre escritor checo; Saramago como uno de los escritores contemporáneos que más ha tomado de la obra de Kafka. Lo kafkiano está muy presente en ambas películas: El individuo aplastado por su entorno, integrado en una maquinaria que no puede comprender. Los personajes interpretados por Jake Gyllenhaal y Jesse Eisenberg se mueven en espacios urbanos que parecen extenderse hasta el infinito y viven en enormes edificios/colmena que despojan de personalidad a sus habitantes. Para reforzar el efecto despersonalizador, ambos directores han optado por una fotografía saturada y dominada por los tonos ocres. En definitiva, los dos films parten de un entorno base similar.

Enemy (5)

The Double (1)

Dentro de esos parámetros ambientales, Villeneuve tira por el criptothriller. Ya puestos a mencionar referentes ilustres, hay mucho del Lynch de Carretera Perdida en Enemy, pero también del Cronenberg de Vinieron de de dentro de… . Dos claves: la narración como estado mental apartado de la literalidad y lo iincognoscible representado por una mezcla de hormigón y carne negra (y hasta ahí puedo leer). No caigan en la trampa, no intenten buscar un sentido a la película más allá del simbólico, de lo contrario acabarán frustrados. Lo que se pone en juego en Enemy es el concepto de identidad, ¿Qué es? ¿Qué valor tiene? La idea del intercambio, de poder ser otro sin que nadie se de cuenta de ello… ¿atrayente o aterradora?. Gyllenhaal interpreta su doble papel sirviéndose ante todo de la fisicidad, la gesticulación, la mirada; hay poco diálogo en Enemy, pero mucha intensidad física.

Enemy (7)

Enemy (9)

Enemy (14)

Enemy (18)

Enemy (19)

Enemy (13)

Enemy (23)

Enemy (24)

Enemy (21)

Enemy (25)

Enemy (26)

En el caso de The Double, el enfoque elegido por Ayoade es el de tragicomedia surrealista. La acción se desarrolla en un universo deliberadamente extraño, en una especie de régimen dictatorial retrofuturista. Eisenberg interpreta (al principio) a un arquetípico funcionario alienado, totalmente aplastado por la maquinaria del sistema y por sus obligaciones familiares. Sin saberse muy bien de dónde, a este trasunto de Gregor Samsa le sale un compañero de trabajo físicamente idéntico, pero dotado de una malicia y unas aptitudes sociales inexistentes en la “versión original”.

The Double (12) 

The Double (30)

The Double (28)

The Double orbita alrededor de la angustiosa idea de que para alcanzar tus metas has de renunciar a tu propia identidad, que a lo mejor dichos objetivos vitales son incompatibles con tu persona, y para llegar a ellos has de dejar tus principios y tu forma de ser a un lado. Pese a su tono cómico, resulta más terrorífica que Enemy. Lo que en la de Villeneuve era fascinación e incertidumbre se convierte aquí en sentimientos de  frustración, usurpación e injusticia. Ayoade roza con los dedos los mejores momentos del triunvirato Kaufmann/Jonze/Gondry, haciendo gala de un sentido del humor jodidamente amargo. Por su parte, Eisenberg lo borda en su tarea de diferenciar ambos papeles, con la complicación añadida de que ambos personajes visten y van peinados exactamente igual. Una de sus mejores herramientas para conseguirlo es su capacidad verbalizadora, que tanto le sirve para hablar con torpeza como para soltar largas parrafadas a la velocidad del rayo.

The Double (9)

The Double (19)

The Double (18)

The Double (32)

The Double (33)

Dicho esto, solo me queda soltar el chascarrillo inevitable : Estas pelis conforman la sesión doble más interesante de la temporada. Vean las dos y opinen cual es su favorita. Mi voto es para The Double.

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RESEÑAS EXPRESS: «Rompenieves», «La LEGO Película», «Ocho Apellidos Vascos», «L’étrange couleur des larmes de ton corps», «El viento se levanta», «Space Pirate Captain Harlock», ,«Toad Road», «Capitán América: Soldado de Invierno», «La Vida Secreta de Walter Mitty», «La Venus de las Pieles», «R100», «El Lobo de Wall Street», «Magic Magic», «Big Bad Wolves»

viernes, 9 de mayo de 2014

Nueva remesa de (irreflexivas) reseñas recicladas  de mi Letterboxd. Las Intramuros’ choice, marcadas con asterisco (*)

Rompenieves (Bon Joon-ho, 2013)*
Fantástico ¿primer? encuentro entre BD francesa de ciencia-ficción y cine coreano.

Rompenieves

Joon-ho no solo consigue que la loquísima premisa inicial no se le vaya de las manos, sino que establece una poderosa metáfora acerca de la humanidad. De cómo se debería resolver toda la mierda esta en la que estamos metidos.

 

La LEGO Película ( Phil Lord y Chris Miller, 2014)*
¿No has entendido la trilogía “Matrix”? ¿”The Invisibles” y Grant Morrison en general te suenan a chino? Corre a ver “La LEGO Película” y lo comprenderás TODO. Garantizado.

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Ocho Apellidos Vascos (Emilio Martínez-Lázaro, 2014)
Tengo que admitir que me reí. Aún así, un aprobado no se lo puedo dar.

 

L’étrange couleur des larmes de ton corps (H. Cattet y B. Forzani, 2013)
El que mucho abarca poco aprieta. Cattet y Forzani aplican su aparataje de narración ultrasensitiva en una historia menos simple y mucho más cargada de personajes que “Amer”.

L'étrange couleur des larmes de ton corps

Todo muy bonito a nivel estético, pero no han llegado al meollo como si lo hicieron en su ópera prima. A ver como les va con la siguiente…

 

El viento se levanta (Hayao Miyazaki, 2013)*
Mala idea la de Miyazaki el meterse en camisas de once varas para cerrar su filmografía.

No me entiendan mal; cualquier cosa que salga de las manos de este hombre caga por el 90% de lo que se ha hecho en la historia del cine, pero utilizar su (planeada) peli de despedida para adentrarse en en terrenos nunca antes transitados para él como es el del biopic con personaje polémico, como que ha sido mucho arriesgar, y no le ha quedado tan bien como cualquiera de sus últimos largometrajes.

El Viento se Levanta

Si acaso, destacar lo oportuno de lo que cuenta respecto a su propia persona: El dedicar la vida a la búsqueda de la belleza por encima de todas las cosas.

 

Noé (Darren Aronofsky, 2014)
A mí no me engañan. Detrás de esta película están Trey Parker y Matt Stone bajo pseudónimo.

NOAH

Superó en mucho mis expectativas “bizarre”. Ese tramo final rayano en temática a “El Resplandor”, impagable.

 

Space Pirate Captain Harlock (Shinji Aramaki, 2013)

Space Pirate Captain Harlock

Pierde el rumbo muy rápido, y a partir de la primera hora de metraje se sucenden como 5 finales consecutivos… Lo único realmente memorable es la traslación a 3D del estilo de Leiji Matsumoto. Coolérrimo.

 

Toad Road (Jason Banker, 2013)

Toad Road

Hey tú, alternapijo universitario, interesado en la cultura de las drogas, lector de Escohotado y Castaneda, consumidor de pelis “con movidas raras” (ya te viste todo Lynch, “Miedo y Asco en Las Vegas” y “The Doors” )… Ésta es tu película, no la mía.

 

Capitán América: Soldado de Invierno (Joe & Anthony Russo, 2014)
Llegado a este punto en la evolución de Marvel Studios, uno ya sabe más o menos cuáles son las cotas máximas y mínimas de excelencia que se pueden encontrar en sus películas. Dentro de ese baremo, ésta puntúa muy alto.

Capitán América-Soldado de Invierno

Respetable cinta de aventuras que no toma por tonto al espectador, aderezada con momentos 100% Marvel (Marvel Comics, quiero decir), que seguro tocarán la fibra a todo aquel que (como yo) alguna vez se emocionó genuinamente leyendo ese glorioso material.

Si me pilla con diez años, lo hubiera flipado mucho mucho.

 

La Vida Secreta de Walter Mitty (Ben Stiller, 2013)
Ya no afronté el visionado con grandes expectativas, y aún así me ha defraudado bastante. Lo que supuestamente iba a ser un “derroche de imaginación”, lo vi tan aséptico, con unas soluciones visuales tan manidas, tan blanco todo (fotografía y humor)…

La Vida Secreta de Walter Mitty.

Lo más fuera de la realidad que se le puede achacar a esta película es el considerar el extraordinario puesto de trabajo de Walter como algo aburrido y anodino. Muchísimo más convencionales son sus fantasías de poder adolescentes de inspiración dragonballiana.

Pd: Por favor Hollywood, dosifiquen el uso de covers de Bowie, no lo conviertan en un chascarrillo barato epatante. Lo de Steve Zissou me gustó mucho y no quiero acabar repudiándolo.

 

La Venus de las Pieles (Roman Polanski, 2013)*
Nuevo golpe sobre la mesa de genio polanskiano, o como llevar una modesta producción de cuasi-teatro filmado con solo dos actores a los inabarcables territorios del metarrelato con implicaciones mitológicas.

La Venus de las Pieles (foto de rodaje)

Dos apuntes:
-Emmanuelle Seigner, REINA MILF.

-Pido una edición especial, con una capa “meta” extra, incluyendo el “making of” aireando las tribulaciones de Polanski y los dos actores (su mujer y su alter ego, recordemos) durante el rodaje. Si no acaba en trío, no es creíble.

 

R100 (Hitoshi Matsumoto, 2013)*
Hitoshi Matsumoto SUMO CREADOR.

R100

Qué manera la de este señor de entregar películas simple y llanamente IMPENSABLES para cualquier otro de los que caminamos sobre la faz de la Tierra!!

 

El Lobo de Wall Street (Martin Scorsese, 2013)*
Esta vez cuajó. Al fin el tándem Scorsese/DiCaprio ha dado algo realmente brillante. Brillantemente LOCO.

The Wolf of Wall Street

Un bravo muy grande por ese señor de 70 años que acaba de dejar en en evidencia a una enorme masa de jóvenes y modennos realizadores que parecen seniles a su lado.

 

Magic Magic (Sebastián Silva, 2013)
Muy chungo todo… muy chungo pero sutilmente plausible, lo cual pone las cosas todavía más chungas para (los nervios de) el espectador.

Magic Magic

A todo esto, Temple y Cera, chapeau.

 

Big Bad Wolves (Navot Papushado y Aharon Keshales, 2013)
A lo mejor la etiqueta “Tarantino’s Choice” ha influido en mi percepción del film…

Big Bad Wolves

Buen thriller en el sentido de que te mantiene (más o menos) en vilo durante todo el metraje, pero su tono recuerda a cierta tendencia noventera de “flipación”, muy hija bastarda del Tarantino de aquella época. Para pasarlo bien sin pretensiones de contemplar una obra maestra.

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Amer

martes, 8 de abril de 2014

Amer

Tras el rechazo que El Árbol de la Vida provocó en ciertos sectores cinéfilos (no es mi caso), parece que el término “experiencia sensorial” ha quedado un poco devaluado. Desgastado de tanto aparecer en las críticas sobre la cuestionada película de Malick, convertido en excusa para glorificar películas bonitas pero huecas y cursis. Si ustedes son de los que piensan así huyan de esta reseña, porque básicamente lo que voy a decir de Amer es que se trata de una experiencia sensorial “pata negra”.

Está claro que Hélène Cattet y Bruno Forzani rinden culterano homenaje al giallo, pero no es menos cierto que utilizan los códigos de dicho género para desplegar un discurso propio, un discurso ya no solo sensorial, sino también hormonal. Da la sensación de que la pantalla transpira feromonas. Mediante un sinfín de brevísimos primeros planos sobre personas y objetos, aderezados con zooms, rupturas de eje, saturación de color y un excepcional uso de la banda de sonido, Cattet y Forzani nos hacen ver y sentir lo que ve y siente Ana: el calor, el deseo, la fascinación, olores, sabores…

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La historia, efectivamente, puro giallo, pero reducida a la mínima expresión, pues en Amer priman las sensaciones. Eso sí, el imaginario “giallístico” es si cabe tan potente como el resto de aparataje sensitivo. En el universo de Ana pululan siniestras entidades de existencia dudosa  que nos retrotraen a los terrores e incertidumbres de la infancia.

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Sinceramente, he tenido la película en la cola de visionados desde que Tarantino la incluyera en su top de 2009. Pese a semejante aval, me temía un hueco ejercicio pajero por parte de dos chalados del género en cuestión. Nada más lejos de la realidad; Cattet y Forzani juegan en otra liga, en la de Terrence Malick, Claire Denis o Bruno Dumont, pero con unos códigos y referentes más de género. Su nueva película L’étrange couleur des larmes de ton corps puede verse hasta el día 27 en el festival online Atlántida Film Fest. Allá voy…

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