Los carteles japoneses de películas occidentales de culto suelen molar mucho. Ahí van unos cuantos para varios films de Cronenberg:
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Postermania (XX): Cronenberg Nipón
Martes, 20 de marzo de 2012Cine Teatral
Martes, 29 de noviembre de 2011
Coinciden estos días en las carteleras dos películas que comparten un par de características remarcables: Son adaptaciones de piezas teatrales y fueron dirigidas por sendos maestros indiscutibles del séptimo arte. Creo que vale la pena comentar lo que ha salido de estos procesos de conversión en base a la naturaleza de las obras originales y las soluciones aportadas por sus respectivos realizadores.
Por parte de Roman Polanski nos llega “Un Dios Salvaje”, adaptación de la minimalista pieza de Yasmina Reza: Dos parejas de padres se reúnen en el piso de una de ellas (única localización) para resolver cordialmente una disputa entre sus respetivos hijos que terminó con uno de ellos agredido por el otro. Según pasan los minutos, la corrección política de los padres va desapareciendo en favor de la catarsis.
Atendiendo a su argumento, el material de base parece propicio para ser manejado por Polanski. Pero si nos adentramos un poco en el libreto nos damos cuenta que realmente los diálogos no dan la talla. Primero, porque no logran mantener el interés inicial durante la hora y media escasa de metraje, y segundo, porque parecen escritos para complacer como espectadores a esa clase burguesa que por otra parte pretenden poner en evidencia. Más que para remover conciencias, todo está planteado para que el espectador salga del cine/teatro orgulloso de la altura intelectual que le ha proporcionado el haber asistido al espectáculo. Un tipo de comportamiento muy asociado, pese a quien le pese, al consumo cultural de artes escénicas y conciertos de música culta. Obviamente, los dramaturgos contemporáneos saben en que mundo se mueven, y creo que Yasmina Reza escribió “Un Dios Salvaje” pensando mucho en su público objetivo.
Según leí, Polanski se tomó el carácter minimalista de la obra (cuatro personajes y un solo escenario) como un desafío cinematográfico. En lo que respeta a las actuaciones ha salido muy bien parado, con un casting perfecto que ha dado lo mejor de sí, en especial Kate Winslet y Cristoph Waltz. Dónde no ha estado tan fino es en el aspecto puramente cinematográfico. Polanski ha demostrado ser un genio a la hora de posicionar la cámara y manejar la mirada del espectador, pero en esta ocasión el contexto ha podido con él. Con cuatro personajes hablando sin parar, juntos en la misma habitación en el 90% del metraje, poco margen de maniobra le quedaba. En este caso, no hay “toque Polanski”, sólo teatro filmado con buen oficio.
Pienso que David Cronenberg ha salido mejor parado con “Un Método Peligroso”, adaptación de “La Cura del Habla” de Christopher Hampton. De nuevo, se trata de material que parece hecho de encargo para Cronenberg: El cruce de caminos entre Sigmund Freud, Carl Jung y Sabina Spielrein planteado como un momento crucial en la evolución del psicoanálisis, con mucha mala praxis y lucha de egos de por medio.
No sé hasta que punto se ha modificado el texto original para su conversión a guión cinematográfico, pero lo cierto es que el estilo clínico de los diálogos le viene al pelo a la quirúrgica narrativa visual de Cronenberg. La formalidad del lenguaje contrasta con la la intensidad del conflicto emocional e intelectual en el que se ven sumidos sus tres protagonistas. Este elemento lingüístico forma parte de la seña de identidad más poderosa del film: su marco contextual. Da la impresión que los personajes piensan, hablan y actúan como auténticos pioneros del psicoanálisis, no como personajes estandar “de época” que sueltan de vez en cuando algún chascarrillo sobre el inconsciente o el complejo de Edipo.
De esta manera, Cronenberg saca adelante una película “de época” dotada de una dimensión alienígena poco común en este tipo de producciones, y lo consigue no a través de planos rebuscados, ni con secuencias oníricas y/o alucinatorias, sino mediante dos recursos tan apegados a lo teatral como son el lenguaje y las interpretaciones. Por cierto, ojito a la Knightley, carne de Oscar.
Oruga
Viernes, 24 de junio de 2011
Tratar el tema de la guerra en el cine es un asunto harto complicado. Las implicaciones sociales, económicas, morales e ideológicas asociadas a un conflicto armado son tan complejas y están tan sujetas a la subjetividad que es imposible no caer en la simplificación o en la ingenuidad cuando intentamos sacar conclusiones acerca de ello. En muchas películas, ese inevitable efecto reduccionista es tan acusado, que las deja hundidas en el terreno de la mediocridad. Ese no es el caso de “Caterpillar”, lo último del grandísimo realizador japonés Kôji Wakamatsu.
Basándose en el relato corto “La Oruga” del genial Edogawa Rampo, Wakamatsu alcanza altísimas cotas de complejidad y ambigüedad minimizando contexto, personajes y argumento: En un pequeño poblado japonés, durante la II Guerra Mundial, a una mujer le es devuelto su marido tras perder éste todas sus extremidades en el campo de batalla, así como la capacidad de oír y hablar. Tan simple como terrible.
Con ese punto de partida, con gran parte de la acción discurriendo dentro de la casa del matrimonio protagonista y cargando los dos (estupendos) intérpretes principales con casi todo el peso dramático del film, resulta increíble ver como se despliega ante nosotros un inmenso fresco de lo que supuso para Japón participar en esa terrible guerra. Esta todo allí: el culto al (falso) héroe, la alienación provocada por el “sentimiento nacional”, el infierno psicológico al que quedan sometidos los retornados y sus familiares…
Con todo, el alcance del film no acaba ahí. Aprovechando la coyuntura de la amputación, Wakamatsu se adentra en terrenos neocárnicos dignos del Cronenberg más radical. No se corta a la hora de mostrar los momentos más íntimos de la pareja en todo lo relativo al cuerpo mutilado del soldado. A través de los horrores de la carne, consigue expresar el estado mental de los protagonistas, y por extensión de todo un país con asombrosa y espeluznante claridad.
Parece que Suehiro Maruo ha adaptado a manga el mismo relato. Conociéndolo, es de esperar un resultado menos sutil pero mucho más desquiciado e instalado en la narrativa de la pesadilla que el de la peli que nos ocupa. No puedo esperar a tenerlo en mis manos.
Tráiler:
Splice
Lunes, 2 de agosto de 2010La última de Vicenzo Natali es una de esas películas a las que, para sacar de su “penaniglorismo” crítico y comercial bastaría con introducirla en el mercado con la firma de un nombre de más enjundia. Pongamos en este caso el de David Cronenberg.
Porque tras esa apariencia de película insustancial de “monstrua” y científicos locos, “Splice” tiene mucha mucha chicha. De hecho los que se esperen un slasher biotecnológico con sangre y muerte a borbotones van a quedar considerablemente decepcionados. El que la estrella de la función sea una mutante creada en laboratorio no debería desviar la mirada del espectador sobre sus creadores, convincentemente interpretados por dos actores de talla como son Adrien Brody y Sarah Polley.
Natali no se queda en la tópica superficie con disgresiones éticas acerca de trabajar con material genético humano en el laboratorio, va mucho más allá. Esta peli va sobre la inmadurez, sobre tomar conciencia de ser responsable de una vida (in)humana, sobre el concepto de propiedad aplicada a los seres vivos, y también sobre el hecho de proyectar las frustraciones, miedos y deseos sobre un tercero más débil. Los personajes de Clive y Elsa se erigen como novísimos arquetipos de la clase acomodada en la era post-ideológica: inteligentes, hedonistas, nerds en el sentido cool de la palabra (como mola su pisito freakie) y que ven y viven la vida como algo que no se debe tomar demasiado en serio. Pero siempre hay puntos oscuros, que el director canadiense adapta al contexto del film con enfermizos y fascinantes resultados.
Gantz
Jueves, 30 de octubre de 2008
Hace tiempo que quería abordar la lectura de “Gantz” de Oku Hiroya, un manga del que solo conocía vagamente su base argumental: Un grupo de personas “recién muertas” se materializan en una habitación con una extraña esfera negra en su centro. Dicho artefacto les proporcionará armas y les enviará, quieran o no, a cumplir peligrosas misiones asesinas.
Tras leer estos días unos cuantos tomos , llego a la conclusión que la bizarrez de su argumento se extiende con creces al resto de aspectos de este delirante y excesivo manga. Para que se hagan una idea de a que me refiero, ahí van una serie de conceptos que conforman la esencia de esta auténtica ida de olla:
Efecto “Lost”
Un poco injusto llamarlo así pues “Gantz”(2000) es muy anterior a la famosa serie de TV. Para que nos entendamos, me refiero al concepto “grupo heterogeneo de individuos obligados a sobrevivir en una realidad hostil totalmente ajena a su experiecia“. Realmente el manga toma como fuente de inspiración la película “Cube” (1998), y así lo deja claro uno de los personajes cuando menciona el film mientras está en la habitación. Esta situación crea una atmósfera de desconcierto que deja al lector con unas ganas tremendas de saber qué diablos está pasando.
Para reforzar todavía más estas sensaciones, el autor construye esta nueva realidad a base de surrealismo y no-sense: Pese a las seriedad de la situación, Gantz se comunica con sus soldados forzosos de forma infantil a la vez que despectiva. Según la enigmática esfera, los objetivos de las “cacerías” son alienígenas, sin embargo, presentan formas y actitudes totalmente disparatadas difícilmente asociables a un ejercito invasor venido del espacio. Los despistados protagonistas se encuentran con cosas tan raras como robots con forma de un popular cantante japonés que al oprimirles el pecho sacan pájaros gigantes por la boca, un Buda asesino de 30 metros de altura o dinosaurios capaces de ponerse sobre dos patas y pelear como un ser humano.
Fantasía de poder adolescente
El protagonista de la historia, Kei Kurono es un salidísimo estudiante de instituto, objeto de las burlas de sus compañeros a causa de sus erecciones en momentos inoportunos, y que, para mas inri no se come un rosco. Aunque en un principio se ve superado por su nueva situación al servicio de Gantz, poco a poco le coge el gusto a la cosa: se le da muy bien matar bichos, en el campo de batalla es el puto amo, sus compañeras de batallón se lo rifan, y aplicando la experiencia adquirida en las cacerías, triunfa también en el instituto, dejando KO a cuanto abusón se topa en su camino. ¿Qué adolescente no firmaría por vivir algo así? Si James Ballard escribiera “shonens” seguro que le saldría algo como esto.
(mucho) Sexo y (mucha) Violencia
Si hubiera que elegir un tebeo que represente lo mejor posible el estereotipo de manga/anime cargado de sexo y violencia gratuita, ese sería sin duda “Gantz”. Las batallas resultan en brutales carnicerías, con miembros amputados por doquier y un enfermizo detallismo a la hora de mostrar los desmembramientos y los impactos de los disparos.
El autor no se priva en sacar a las protagonistas en pelota picada, y digamos que la elipsis no es un recurso que utilize mucho a la hora “narrar” los coitos. Aunque para sexo gratuito, las pin-ups ataviadas con “equipamiento Gantz” que usa como separadores de capítulos en los tomos del manga.
La máxima sordidez en cuanto a sexo y violencia se da cuando ambos aparecen mezclados: violaciones cada dos por tres, chicas que se revelan como repulsivos demonios multiformes en pleno coito, Kurono concentrándose en las tetas de una de sus compañeras mientras le deshace (literalmente) la cara a uno de los “aliens”… vamos, nada que envidiar a los momentos más hardcore de la obra de David Cronenberg, Charles Burns o Clive Barker.
Melting Pot referencial
Desde “Matrix” no he visto ninguna obra que acumule tal cantidad de referencias directas e indirectas hacia otros productos pop. Como en el célebre film, la originalidad del manga no está en los conceptos que utiliza, sino en como se mezclan para configurar algo único. La carga referencial es tan grande que la serie conforma un auténtico mapa del inconsciente colectivo pop japonés, reforzando si cabe el halo onírico presente en cada una de sus viñetas.
En resumidas cuentas, por méritos propios “Gantz” se sitúa en lo más alto del pabellón bizarro, con el valor añadido de pertenecer a la esfera mainstream, donde resulta mucho más difícil sacar adelante este tipo de productos. Ya van publicados más de 20 tomos y parece que la cosa tiene cuerda para rato. Pese a quien pese, ya se ha convertido en un clásico de la desmesura y la “irresponsabilidad artística”.
Promesas del Este
Viernes, 19 de octubre de 2007“He dedicado dos años de mi mi vida a “Spider” y no he ganado un solo dolar en todo ese tiempo.”
Estas tremendamente honestas palabras fueron pronunciadas por David Cronenberg hace dos años en una entrevista acerca de “Una Historia de Violencia“. Muchos agoreros pronosticaron que ese giro al mainstream del canadiense resultaría en una película impersonal y de poco interés. Se equivocaron.”Una Historia de Violencia” no solo es 100% Cronenberg, sino que abrió nuevos caminos temáticos en su cine, gustó a un sector más amplio de público y dio beneficios económicos.
Un poco más discutible supone su recién estrenada “Promesas del Este“. Poca duda cabe de que Cronenberg ha aplicado una lógica puramente hollywoodiense para elegir este proyecto: Si algo funciona, repítelo. Este nuevo film repite meticulosamente todos los elementos que hicieron célebre su anterior trabajo: el choque entre el mundo “civil” y el crimen organizado, escenas de violencia rápidas y de una tremenda crudeza, sexo naturalista, la doble identidad … y Viggo Mortensen. Estas decisiones no son en absoluto criticables, pues un artista tiene todo el derecho del mundo de reutilizar sus hallazgos, pero conllevan una traba implícita: de entrada ya existe un referente que genera grandes espectativas ante la nueva obra, teniendo ésta que aguantar inevitables comparaciones con su predecesora . Y “Una Historia de Violencia” es bastante mejor que “Promesas del Este”.
El nuevo film plantea un choque de mundos mucho más forzado argumentalmente, y por tanto menos creible. También existe un cierto desequilibrio en el interés entre las dos partes paralelas de la historia. Mientras la parte “Mortensen” es dura, fria, con unos personajes tremendamente interesantes y llenos de matices, la parte “Watts” es sentimentaloide y de poco interés. De todas formas, estas irregularidades no estropean demasiado un film en general brillante; Cronenberg es mucho Cronenberg, y su habilidad para la puesta en escena, para extraer ambigüedad de los personajes y para dar información solo con imágenes harían brillar al peor guión que puediera caer en sus manos.
Mi recomendación: si aún no han visto “Una Historia de Violencia”, vean antes “Promesas del Este”. El efecto de cambiar el orden cronológico de visionado les resultará tremendamente satisfactorio.
