Archivo de la categoría ‘Top30’

Top30 (XX): The Invisibles

lunes, 31 de mayo de 2010

Invisibles Promo

“Todas las fantasías paranoides, todas las teorías de la conspiración, todos los supuestos encubrimientos y engaños del gobierno, todas las historias de los diarios sensacionalistas que hayas oído…

TODO ES CIERTO”

Las líneas de arriba fueron utilizadas para publicitar la serie de cómic “The Invisibles”, escrita e ideada por Grant Morrison y editada por Vertigo (DC) entre 1994 y 2000. Con semejante premisa y tales fechas de publicación, a más de uno le vendrá a la cabeza otra mítica ficción conspiranoica: “Expediente X”. Pues bien, pese a ser coetáneas, la de Morrison parece una evolución a 200 años vista de lo ofrecido por Chris Carter. Tanto es así, que casi diez años después de su finalización, y pese a talentos emergentes del siglo XXI que trabajan  “el mismo palo” , como los Wachowsky, J. J. Abrams y cia., Warren Ellis o (por qué no) Naoki Urasawa, “The Invisibles” aún no ha encontrado rival  en cuanto a complejidad estructural y como summun de lo paranoide.

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El argumento base de la serie mezcla la realidad contemporánea y la ficción más alucinada de manera escalofriante: Estamos siendo esclavizados y no nos damos cuenta. El mundo se está convirtiendo en un gigantesco pasto de 6000 millones de ovejas y ni siquiera somos conscientes de nuestra condición. Los poderes fácticos deciden sutilmente lo que podemos o no podemos hacer, lo que podemos y no podemos pensar. La “mano dura” de antaño ha sido sustituida por estrategias de control publicitario, cultura mainstream de encefalograma plano, adicción al consumo e implementación del pensamiento único. Lo que muy pocos saben es que esto es solo el principio. En 2012 se establecerá el cambio de paradigma definitivo: Un renacimiento del Universo que conducirá al estado de libertad absoluta o esclavitud total. Está claro quienes son los que van ganando. Pero ahí están nuestros héroes, los Invisibles, una comunidad ultrasecreta compuesta por pequeñas células terroristas, que tratarán de derrocar al “Sistema” antes de que sea demasiado tarde y los Archons, aliens lovecraftianos de otra dimensión, asuman el CONTROL (así en mayúsculas).

The_Invisibles_v2_03_14-15

Como ven, no bromeaba con lo de summun de lo paranoide. Si a esa base argumental le añadimos todo tipo de conceptos provenientes tanto del ocultismo (vudú, animismo, paganismo…), como de la ciencia de vanguardia (dimensiones adicionales, viajes en el tiempo, drogas hi-tech, semántica de control mental…), nos queda un artefacto de ficción realmente único y que se extiende más allá de los 66 cuadernillos en los que está contenido. Un monumento posmoderno que adquiere identidad (y vida) propia pese a sus ilustres referentes: Nada menos que Lewis Carroll, Franz Kafka, H.P. Lovecraft, Philip K. Dick, William S. Burrowghs, Michael Moorcock, Timothy Leary… y tantos otros que seguramente se me hayan pasado por desconocimiento.

Invisibles Poster

Pero dejemos los “conceptos molones” y pasemos a los “personajes molones”. Los Invisibles están lejos de la imagen de freedom fighters a la que estamos acostumbrados: hay desde una bruja travesti hasta un escritor reconvertido a super-asesino (King Mob, alter ego del propio Morrison), pasando por un multimillonario abducido por alienígenas cuando era niño. El “elegido” de turno es un gamberro de suburbio al que le parece igual de divertido robar un coche para dar un paseo como lanzar un cóctel molotov a la biblioteca pública. Nuestros héroes toman peyote para alterar sus conciencias y ver “más allá”, pero también éxtasis para disfrutar a tope la rave de turno.

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Este aliento hedonista-glamuroso-revolucionario fue reflejado mejor que nadie por el dibujante Phil Jimenez, uno de los tantos, que con mayor o menor fortuna pasaron por la serie. Quizá la irregularidad gráfica sea el mayor defecto que se le pueda achacar a ésta.   No se puede decir lo mismo de las portadas, la mayoría de ellas realizadas por un Brian Bolland en estado de gracia.

Invisibles v2_16

Aunque tenía conocimiento de la existencia de la serie desde que se empezó a publicar, no me enganché a ella hasta el 98 más o menos, cuando conseguí unos cuantos ejemplares en inglés. Recuperé el tiempo perdido a base de pedir tomos recopilatorios vía Previews, y ya me ven, un fanático más de Morrison y sus idas de olla (si revisan este blog, su nombre aparece unas cuantas veces). Para mí fue uno de esos productos-fuente que me llevaron a otros materiales de gran interés, ya no solo en el terreno de la ficción, sino también en el  de la “teoría del control mental” y otras subversividades, donde llegué a una conclusión muy clara: El gran problema (o no) que tenemos ahora es que sí, somos esclavos, pero esclavos que no desean ser liberados.

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Top30 (XIX): Carretera Perdida

miércoles, 5 de mayo de 2010

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A nivel de popularidad, 2001 fue un buen año para David Lynch. “Mulholland Drive”, ese piloto de TV  rechazado por la ABC, retocado con fondos franceses y reconvertido a película lo puso en el candelero como no estaba desde los ya lejanos tiempos de Twin Peaks. Hasta una nominación al Oscar le concedieron.

davidlynch

Lo que casi nadie sabía (ni sabe) es que “Mulholland Drive” es realmente una nueva versión (o autoplagio, poniéndose malvados) de su anterior película, la bastante desconocida entonces “Carretera Perdida”. La alucinada estructura de ambas, que bascula entre la abstacción y el onirismo, esconde el mismo concepto clave: Una persona que intenta fugarse de su realidad para acabar dándose de narices de nuevo con ella.

Get the Flash Player to see the wordTube Media Player.

“Carretera Perdida” fue mi vía de entrada al Universo Lynch. El film no me pareció  fácil en absoluto, vamos, que a la primera no me enteré de nada. Recuerdo haberla visto en el salón de la residencia de estudiantes en la que vivía, lleno a barrote. El público fue cayendo hasta que solo quedamos cuatro o cinco al finalizar la sesión. Acto seguido rebobinamos el VHS y vuelta a empezar. Fue la segunda de muchas veces más en días posteriores. Demostrado: A Lynch lo amas o pasas de él como de la mierda.

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Para el recuerdo queda la frase “Dick Laurent está muerto”, la casa ardiendo “al revés”, los coitus interruptus, las cintas de video, la aparición estelar de Marilyn Manson, la banda sonora de Bowie, Trent Reznor, Barry Adamson el propio Manson y los entonces cuasi-desconocidos Rammstein… Pero si me tengo que quedar con algo es con el muy pasado de rosca primer encuentro entre Fred y el “Hombre Misterioso”, que se le aparecía de vez en cuando para ponerle los pies en la  tierra:

Get the Flash Player to see the wordTube Media Player.

Semejante obsesión con una peli resulta desproporcionada desde mi actual punto de vista acerca del “consumo cultural”. Pero no me arrepiento, porque gracias a ella descubrí un montón de “otro cine” fuera de los parámetros más o menos mainstream en los que me movía. Realmente marcó mi vida, al menos cinematográficamente hablando.

Cuando el grupito de lynchófilos analizábamos la película como posesos, nos comíamos el coco separando lo que era real y lo que fantasía del prota. Con los años comprendí mejor la naturaleza de este tipo de films, que hay que concebir como experiencias audiovisuales al margen de las narrativas convencionales  y donde se debe dejar trabajar al inconsciente y la intuición. Vistos así son los más sencillos del mundo.

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En fin, en los doce años posteriores he visto películas igual de buenas o mejores, pero sé que nunca disfrutaré de ninguna con tanta intensidad como lo hice con “Carretera Perdida”.

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Top30 (XVIII): Ænima

sábado, 30 de enero de 2010

aenima

Tras una época de flipe con la música electrónica (ver episodio XV), entré en mi fase guitarrera. Como no, fue a través de los brillantes Led Zeppelin, que sirvieron de puente a otras bandas antiguas y modernas como Allman Brothers, Jeff Beck, Incubus, Skid Row, Jane’s Addiction (very good) o (horror!) Marilyn Manson. Pero entre todos esos descubrimientos (a través de recomendaciones de amigos), hubo dos que me marcaron especialmente: Nine Inch Nails con su “Downward Spiral”, y el que nos ocupa, “Ænima” de Tool.

LedZeppelin4 janes-addiction-1988-nothings-shocking

Aquellos eran años emocionantes para el Metal. El agotamiento de las bandas “clásicas” dio lugar a  un nuevo movimiento “bastardo” que introducía sin complejos elementos Rap y Hip-Hop entre tanto delirio guitarrero. Hablo como no del Nu-Metal. Los Tool, alejados tanto de la vertiente clásica  como de la tendencia “Nu”, brillaban con luz propia con su metal oscuro, (muy muy) pesado y vocalmente perturbador. Si a ello le añadimos el cuidadísimo aspecto visual de las carátulas de sus álbumes y unos alucinantes videoclips a juego (casi todos creados mediante la técnica stop motion), nos damos cuenta de que hablamos de una banda fuera de lo común.

Pero el descubrimiento de Tool tuvo para mi una importancia adicional en cuanto a que me sirvió de puente al mundo del Rock Progresivo. Resulta que la banda se adscribía a la etiqueta de Metal Progresivo, una subsección de ese amplísimo meta-género. En una de sus giras, los californianos llevaron como invitados a los míticos King Crimson, cuyo LP “In the Court of King Crimson” es considerado el primero del género prog. Me picó el gusanillo, pedí prestados los discos a Diego, y a partir de ahí entro en una nueva fase musical, dominada por este tipo de música: Emerson, Lake & Palmer, Magma, Yes, Pink Floyd, Jethro Tull, Gentle Giant, Beggar’s Opera, Los Canarios y muchos otros de los que ya no me acuerdo sonaron horas y horas en mi reproductor de CDs.

In the Court of King Crimson Brain Salad Surgery

Por supuesto, también en esa época descubrí el sub-género prog que ahora es mi preferido, el Krautrock. Pero eso es otra historia que queda reservada para más adelante.

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Top30 (XVII): La Casta de los Metabarones

jueves, 17 de diciembre de 2009

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Mi primer contacto con la obra (y filosofías) de Alejandro Jodorowsky fue a través de “El Incal”, la mitiquísima serie que cocreó con el no menos mítico Moebius. Como todo dios, flipé con el dibujo, pero caro me costó leerlo por culpa de su carácter empalagosamente  mesiánico y New Age.

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En cuanto a Juan Giménez, siempre me encantaron sus universos de ciencia ficción. Conseguí reunir todos sus álbumes editados por Toutain, pero tampoco en este caso las historias estaban en general a la altura de semejante excelencia gráfica.

Pero cuando estos dos autores cruzaron sus caminos, dieron a luz una obra excepcional en todos los sentidos, “La Casta de los Metabarones”. En ella, Jodorowsky deja de lado su vena “iluminada” para abordar un asunto mucho más terrenal, pero no por ello menos épico: La familia. El chileno concibe el árbol genealógico como un mapa de la mente del individuo, de él heredamos no solo los genes, sino que también una serie de rasgos psicológicos, muchas veces adquiridos de manera inconsciente que condicionan nuestra forma de ser más allá de lo que en principio podemos imaginar, hasta tal punto que ciertos problemas y complejos “enterrados” en el fondo de la conciencia pueden transmitirse de generación en generación, aún cuando el portador original de la “tara” haya dejado de existir.

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Jodorowsky nos intenta explicar todo esto como mejor sabe, llevándolo al terreno del mito.  Así, en los 8 capítulos que forman la serie nos cuenta la historia de cuatro generaciones de super-gerreros galácticos, donde el adjetivo “épico” se queda corto. A través de la estirpe fundada por Othon (el tatarabuelo) descubrimos como llegó a ser quien es el Metabaron (ya visto en “El Incal”), el guerrero más poderoso de la galaxia, que ha tomado la firme decisión de no engendrar jamás un descendiente: Complejos de Edipo, mutilaciones iniciáticas, psicodramas shakesperianos, cirugías cibernéticas, monjas-puta, universos en desintegración, partos imposibles… En esta serie no hay restricciones para lo mítico y lo épico. La capacidad fabuladora de Jodo es tal que cada vez que terminaba de leer un tomo quedaba mordiéndome las uñas con sus imposibles “continuará…” y maldiciendo la espera por el siguiente capítulo.

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En la parte gráfica, Giménez por fin ponía su poderío visual al servicio de una historia digna de su trazo. Él solito funda todo un universo lleno de exóticas culturas, tecnología y extrañas especies alienígenas, sin titubear a la hora de poner en imágenes las alucinadas escenas de los guiones. Una mención especial merecen las portadas, cada una con el retrato del miembro de la familia al que se dedica el tomo, en un evidente homenaje a Rembrandt.

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Un grandísimo tebeo que a todos recomiendo en esta época regalera, más teniendo en cuenta que Mondadori puso en circulación desde hace un tiempo un recopilatorio con toda la serie, en tamaño reducido y sin las cubiertas originales eso si, pero dando la posibilidad de leer la absorbente gesta metabarónica de un tirón.

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Top30 (XVI): Brut Comix

jueves, 19 de noviembre de 2009

Brut Comix

En estos tiempos de “Novela Gráfica” resulta paradójico pensar que a mediados de los noventa la grapa fuese considerada como la gran esperanza del tebeo en España. Eran tiempos de crisis para la historieta (¿cuándo no?), y en las editoriales pensaron que el formato comic-book (cuadernillo) , más allá de dar soporte a  aventuras de superhéroes, podía servir para dar salida a otro tipo de material más exótico de manera económica a la vez que rentable. Editoriales grandes y pequeñas recurrieron a este modelo para dar a conocer nuevos talentos patrios (muchos de ellos se ganan ahora la vida en los mercados americano y francobelga), reeditar obras de calidad difíciles de conseguir en sus ediciones originales o arriesgar con material extranjero poco conocido por estos lares.

Mr Brain #5    El Baile del Vampiro #2

En este panorama destacó sobre las demás iniciativas el mítico sello “Brut Comix” de la editorial La Cúpula. Esta colección de tebeos de grapa en blanco y negro y con tapas de cartón predicó la “filosofía underground” cultivada por la revista “El Víbora” desde hacía ya varios lustros. Por un lado sirvió para sacar nuevo  material de autores americanos conocidos aquí gracias a la revista como los Bros. Hernandez (“Locas”, “Rio Veneno”), Charles Burns (“Big Baby”, “Burn Again”, “Black Hole”) o Robert Crumb (“Art & Beauty”) pero también para promocionar nuevos valores transatlánticos como Daniel Clowes, con su impactante “Como un guante de seda forjado en hierro”, Peter Bagge (“Mundo Idiota”) o Chester Brown (“El Playboy”).

burn again    Como un guante de seda forjado en hierro #3

Como no, en el sello tampoco faltaron autores patrios. Lo más destacado en ese aspecto quizá fuese “Brian the Brain” de Miguel Ángel Martín, donde suavizó (un poco) su (extremísimo) discurso para contarnos las andanzas de un niño mutante en un futuro que visto ahora es casi ya presente. Tampoco estuvo mal el hiper-angustioso “El Resentido” de Juaco Vizuete, un autor que por desgracia no se prodigó demasiado posteriormente.

Brian The Brain #1   El Resentido #1

Otro gran aporte de los Bruts fue el traer material europeo externo al “Universo Album Francobelga”. Impactado quedé con las escalofriantes  historias mudas del suizo Thomas Ott o con los pasajes de la América bizarra narrados por Mezzo y Pirus.

Hellville   killers

En lo que a mi respecta, descubrí a la mayoría de autores comentados en este post gracias a estos baratos cuadernillos, una compra obligada en cada visita a la librería especializada. Ni que decir tiene que mi cultura tebeística aumentó enormemente con estas lecturas.

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Top30 (XV): Wipeout

jueves, 22 de octubre de 2009

wipeout Portada 

Que el lanzamiento de la Playstation supuso un antes y un después en la historia de los videojuegos es algo que nadie duda. A nivel tecnológico fue la primera vez que el usuario doméstico podía disfrutar de juegos 3D con un nivel gráfico similar al de las recreativas más avanzadas, pero a nivel cultural la revolución fue todavía mayor: Sony se las apañó para convertir a los videojuegos en algo extremadamente cool. En poco tiempo desapareció la creencia popular de que eran “cosa de niños” para invadir sin complejos nuevas franjas demográficas. Marketing aparte, una serie de títulos resultaron fundamentales a la hora de forjar esta nueva Gaming Culture, y entre ellos, “Wipeout” de  Psygnosis, tuvo un papel muy destacado.

Ya en la elaboración de varios juegos  de la era pre-PS se había recurrido a fuerzas creativas externas al mundillo  (un buen ejemplo sería el de Darkseed, visto en una anterior entrega de Top30), pero los de Leeds llevaron esta filosofía al límite para capturar el espíritu del momento. La música electrónica bailable de calidad empezaba a emerger al mainstream gracias a formaciones como Chemical Brothers o The Prodigy, y los creativos de Psygnosis decidieron asociar el juego de velocidad futurista a esa tendencia, que más allá de lo musical, se internaba también en el mundo de la moda y el diseño gráfico. Así,  la banda sonora de Cold Storage (el músico de la casa) se reforzó con temas de algunos grupos punteros de la escena, y en el apartado visual se contrató al mítico estudio The Designers Republic que estaba marcando época con sus trabajos para el sello Warp y la banda Pop Will Eat Itself.

Chemical Brothers - Exit Planet Dust    Prodigy - Music for the Jilted Generation

Estos elementos combinados con la adrenalínica experiencia de juego convirtieron a “Wipeout” en algo único y a imitar, hasta el punto de que no solo se hizo normal recurrir a la industria musical para componer el apartado sonoro de los juegos, sino que ahora muchas bandas deben su éxito a la presencia de alguno de sus temas en una franquicia potente. Pura sinergia positiva para todos los implicados. Por mi parte, gracias a este juego descubrí que la música electrónica era algo mas que los horteras recopilatorios tipo “Máquina Total” o “Bolero Mix”, y hoy en día (tras unos años de abandono) supone alrededor del 70% de mi consumo musical.

 wipeout3se    wipeout2097

“Wipeout” es ahora una franquicia fiel a su filosofía inicial, y que  entrega a entrega ha refinado su estilo hasta niveles de excelencia estratosféricos. Si en la primera parte solo se incluían tres temas de “artistas destacados”, las siguientes van sobradas de grandes nombres de la escena, formando bandas sonoras de lujo, todas ellas comercializadas también en formato CD. 

Banda sonora del post:

Chemical Brothers – “Chemical Beats” (de “Wipeout”)
[audio:http://dreammedia.ru/music/Chemical_Brothers/Singles_93-03_%28Limited_Edition%29/Chemical_Brothers%20-%20Chemical_Beats.mp3]

Future Sound of London – “We have explosive” (de “Wipeout 2097”)
[audio:http://virtual.tehinterweb.net/livejournal/Future%20Sound%20Of%20London%20-%20We%20Have%20Explosive.mp3]

Paul Van Dyk – “Avenue” (de “Wipeout 3”)
[audio:http://dreammedia.ru/music/Paul_van_Dyk/Out_there_and_back/Paul_van_Dyk%20-%20Avenue.mp3]

Aphex Twin – “Fenix Funk 5” (de “Wipeout Pulse”)
[audio:http://mp3.soundcult.com/Aphex_Twin-Fenix_Funk_5.mp3]

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Top30 (XIV): Pulp Fiction

miércoles, 30 de septiembre de 2009

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Aprovechando que Tarantino está de actualidad con “Malditos Bastardos” retomo el (abandonadísimo) proyecto Top30 con la peli que le dio fama mundial y que todo aquel mínimamente interesado en la cultura pop debería haber visto. Me refiero, como no, a “Pulp Fiction” (PF).

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De hecho, puedo asegurar que todo aquel que lea este post ha visto ya el film que nos ocupa, y tiene sus propias opiniones acerca del mismo (probablemente buenas). Para no aburrir con la enésima reseña de la peli, voy aportar un par de impresiones sobre el fenómeno:

1. Uno de los clichés conversacionales acerca de PF es eso de “pues a mi me gusta más ‘Reservoir Dogs’” (RD). Discrepo. PF le da mil vueltas a su predecesora, a la que no niego su valor a la hora de introducir a Tarantino en el show business. Pienso que la famosa coletilla se debe, más que nada, a las circunstancias de un periodo de tiempo en plena fiebre tarantiniana  en el que era bastante difícil hacerse con una copia de RD. Haberla visto daba cierto estatus, y ya que pertenecías al “club” ¿Por qué no soltar que era mejor que la que ya había visto todo el mundo?

 pf1

2. A 15 años de su estreno, he de admitir que el tiempo ha perjudicado un poquito a PF,  y por cuestiones ajenas a la propia peli. Le pasó un poco lo que a “Watchmen” y “Batman: The Dark Knight Returns” en el mundo del cómic: Su estilo fue malcopiado hasta la saciedad, provocando esto el rechazo sobre algunos de sus recursos por manídos. Tarantino ha salido muy bien del paso, aportando nuevos enfoques a su manera de hacer cine en sus siguientes pelis, pero PF ha quedado tocada. A día de hoy, ya no me parece el peliculón de antes, pero estoy seguro que de haberse estrenado este año en lugar de en 1994, sin el lastre de haber marcado tendencia, me causaría el mismo o incluso mayor impacto que en 1995, cuando la vi en vídeo por primera vez.

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Top30 (XIII): 12 Monos

martes, 5 de mayo de 2009

Pese a lo que pueda aparentar, no siempre fui un cinéfilo compulsivo. Hasta los 16 (aprox.) mi dieta cinematográfica estaba compuesta principalmente por superproducciones de acción y/o ciencia ficción, y alguna que otra comedia más o menos cáustica. A partir del 95 la cosa fue cambiando progresivamente, y “12 Monos” tuvo parte de la culpa.

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Cuando vi el reportaje sobre la peli en "Cartelera TVE”, lo primero que se me pasó por la cabeza fue que aquello era 100% Bilal: un post-apocalipsis cercano, ambientes mugrientos, jirafas y elefantes trotando libremente por la gran ciudad… había que verla. El film superó  con creces mis expectativas. Además de sus bondades a nivel visual, los dos ejes argumentales en los que se fundamentaba la historia gozaban de una complejidad que hasta el momento solo había visto en cómics y novelas.

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Por un lado teníamos una historia de viajes temporales basada en espaciotiempo invariable, como las de “Terminator” (la 1), “Next Men” o ¿”Lost”?. Un precioso bucle temporal al que no se le puede achacar un solo error, que ya es decir, y en el que la planificación argumental milimétrica y el lirismo se dan la mano de manera fascinante.

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Por otra parte, Terry Gilliam pone toda la carne en el asador para que el espectador se introduzca de lleno en la psique de James Cole (Bruce Willis), el forzoso viajero del tiempo que llega al pasado para encontrar una cura para el virus que en su época había eliminado al 99% de la humanidad. Cole es encerrado en una institución mental, donde él mismo cuestionará su propia cordura. El director consigue transmitir al espectador la sensación de angustia y sufrimiento del protagonista, y por extensión nos permite comprender un poco mejor a todos aquellos que, a causa de una enfermedad mental, tienen que vivir torturados por sus divergentes visiones de la realidad.

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Una de esas películas que, pese la mediocridad generalizada del panorama mainstream, demuestra que de los grandes estudios (en este caso, la Universal),  también pueden salir auténticas joyas del 7º Arte.

Tráiler:

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Top30 (XII): La fOntana y la sOnda

martes, 14 de abril de 2009

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Seguramente que a lo largo de su vida (sub)cultural se han encontrado con alguna ficción en la que el contexto elaborado por el autor juega un papel fundamental en el desarrollo de la misma, y su importancia iguala o supera a otros elementos en teoría más relevantes, como el argumento o el desarrollo de personajes, a la hora de valorar la obra en conjunto. Probablemente, mientras leen esto les vendrá a la cabeza la más célebre representante de este tipo de ficciones: La trilogía de “El Señor de los Anillos”. Para contar su relato, Tolkien creó la Tierra Media, todo un mundo imaginario en el que no dejó ningún detalle al azar: geografía,, flora, fauna, cultura(s), historia… Una labor a todas luces impresionante que fascinó a millones de lectores de todos los rincones del planeta.

 

Personalmente, nunca me interesó demasiado el “Universo Tolkien”, así que mi primera aproximación a un mundo imaginario minuciosamente elaborado fue mediante el álbum de cómic “La fOntana y la sOnda” creación de François Bourgeon y Claude Lacroix. Estos autores imaginaron una futura civilización humana asentada en un planeta remoto, cuyo origen se remontaría a siglos atrás, cuando la Tierra comenzó a colonizar planetas compatibles con la vida. En este planeta, de nombre Olh, surge una extraña enfermedad mortal que se extiende a toda velocidad entre la población masculina, hasta el punto de acabar con la vida de Cobalto,  heredero del régimen Olsimar, hermano de la caprichosa Cyann y novio de la arribista Nácara, las protagonistas de la historia.

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Estas mujeres se verán enfrascadas en los preparativos del viaje al planeta ilO, donde creen puede estar el remedio a la enfermedad que amenaza con poner fin a su civilización. En el proceso se verán implicadas en una serie de intrigas político-conspiracionistas con los deO, comunidad portadora del conocimiento científico, rival de los Olsimar  y sospechosamente inmune a las fiebres púrpuras.

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Bourgeon ya había demostrado en el pasado su buen hacer a la hora de plasmar ambientes exóticos verosímiles y definir personajes femeninos con carisma. Si para sus series anteriores ("Los Pasajeros del Viento", "Los Compañeros del Crepúsculo"), se documentó a fondo acerca de las épocas en las que se desarrollaba la acción, en esta su primera aproximación a la ciencia ficción, recurrió a su amigo Claude Lacroix para componer un entorno ficticio de  una complejidad inusitada: flora, fauna, vestidos, peinados, tradiciones, estructura social, tecnología… Todo perfectamente plasmado en unas planchas que son todo un festín para la vista.

 

Quince años después, con ya cuatro tomos  y una "guía enciclopédica" publicados , Bourgeon y Lacroix siguen extendiendo su universo mas allá de Ohl e IlO sin mostrar síntomas de agotamiento. Que sigan por muchos años más.

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Top30 (XI): Trilogía Nikopol

domingo, 15 de marzo de 2009

Trilogía nikopol

La última fila del aula de Dibujo del Instituto de Bacharelato de Melide tenía un valor añadido a su posición estratégica fuera del campo visual del profe: Justo detrás estaba situada una estantería llena de álbumes de cómic de la colección “Cimoc Extra Color”. Había un poco de todo, pero sin duda los más solicitados eran aquellos en los que aparecían féminas esculturales ligeritas de ropa.

Sin embargo, se daba el caso de que, precisamente el tebeo con mayor proporción de desnudos, era dejado de lado sistemáticamente por la chavalada. En él, una mujer de aspecto venenoso, de piel blanca y pelo azul tenía sucesivos encuentros sexuales con señores a los que luego mataba, sin tener ella misma muy claro el porqué. Todo ello en un mundo futuro lúgubre y decadente, lleno de suciedad, contaminación, bombas y apariciones fantasmales. Se trataba de  “La Mujer Trampa”, segunda parte de la “Trilogía Nikopol”, obra del yugoslavo afincado en Francia Enki Bilal,  que no mucho después se convertiría en uno de mis tebeos de cabecera.

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La primera parte “La Feria de los Inmortales” (1980) supuso la puesta de largo de Bilal como autor completo, tras sus fructíferas colaboraciones con Pierre Christin. Allí desplegó una delirante trama de ciencia ficción, en la que una pirámide voladora llena de dioses egipcios se detenía sobre un Paris de 2023 doblegado por un régimen fascista. Mientras Anubis demanda al gobierno una ingente cantidad de combustible para continuar su viaje, Horus, el dios rebelde escapa de su encierro para mezclarse con los humanos. Allí se encuentra con Alcide Nikopol un preso condenado a la criogenización recién despertado tras 20 años de letargo. Horus se apropia del cuerpo de Nikopol y juntos (a disgusto del segundo), exploran un mundo que les es ajeno, a la vez que huyen de sus perseguidores.

Como les decía, delirante, pero ese contexto surrealista le funciona de maravilla al autor para desarrollar un discurso acerca del estado del mundo centrado en cuatro aspectos a los que recurrirá obsesivamente en sus siguientes obras: control, estado, religión y memoria.

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Precisamente la memoria será el tema predominante de “La Mujer Trampa” (1986). Su protagonista, la periodista Jill Bioskop se ve condenada a revivir una y otra vez sus miserias, precisamente por su falta de valor a la hora de conservar sus recuerdos, eliminados con la ayuda de un extraño y destructivo fármaco. Esta situación cambia cuando su camino se cruza con el binomio Nikopol/Horus, formando uno los bizarre love triangles más célebres de la historia del cómic.

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En la última entrega, “Frio Ecuador” (1992), el autor da sentencia final a los destinos de todos los personajes de paso que ofrece sus impresiones acerca del nuevo estado del mundo (post Muro de Berlin), en el que las ideologías y creencias religiosas son sustituidas por los mass media y la cultura del espectáculo como fuerzas motrices del modo de pensar del hombre contemporáneo.

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Aunque las historias tienen su enjundia, el verdadero punto fuerte de estas obras es el magnífico dibujo de Bilal, capaz de introducir al lector en universos que son un reflejo del estado mental de este nuestro mundo “real”. Hace unos cuatro años, el propio Bilal se encargo de realizar la adaptación cinematográfica de la trilogía de título “Immortel (Ad Vitam)”, con resultados bastante discretos (siendo benévolos), demostrando la importancia del dibujo a la hora de dar “verosimilitud” a semejantes argumentos.

El tiempo pasa y los gustos evolucionan, pero estos tebeos me siguen pareciendo tan interesantes como hace 15 años.

Anteriormente en Top30:
Intro (qué es Top30)
Ulises 31
Los 4 Fantásticos
Secret Wars
Transformers
Batman y los Outsiders
Batmanía
Dragon Ball
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Parque Jurásico
John Byrne’s Next Men

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